Alberto Giorgio Cassani | Accademia di belle arti di Ravenna (original) (raw)
Papers by Alberto Giorgio Cassani
La forza della bellezza e la ricerca della concinnitas, 2024
Le valenze estetiche ed etiche dei concetti di bellezza e concinnitas sono al centro del poliedri... more Le valenze estetiche ed etiche dei concetti di bellezza e concinnitas sono al centro del poliedrico e complesso percorso intorno alla bellezza di Leon Battista Alberti, umanista, letterato, architetto, pensatore morale, teorico delle discipline artistiche del Quattrocento. L'analisi delle radici del suo pensiero, sia sul bello visibile in natura che sulla produzione della bellezza artistica e architettonica, è indagata con un'attenzione costante alla dimensione etica del vivere umano.
Ornella Crotti si concentra sull'evoluzione del concetto di concinnitas, tema centrale della riflessione albertiana, che, come ha scritto Eugenio Garin, «è una grande meditazione morale». Alberto Giorgio Cassani analizza invece l'idea di bellezza e le proporzioni dell'uomo come «animal».
The aesthetic and ethical values of the concepts of beauty and concinnitas are at the center of the multifaceted and complex path around the beauty of Leon Battista Alberti, humanist, man of letters, architect, moral thinker, theorist of the artistic disciplines of the fifteenth century. The analysis of the roots of his thought, both on the beauty visible in nature and on the production of artistic and architectural beauty, is investigated with constant attention to the ethical dimension of human life.
Ornella Crotti focuses on the evolution of the concept of concinnitas, a central theme of Albertian reflection, which, as Eugenio Garin wrote, «is a great moral meditation». Alberto Giorgio Cassani instead analyzes the idea of beauty and the proportions of man as an "animal".
Ravenna Festival, E fu sera e fu mattina... Genesi 1, xxxv edizione, Fusignano, Grafiche Morandi, pp. 119-124, 2024
Giovanni Michelucci (Pistoia, 2 gennaio 1891 - Fiesole, 31 dicembre 1990), in uno degli ultimi su... more Giovanni Michelucci (Pistoia, 2 gennaio 1891 - Fiesole, 31 dicembre 1990), in uno degli ultimi suoi scritti – fors’anche l’ultimo – richiestogli in occasione di una mostra di plastici di architetture concepite per la città di Ravenna, che vedeva la presenza della bellissima maquette in legno del progetto dell’Auditorium realizzata da Lamberto Bazzoni, rileva la complessità del suo rapporto con questo tema, «forse perché contrassegna uno dei molti appuntamenti mancati con lo spazio teatrale». Questo testo ripercorre le tappe di quel progetto mancato.
Giovanni Michelucci (Pistoia, 2 January 1891 - Fiesole, 31 December 1990), in one of his last writings – perhaps even the last – requested of him on the occasion of an exhibition of architectural models conceived for the city of Ravenna, which saw the The presence of the beautiful wooden maquette of the Auditorium project created by Lamberto Bazzoni highlights the complexity of his relationship with this theme, «perhaps because it marks one of the many missed appointments with the theater space». This text retraces the stages of that failed project.
Ravenna Festival Magazine 2024, pp. 35-39, 2024
«Et vidi cælum novum et terram novam. Primum enim cælum et prima terra abiit, et mare iam non est... more «Et vidi cælum novum et terram novam. Primum enim cælum et prima terra abiit, et mare iam non est».
This apocalyptic scenario is what humanity might face according to James Graham Ballard (Shanghai, November 15, 1930 - London, April 19, 2009). The entire tetralogy of catastrophes lies In the sign of the Apocalypse, the revelation of a future in which heaven and earth will be transformed, and even the sea will no longer exist: “The Wind from Nowhere” (1962), “The Drowned World” (1962), “The Burning World” (1964), and “The Crystal World” (1966). In these novels, Ballard imagines four atmospheric events that radically change Earth’s climate: a destructive wind, solar storms that melt glaciers submerging the cities, the desertification of the planet caused by the total disappearance of rain, and finally, a process of “crystallization” of the world mysteriously triggered in a forest in equatorial Africa. These are the four primary elements of classical Greek physics: air, water, fire, and earth. As in any respectable apocalypse, architecture also plays a fundamental role: although, instead of the shining celestial Jerusalem, construc- tions appear as “crystalline” structures assembled from parts of demolished cars or even traffic islands, skyscrapers, socalled smart cities, theme parks, heavily monitored luxury residences, and mega shopping centers. In the English writer’s latest novel, “Kingdom Come” (2006), this last type, in particular, seems to take on the appearance of a true celestial Jerusalem of the god of commerce. With a fundamental difference from the classical Apocalypse: in Ballard’s future worlds, there is no possibility of peace, but eternal restlessness. Since the 1970s and especially in recent years, Ballard has further pushed his exploration around the Inner Space, investigating the reactions of the human psyche in the face of the dominance of technology and the transformations caused by the globalized economy. The “apocalyptic” dimension has not been lost. It has simply been redesigned. The crystal has melted. The apocalypse is closer and closer. However, it does not seem to announce any celestial Jerusalem.
Georg Simmel. Variazioni estetiche, a cura di Federica Pau e Luca Vargiu, 2024
Il volume, che coinvolge studiosi italiani e stranieri di varie discipline – dall’estetica alla s... more Il volume, che coinvolge studiosi italiani e stranieri di varie discipline – dall’estetica alla storia della filosofia, dalla germanistica alla geografia –, prende in considerazione diverse questioni fra quelle che contribuiscono a declinare il campo estetico nel pensiero di Georg Simmel. Accanto ad alcuni aspetti tra i più frequentati dalla letteratura critica (la moda, la metropoli, le analisi di pittori e scultori, il paesaggio, il rapporto con i classici del pensiero occidentale), di cui vengono proposte letture comunque innovative per taglio e contenuti, sono affrontate tematiche finora poco considerate nelle dinamiche ricettive, come la produzione letteraria e poetica del sociologo tedesco, la riflessione sul giardino, il rapporto con le poetiche coeve sulle arti applicate e quello con il pensiero scientifico e geografico. Viene in tal modo gettata nuova luce su un filosofo che, a oltre un secolo dalla sua scomparsa, non cessa di suscitare interesse in diversi saperi e aree culturali.
The volume, which involves Italian and foreign scholars from various disciplines - from aesthetics to the history of philosophy, from German studies to geography - takes into consideration various issues among those that contribute to the decline of the aesthetic field in Georg Simmel's thought. Alongside some of the most frequented aspects of critical literature (fashion, the metropolis, analyzes of painters and sculptors, landscape, the relationship with the classics of Western thought), of which innovative readings are proposed in terms of style and content, topics that have so far been little considered in the reception dynamics are addressed, such as the literary and poetic production of the German sociologist, the reflection on the garden, the relationship with contemporary poetics on the applied arts and that with scientific and geographical thought. In this way, new light is shed on a philosopher who, more than a century after his death, continues to arouse interest in various fields of knowledge and cultural areas.
Ravenna&Dintorni, n. 1043, 2024
An article to save what remains of the industrial heritage of the city of Ravenna from demolition... more An article to save what remains of the industrial heritage of the city of Ravenna from demolition
Un articolo per salvare dalla demolizione ciò che resta del patrimonio industriale della città di Ravenna
Annuario Accademia di Belle Arti di Venezia, 2019-2020-2021. L'arte al tempo della pandemia: le virtù del virtuale, 2023
È forse una circostanza accidentale che, in un numero rilevante di casi, gli architetti abitino a... more È forse una circostanza accidentale che, in un numero rilevante di casi, gli architetti abitino all’ultimo piano di un edificio? Il saggio, oltre a certificarne la verità con un lungo elenco di architetti famosi, cerca di spiegarne le ra- gioni, affrontando il tema della simbologia della verticalità in architettura, a partire dalle riflessioni di Gaston Bachelard, ne La poétique de l’espace, fino all’analisi dettagliata dei racconti e dei romanzi di James G. Ballard, in cui la figura dell’architetto è quasi sempre protagonista, spesso con caratteristiche del tutto negative. Un protagonista che, inoltre, ama spesso abitare agli ultimi piani – confermando dunque il topos – come avviene nel romanzo capolavoro del grande scrittore inglese, High-Rise, del 1975.
Is it perhaps a coincidence that, in a significant number of cases, architects live on the top floor of a building? The essay, in addition to certifying the truth of that with a long list of famous architects, tries to explain the reasons, dealing with the theme of symbolism of verticality in architecture, starting from Gaston Bachelard’s reflections, in La poétique de l’espace, up to the de- tailed analysis of the short stories and novels by James G. Ballard, in which the figure of the architect is almost always the protagonist, often with char- acteristics not at all like a positive hero. A protagonist who loves living on the top floors, as happened in the masterpiece of the great English writer’s 1975 novel, High-Rise.
Annuario Accademia di Belle Arti di Venezia 2019-2020-2021. L'arte al tempo della pandemia: le virtù del virtuale, 2023
Questo Annuario nasce dallo stato di eccezione che va dal 2020 al 2022, quando il mondo ha dovuto... more Questo Annuario nasce dallo stato di eccezione che va dal 2020 al 2022, quando il mondo ha dovuto fare i conti con la pandemia del Covid-19, e accorpa in un unico volume i tre anni accademici di quel periodo.
Quali sono state le difficoltà, ma anche le opportunità, nel mondo della didattica dell’arte, della produzione artistica, delle mostre, dell’attività museale, di questo periodo? Nel Dossier si è cercato di riflettere su quel tempo dilazionato e sulle risorse offerte dalle tecnologie digitali e dalla
realtà virtuale. L’arte digitale ha sviluppato esperienze di insegnamento-apprendimento collaborativo in rete con studenti di diverse nazionalità, di interrelazioni da remoto da coltivare poi in presenza, in un contesto internazionale e su temi rilevanti, secondo un processo creativo orientato a suscitare una riflessione critica sulla concezione contemporanea dello spazio.
La sezione Saggi e studi propone scritti su archeoastronomia e pittura dell’età della pietra, Albrecht Dürer, Giorgione e Giulio Campagnola, Artemisia Gentileschi, Pavel Florenskij, Ugo Mulas e Luigi Ghirri, Gaston Bachelard e James G. Ballard.
This Yearbook was born from the state of exception that ran from 2020 to 2022, when the world had to deal with the Covid-19 pandemic, and brings together the three academic years of that period in a single volume.
What were the difficulties, but also the opportunities, in the world of art teaching, artistic production, exhibitions, museum activity, of this period? In the Dossier we tried to reflect on that deferred time and on the resources offered by digital technologies and the
virtual reality. Digital art has developed collaborative teaching-learning experiences online with students of different nationalities, of remote interrelationships to then be cultivated in person, in an international context and on relevant themes, according to a creative process aimed at provoking critical reflection on contemporary conception of space.
The Essays and Studies section offers writings on archaeoastronomy and Stone Age painting, Albrecht Dürer, Giorgione and Giulio Campagnola, Artemisia Gentileschi, Pavel Florenskij, Ugo Mulas and Luigi Ghirri, Gaston Bachelard and James G. Ballard.
La Rivista di Engramma, n. 200: Festa!, 2023
In this essay, the author approaches the role of the festive element in Leon Battista Alberti, pa... more In this essay, the author approaches the role of the festive element in Leon Battista Alberti, particularly in his play Momus, as well as the importance of irony and dark humour. If laughter can certainly be conside- red an essential component of any celebration, there is no doubt that this emotional expression of human behavior is very central in the thought of Leon Battista Alberti. But Alberti’s laughter does not express joy or cheerfulness, but has a “therapeutic” function (see Cardini). Thus, occasionally, he uses terms such as “gioco”, “giuoco lupercal”, “festa”, “grande festa”, “publica festa”, “dì festivo”, “festivo”, “festività”, “festeggiare”, “festereccio”, “festivissima”; and, in his works written in Latin: “festinum”, “ludibundus”, “festivus”, in addition of course to “ludus”. But the fundamental aspect of the celebration in Alberti is its “ambivalence”: laughter often turns into tears, and vice versa. The most sensational example is the finale of Momus, where the laughter of the gods soon turns into their disastrous fall.
Leon Battista Alberti, "De pictura" (lat.). Kunsttheorie – Rhetorik – Narrative – Teoria dell'arte – retorica – narrative, Herausgegeben con Hartmut Wolfram und Gregor Schöffberger, Unter redaktioneller Mitarbeit von Matthias Balsas und Katharina Gerhold, Stuttgart, Franz Steiner Verlag, 2023
Preliminary study on the relationship between the "De pictura" (Latin version) and the "De re aed... more Preliminary study on the relationship between the "De pictura" (Latin version) and the "De re aedificatoria" by Leon Battista Alberti
Niccolò V: allegorie di un pontefice, a cura di Outi Merisalo, Anna Modigliani, Francesca Niutta, Roma, Roma nel Rinascimento, 2023, pp. 381-397, 2023
Ponti | Brücken Esplorazioni interdisciplinari di un termine polivalente | Interdisziplinäre Erkundungen eines polyvalenten Begriffs a cura di | hg. von Barbara Kuhn, Marita Liebermann, Roma, Viella, pp. 207-235, 2023
«Casabella», LXXXVII, n. 946, giugno/june 2023, pp. 112-113
Giulia Marchi, Corrispondenza dal Sig F., a cura di Luca Donelli, Ravenna, Monogao21 Arte e Lettere, 2023
Ravenna Festival, Le città invisibili XXXIV edizione, 2023
Ravenna Festival Magazine, 2023
In the first of his Six memos for the next millennium published by Garzanti, in 1988, three years... more In the first of his Six memos for the next millennium published by Garzanti, in 1988, three years after his death, Italo Calvino concludes his speech in the name of Franz Kafka, even if the Czech writer is not con− sidered an example of “lightness”. Another element connects Calvino and Kafka: the homage they both paid to Marco Polo’s The Million. Calvino cites it in one of his most fa− mous texts, le Città invisibile (the Invisible Cities published by Einaudi in 1972), while Kafka was influenced by the Venetian mer− chant traveler for the story Eine kaiserliche Botschaft (The Emperor’s message), written in 1917 and published in 1919 in the collec− tion Ein Landarzt (A country doctor), by the publisher Kurt Wolff of Leipzig.
We all know the women names of Calvino’s invisible cities – all «invented cities», as the author specified in a conference at Columbia University in 1983 – and so we can wonder: are there “invisible cities” in Kafka’s works? As Alberto Maria Racheli wrote in an essay about the relationship between Kafka and architecture, Il posto kafkaiano, published in 1979: «[...] there are pages by Kafka that seem to powerfully affirm, if not exactly a predominance, at least a recurring thematic insistence of the architectural image». At first glance, the memory of his childhood in Prague seems to emerge as a leitmotiv in much Kafka’s prose, the city where, on several occasions, Kafka resided during his lifetime and where he was buried. A relationship that reminds some verses of Charles Baudelaire’s poem Le Cigne in which the conflict between the “heart” of the poet and the urban changes of the city are set in motion by Baron Haussmann. Baudelaire says that every− thing becomes like an “allegory” for him: couldn’t it be the same for Kafka? With the exception of Amerika, where we see, albeit transfigured, the city of New York, in many pages of all his novels i.e. in Der Prozess and in Das Schloss as well as in all the pub− lished and unpublished stories, and also in the extraordinary fragments – which luckily his friend Max Brod did not destroy as Kaf− ka would have wanted him to do – could we see a sort of allegorical Prague emerge? And what about all those cities, often op− posed to villages, where the protagonist arrives as a “foreigner”?
Antonio Marchetti. Opere 1980-2013, 2022
Il mosaico e il futuro delle scuole e dell’arte, 2022
«Casabella», n. 939, 2022
«Horizonte», Neue Serie | Nuova Serie. Italianistische Zeitschrift für Kulturwissenschaft und Gegenwartsliteratur | Rivista d’Italianistica e di letteratura contemporanea, n. 7, 2022
La forza della bellezza e la ricerca della concinnitas, 2024
Le valenze estetiche ed etiche dei concetti di bellezza e concinnitas sono al centro del poliedri... more Le valenze estetiche ed etiche dei concetti di bellezza e concinnitas sono al centro del poliedrico e complesso percorso intorno alla bellezza di Leon Battista Alberti, umanista, letterato, architetto, pensatore morale, teorico delle discipline artistiche del Quattrocento. L'analisi delle radici del suo pensiero, sia sul bello visibile in natura che sulla produzione della bellezza artistica e architettonica, è indagata con un'attenzione costante alla dimensione etica del vivere umano.
Ornella Crotti si concentra sull'evoluzione del concetto di concinnitas, tema centrale della riflessione albertiana, che, come ha scritto Eugenio Garin, «è una grande meditazione morale». Alberto Giorgio Cassani analizza invece l'idea di bellezza e le proporzioni dell'uomo come «animal».
The aesthetic and ethical values of the concepts of beauty and concinnitas are at the center of the multifaceted and complex path around the beauty of Leon Battista Alberti, humanist, man of letters, architect, moral thinker, theorist of the artistic disciplines of the fifteenth century. The analysis of the roots of his thought, both on the beauty visible in nature and on the production of artistic and architectural beauty, is investigated with constant attention to the ethical dimension of human life.
Ornella Crotti focuses on the evolution of the concept of concinnitas, a central theme of Albertian reflection, which, as Eugenio Garin wrote, «is a great moral meditation». Alberto Giorgio Cassani instead analyzes the idea of beauty and the proportions of man as an "animal".
Ravenna Festival, E fu sera e fu mattina... Genesi 1, xxxv edizione, Fusignano, Grafiche Morandi, pp. 119-124, 2024
Giovanni Michelucci (Pistoia, 2 gennaio 1891 - Fiesole, 31 dicembre 1990), in uno degli ultimi su... more Giovanni Michelucci (Pistoia, 2 gennaio 1891 - Fiesole, 31 dicembre 1990), in uno degli ultimi suoi scritti – fors’anche l’ultimo – richiestogli in occasione di una mostra di plastici di architetture concepite per la città di Ravenna, che vedeva la presenza della bellissima maquette in legno del progetto dell’Auditorium realizzata da Lamberto Bazzoni, rileva la complessità del suo rapporto con questo tema, «forse perché contrassegna uno dei molti appuntamenti mancati con lo spazio teatrale». Questo testo ripercorre le tappe di quel progetto mancato.
Giovanni Michelucci (Pistoia, 2 January 1891 - Fiesole, 31 December 1990), in one of his last writings – perhaps even the last – requested of him on the occasion of an exhibition of architectural models conceived for the city of Ravenna, which saw the The presence of the beautiful wooden maquette of the Auditorium project created by Lamberto Bazzoni highlights the complexity of his relationship with this theme, «perhaps because it marks one of the many missed appointments with the theater space». This text retraces the stages of that failed project.
Ravenna Festival Magazine 2024, pp. 35-39, 2024
«Et vidi cælum novum et terram novam. Primum enim cælum et prima terra abiit, et mare iam non est... more «Et vidi cælum novum et terram novam. Primum enim cælum et prima terra abiit, et mare iam non est».
This apocalyptic scenario is what humanity might face according to James Graham Ballard (Shanghai, November 15, 1930 - London, April 19, 2009). The entire tetralogy of catastrophes lies In the sign of the Apocalypse, the revelation of a future in which heaven and earth will be transformed, and even the sea will no longer exist: “The Wind from Nowhere” (1962), “The Drowned World” (1962), “The Burning World” (1964), and “The Crystal World” (1966). In these novels, Ballard imagines four atmospheric events that radically change Earth’s climate: a destructive wind, solar storms that melt glaciers submerging the cities, the desertification of the planet caused by the total disappearance of rain, and finally, a process of “crystallization” of the world mysteriously triggered in a forest in equatorial Africa. These are the four primary elements of classical Greek physics: air, water, fire, and earth. As in any respectable apocalypse, architecture also plays a fundamental role: although, instead of the shining celestial Jerusalem, construc- tions appear as “crystalline” structures assembled from parts of demolished cars or even traffic islands, skyscrapers, socalled smart cities, theme parks, heavily monitored luxury residences, and mega shopping centers. In the English writer’s latest novel, “Kingdom Come” (2006), this last type, in particular, seems to take on the appearance of a true celestial Jerusalem of the god of commerce. With a fundamental difference from the classical Apocalypse: in Ballard’s future worlds, there is no possibility of peace, but eternal restlessness. Since the 1970s and especially in recent years, Ballard has further pushed his exploration around the Inner Space, investigating the reactions of the human psyche in the face of the dominance of technology and the transformations caused by the globalized economy. The “apocalyptic” dimension has not been lost. It has simply been redesigned. The crystal has melted. The apocalypse is closer and closer. However, it does not seem to announce any celestial Jerusalem.
Georg Simmel. Variazioni estetiche, a cura di Federica Pau e Luca Vargiu, 2024
Il volume, che coinvolge studiosi italiani e stranieri di varie discipline – dall’estetica alla s... more Il volume, che coinvolge studiosi italiani e stranieri di varie discipline – dall’estetica alla storia della filosofia, dalla germanistica alla geografia –, prende in considerazione diverse questioni fra quelle che contribuiscono a declinare il campo estetico nel pensiero di Georg Simmel. Accanto ad alcuni aspetti tra i più frequentati dalla letteratura critica (la moda, la metropoli, le analisi di pittori e scultori, il paesaggio, il rapporto con i classici del pensiero occidentale), di cui vengono proposte letture comunque innovative per taglio e contenuti, sono affrontate tematiche finora poco considerate nelle dinamiche ricettive, come la produzione letteraria e poetica del sociologo tedesco, la riflessione sul giardino, il rapporto con le poetiche coeve sulle arti applicate e quello con il pensiero scientifico e geografico. Viene in tal modo gettata nuova luce su un filosofo che, a oltre un secolo dalla sua scomparsa, non cessa di suscitare interesse in diversi saperi e aree culturali.
The volume, which involves Italian and foreign scholars from various disciplines - from aesthetics to the history of philosophy, from German studies to geography - takes into consideration various issues among those that contribute to the decline of the aesthetic field in Georg Simmel's thought. Alongside some of the most frequented aspects of critical literature (fashion, the metropolis, analyzes of painters and sculptors, landscape, the relationship with the classics of Western thought), of which innovative readings are proposed in terms of style and content, topics that have so far been little considered in the reception dynamics are addressed, such as the literary and poetic production of the German sociologist, the reflection on the garden, the relationship with contemporary poetics on the applied arts and that with scientific and geographical thought. In this way, new light is shed on a philosopher who, more than a century after his death, continues to arouse interest in various fields of knowledge and cultural areas.
Ravenna&Dintorni, n. 1043, 2024
An article to save what remains of the industrial heritage of the city of Ravenna from demolition... more An article to save what remains of the industrial heritage of the city of Ravenna from demolition
Un articolo per salvare dalla demolizione ciò che resta del patrimonio industriale della città di Ravenna
Annuario Accademia di Belle Arti di Venezia, 2019-2020-2021. L'arte al tempo della pandemia: le virtù del virtuale, 2023
È forse una circostanza accidentale che, in un numero rilevante di casi, gli architetti abitino a... more È forse una circostanza accidentale che, in un numero rilevante di casi, gli architetti abitino all’ultimo piano di un edificio? Il saggio, oltre a certificarne la verità con un lungo elenco di architetti famosi, cerca di spiegarne le ra- gioni, affrontando il tema della simbologia della verticalità in architettura, a partire dalle riflessioni di Gaston Bachelard, ne La poétique de l’espace, fino all’analisi dettagliata dei racconti e dei romanzi di James G. Ballard, in cui la figura dell’architetto è quasi sempre protagonista, spesso con caratteristiche del tutto negative. Un protagonista che, inoltre, ama spesso abitare agli ultimi piani – confermando dunque il topos – come avviene nel romanzo capolavoro del grande scrittore inglese, High-Rise, del 1975.
Is it perhaps a coincidence that, in a significant number of cases, architects live on the top floor of a building? The essay, in addition to certifying the truth of that with a long list of famous architects, tries to explain the reasons, dealing with the theme of symbolism of verticality in architecture, starting from Gaston Bachelard’s reflections, in La poétique de l’espace, up to the de- tailed analysis of the short stories and novels by James G. Ballard, in which the figure of the architect is almost always the protagonist, often with char- acteristics not at all like a positive hero. A protagonist who loves living on the top floors, as happened in the masterpiece of the great English writer’s 1975 novel, High-Rise.
Annuario Accademia di Belle Arti di Venezia 2019-2020-2021. L'arte al tempo della pandemia: le virtù del virtuale, 2023
Questo Annuario nasce dallo stato di eccezione che va dal 2020 al 2022, quando il mondo ha dovuto... more Questo Annuario nasce dallo stato di eccezione che va dal 2020 al 2022, quando il mondo ha dovuto fare i conti con la pandemia del Covid-19, e accorpa in un unico volume i tre anni accademici di quel periodo.
Quali sono state le difficoltà, ma anche le opportunità, nel mondo della didattica dell’arte, della produzione artistica, delle mostre, dell’attività museale, di questo periodo? Nel Dossier si è cercato di riflettere su quel tempo dilazionato e sulle risorse offerte dalle tecnologie digitali e dalla
realtà virtuale. L’arte digitale ha sviluppato esperienze di insegnamento-apprendimento collaborativo in rete con studenti di diverse nazionalità, di interrelazioni da remoto da coltivare poi in presenza, in un contesto internazionale e su temi rilevanti, secondo un processo creativo orientato a suscitare una riflessione critica sulla concezione contemporanea dello spazio.
La sezione Saggi e studi propone scritti su archeoastronomia e pittura dell’età della pietra, Albrecht Dürer, Giorgione e Giulio Campagnola, Artemisia Gentileschi, Pavel Florenskij, Ugo Mulas e Luigi Ghirri, Gaston Bachelard e James G. Ballard.
This Yearbook was born from the state of exception that ran from 2020 to 2022, when the world had to deal with the Covid-19 pandemic, and brings together the three academic years of that period in a single volume.
What were the difficulties, but also the opportunities, in the world of art teaching, artistic production, exhibitions, museum activity, of this period? In the Dossier we tried to reflect on that deferred time and on the resources offered by digital technologies and the
virtual reality. Digital art has developed collaborative teaching-learning experiences online with students of different nationalities, of remote interrelationships to then be cultivated in person, in an international context and on relevant themes, according to a creative process aimed at provoking critical reflection on contemporary conception of space.
The Essays and Studies section offers writings on archaeoastronomy and Stone Age painting, Albrecht Dürer, Giorgione and Giulio Campagnola, Artemisia Gentileschi, Pavel Florenskij, Ugo Mulas and Luigi Ghirri, Gaston Bachelard and James G. Ballard.
La Rivista di Engramma, n. 200: Festa!, 2023
In this essay, the author approaches the role of the festive element in Leon Battista Alberti, pa... more In this essay, the author approaches the role of the festive element in Leon Battista Alberti, particularly in his play Momus, as well as the importance of irony and dark humour. If laughter can certainly be conside- red an essential component of any celebration, there is no doubt that this emotional expression of human behavior is very central in the thought of Leon Battista Alberti. But Alberti’s laughter does not express joy or cheerfulness, but has a “therapeutic” function (see Cardini). Thus, occasionally, he uses terms such as “gioco”, “giuoco lupercal”, “festa”, “grande festa”, “publica festa”, “dì festivo”, “festivo”, “festività”, “festeggiare”, “festereccio”, “festivissima”; and, in his works written in Latin: “festinum”, “ludibundus”, “festivus”, in addition of course to “ludus”. But the fundamental aspect of the celebration in Alberti is its “ambivalence”: laughter often turns into tears, and vice versa. The most sensational example is the finale of Momus, where the laughter of the gods soon turns into their disastrous fall.
Leon Battista Alberti, "De pictura" (lat.). Kunsttheorie – Rhetorik – Narrative – Teoria dell'arte – retorica – narrative, Herausgegeben con Hartmut Wolfram und Gregor Schöffberger, Unter redaktioneller Mitarbeit von Matthias Balsas und Katharina Gerhold, Stuttgart, Franz Steiner Verlag, 2023
Preliminary study on the relationship between the "De pictura" (Latin version) and the "De re aed... more Preliminary study on the relationship between the "De pictura" (Latin version) and the "De re aedificatoria" by Leon Battista Alberti
Niccolò V: allegorie di un pontefice, a cura di Outi Merisalo, Anna Modigliani, Francesca Niutta, Roma, Roma nel Rinascimento, 2023, pp. 381-397, 2023
Ponti | Brücken Esplorazioni interdisciplinari di un termine polivalente | Interdisziplinäre Erkundungen eines polyvalenten Begriffs a cura di | hg. von Barbara Kuhn, Marita Liebermann, Roma, Viella, pp. 207-235, 2023
«Casabella», LXXXVII, n. 946, giugno/june 2023, pp. 112-113
Giulia Marchi, Corrispondenza dal Sig F., a cura di Luca Donelli, Ravenna, Monogao21 Arte e Lettere, 2023
Ravenna Festival, Le città invisibili XXXIV edizione, 2023
Ravenna Festival Magazine, 2023
In the first of his Six memos for the next millennium published by Garzanti, in 1988, three years... more In the first of his Six memos for the next millennium published by Garzanti, in 1988, three years after his death, Italo Calvino concludes his speech in the name of Franz Kafka, even if the Czech writer is not con− sidered an example of “lightness”. Another element connects Calvino and Kafka: the homage they both paid to Marco Polo’s The Million. Calvino cites it in one of his most fa− mous texts, le Città invisibile (the Invisible Cities published by Einaudi in 1972), while Kafka was influenced by the Venetian mer− chant traveler for the story Eine kaiserliche Botschaft (The Emperor’s message), written in 1917 and published in 1919 in the collec− tion Ein Landarzt (A country doctor), by the publisher Kurt Wolff of Leipzig.
We all know the women names of Calvino’s invisible cities – all «invented cities», as the author specified in a conference at Columbia University in 1983 – and so we can wonder: are there “invisible cities” in Kafka’s works? As Alberto Maria Racheli wrote in an essay about the relationship between Kafka and architecture, Il posto kafkaiano, published in 1979: «[...] there are pages by Kafka that seem to powerfully affirm, if not exactly a predominance, at least a recurring thematic insistence of the architectural image». At first glance, the memory of his childhood in Prague seems to emerge as a leitmotiv in much Kafka’s prose, the city where, on several occasions, Kafka resided during his lifetime and where he was buried. A relationship that reminds some verses of Charles Baudelaire’s poem Le Cigne in which the conflict between the “heart” of the poet and the urban changes of the city are set in motion by Baron Haussmann. Baudelaire says that every− thing becomes like an “allegory” for him: couldn’t it be the same for Kafka? With the exception of Amerika, where we see, albeit transfigured, the city of New York, in many pages of all his novels i.e. in Der Prozess and in Das Schloss as well as in all the pub− lished and unpublished stories, and also in the extraordinary fragments – which luckily his friend Max Brod did not destroy as Kaf− ka would have wanted him to do – could we see a sort of allegorical Prague emerge? And what about all those cities, often op− posed to villages, where the protagonist arrives as a “foreigner”?
Antonio Marchetti. Opere 1980-2013, 2022
Il mosaico e il futuro delle scuole e dell’arte, 2022
«Casabella», n. 939, 2022
«Horizonte», Neue Serie | Nuova Serie. Italianistische Zeitschrift für Kulturwissenschaft und Gegenwartsliteratur | Rivista d’Italianistica e di letteratura contemporanea, n. 7, 2022
Meltemi, Milano, 2024
Il volume, che coinvolge studiosi italiani e stranieri di varie discipline – dall’estetica alla s... more Il volume, che coinvolge studiosi italiani e stranieri di varie discipline – dall’estetica alla storia della filosofia, dalla germanistica alla geografia –, prende in considerazione diverse questioni fra quelle che contribuiscono a declinare il campo estetico nel pensiero di Georg Simmel. Accanto ad alcuni aspetti tra i più frequentati dalla letteratura critica (la moda, la metropoli, le analisi di pittori e scultori, il paesaggio, il rapporto con i classici del pensiero occidentale), di cui vengono proposte letture comunque innovative per taglio e contenuti, sono affrontate tematiche finora poco considerate nelle dinamiche ricettive, come la produzione letteraria e poetica del sociologo tedesco, la riflessione sul giardino, il rapporto con le poetiche coeve sulle arti applicate e quello con il pensiero scientifico e geografico. Viene in tal modo gettata nuova luce su un filosofo che, a oltre un secolo dalla sua scomparsa, non cessa di suscitare interesse in diversi saperi e aree culturali.
Atti del Convegno sulla tradizione dell'Antico alla corte dei Malatesta, in particolare di Sigism... more Atti del Convegno sulla tradizione dell'Antico alla corte dei Malatesta, in particolare di Sigismondo Pandolfo Malatesta. Sono esaminati, tra l'altro, gli aspetti, letterari, epigrafici, numismatici, artistici ed iconografici.
Mai figura architettonica, quanto il ponte, è stata, nella storia, così carica di significati met... more Mai figura architettonica, quanto il ponte, è stata, nella storia, così carica di significati metaforici. Esso non è soltanto quel manufatto che permette di superare un ostacolo: è molto di più. È un vero e proprio “simbolo”, cioè una figura ancipite, doppia, che “riunisce” in sé molti aspetti contrastanti: “unisce” e al tempo stesso “divide”; è stabile, apparentemente, ma anche fragile e pericoloso – e questo elemento di insicurezza permane ancora e soprattutto nell’età della Tecnica; è “sospeso” tra due mondi, può essere “isolato” e “abitato”, può “crollare” e finanche “muoversi”; è strumento della conquista del mondo da parte dell’uomo e, nello stesso tempo, l’opera più sacrilega di tutte, perché intacca, oltre la terra, anche l’acqua, l’elemento sacro per eccellenza in tutte le culture antiche. E non può smettere di essere se stesso senza precipitare.
Never architectural figure, as the bridge, was, in history, so full of metaphorical meanings. It is not only the artifact that allows to overcome an obstacle: it is much more. It is a true "symbol", a figure that is double edged, that "joins" in itself many conflicting aspects, "unites" and at the same time "divide"; is stable, apparently, but also fragile and dangerous - and this element of uncertainty still remains, and especially in the age of technology; is "suspended" between two worlds, can be "isolated" and "inhabited", may "collapse" and even "move"; is an instrument of conquest of the world by man and, at the same time, the work most unholy of all, because it attacks, as well as the earth, the water, the sacred element for excellence in all ancient cultures. It can not stop being himself without falling.
L’«Annuario» dell’Accademia di Belle Arti di Venezia – che con questa nuova stagione vuole ripren... more L’«Annuario» dell’Accademia di Belle Arti di Venezia – che con questa nuova stagione vuole riprendere idealmente una prassi comune, in passato, da parte delle Accademie – intende far conoscere l’attività di ricerca svolta dalla nostra Istituzione all’esterno, non solo alle gemelle istituzioni italiane ed europee (in gran parte opportunamente inserite, a pieno titolo, nel sistema universitario), ma anche ad un pubblico più vasto di operatori culturali del settore delle arti visive. L’«Annuario» è organizzato in cinque sezioni: la prima, «Dossier», affronta un tema specifico dell’ambito dell’arte; la seconda, «Saggi e studi», ha carattere più miscellaneo; la terza, «Dipartimenti», aggiorna sulla didattica e sulla ricerca artistica svolta all’interno dell’Accademia; la quarta, «Fondo storico, Archivio, Biblioteca, Progetto Tesi, Progetti Europei», informa sul patrimonio documentario custodito in Accademia e sugli studi e tesi ad esso dedicati; l’ultima sezione, «Eventi», rende conto di convegni, conferenze e mostre organizzati dall’Accademia, che vedono coinvolti docenti e studenti.
Se l’«Annuario» accoglie principalmente i contributi dei docenti dell’Accademia di Venezia, intende però ospitare al suo interno anche testi di studiosi di chiara fama provenienti da altre istituzioni, accademie italiane e straniere, università e istituzioni culturali (musei, biblioteche ecc.). Sua ambizione, infatti, è quella di costituire il “luogo d’incontro” di esperienze, culture e saperi non ristretti alla secolare Istituzione veneziana, il quale dia spazio a un orizzonte più vasto, che oggi non può essere se non quello europeo e internazionale.
Cercando di smentire la pur magistrale affermazione di Friedrich Nietzsche delle «cento profonde solitudini» che formano l’immagine di Venezia e che pur costituiscono «il suo incanto», vorremmo che, per quel che riguarda l’Accademia di Belle Arti di Venezia, l’«immagine per gli uomini del futuro» fosse invece quella di un arcipelago di saperi in dialogo tra loro.
***
A questo quinto numero dell’«Annuario», dedicato nella sezione «Dossier» alla Pedagogia e didattica dell’arte come filosofia dell’esperienza creativa, s’impone un breve commento.
Leon Battista Alberti, nel De re ædificatoria, aveva affermato, fiduciosamente, come, di fronte alla bellezza, anche l’ira del nemico giunga a placarsi:
Inoltre la bellezza è qualità siffatta da contribuire in modo cospicuo alla comodità e perfino alla durata dell’edificio. Giacché nessuno potrà negare di sentirsi più a suo agio abitando tra pareti ornate che tra pareti spoglie; né l’arte umana può trovare mezzo più sicuro per proteggere i suoi prodotti dalle offese dell’uomo stesso, anzi la bellezza fa sì che l’ira distruggitrice del nemico si acquieti e l’opera d’arte venga rispettata. Oserei dire insomma che nessuna qualità, meglio del decoro e della gradevolezza formale, è in grado di preservare illeso un edificio dall’umano malvolere.
Gli avvenimenti di questi ultimi mesi – distruzioni dell’IS a Mosul e nell’antica Hatra, in Iraq, così come i danni causati alla «Barcaccia» del Bernini dai “tifosi” della squadra olandese del Feyenoord, a Roma, – dimostrano, purtroppo, che nemmeno la “bellezza può salvare il mondo”, se non esiste una piena consapevolezza che l’opera d’arte ha un valore che va di là da ogni ideologia e da ogni integralismo (religioso o sportivo). Anche se sappiamo, fin dai tempi di Pico della Mirandola, che «Niuna cosa semplice può essere bella. Di che segue che in Dio non sia bellezza perché la bellezza include in sé qualche imperfezione […] Dopo Lui comincia la bellezza, perché comincia la contrarietà»; e che oggi, inoltre, la parola “bellezza” deve forse essere sostituita tout-court da quella di “culture”, sempre che queste siano tali da ascoltare tutte le altre. Non sono infine così “ingenuo”; so bene che ogni arte è legata al suo tempo e ad un’ideologia ben precisa. Ma l’arte rimane, nonostante tutto (mercato, propaganda ecc.), una delle poche cose che, come scrive Adolf Loos, «[…] vien messa al mondo senza che ce ne sia bisogno […] non è responsabile verso nessuno […] vuol strappare gli uomini dai loro comodi […] è rivoluzionaria […] indica all’’umanità nuove vie e pensa all’avvenire […]».
Cosa può fare la Scuola, inferiore e superiore, cosa l’Accademia e l’Università, se non tentare di inculcare la convinzione dello stesso Alberti che, per gli Antichi, tre capisaldi della società civile come «diritto, vita militare, religione» («leges militia res divina»), privati dell’ornamento della bellezza (pulchritudo), o cultura che dir si voglia, si ridurrebbero «ad operazioni vuote ed insulse» («insipidum quid negocii et insulsum»)?
Con buona pace di ogni leguleio, militarista o fondamentalista.
The editorial of the Academy of Fine Arts of Venice – which through this new season aims to ideally resume an old, common practice of the Academy – it aims to divulgate the research activity carried out in out Institution, not only to twin Italian and European institutions (largely included in the university system), but also to a wider audience consisting of cultural operators in the field of visual arts. The «Annuario» is divided into five sections: the first, «Dossier», deals with a specific topic in the art field; the second part, «Saggi e studi (Essays and Studies)», is a more miscellaneous collection; the third, «Dipartimenti (Departments)», includes news on Didactics and artistic research carrired out in the Academy; the fourth «Fondo storico, Archivio, Biblioteca, Progetto Tesi, Progetti Europei (Historical Archives, Academy’s Archive, Library, Thesis Project, European Projects)» provides information on the documentary heritage belonging to the Academy and on the studies and thesis dedicated to it. The last section, «Eventi (Events)», offers updates on conventions, conferences and exhibitions organized by the Academy, in which professors and students are involved.
While welcoming contributions by the Academy of Venice’s professors, the «Annuario» also means to include texts from highly acclaimed scholars coming from other institutions, Italian and Foreign academies, universities and cultural institutions (musuems, libraries, etc.). As a matter of fact, its ambition is to institute a “meeting place” where it is possible to exchange experiences, cultures and knowledge which do not limit to the secular Venetian Institution, broadening its horizon towards the European and International borders.
In order to contradict Friedrich Nietzsche masterful statement of “one hundred deep kinds of loneliness” which would characterize Venice and «its own splendor», we would like to, for what concerns the Academy of Fine Arts of Venice, the «image to pass on to the man of the future» would be instead that of communicating isles representing different kinds of knowledge.
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On the present issue of the «Annuary» (the fifth), which dedicates the «Dossier» section to Pedagogy and Didactics in Arts as the philosophy of the creative experience, o short comment stands out.
Leon Battista Alberti, in De re ædificatoria, stated that in front of such kind of beauty even the enemies’ rage comes to an end:
Inoltre la bellezza è qualità siffatta da contribuire in modo cospicuo alla comodità e perfino alla durata dell’edificio. Giacché nessuno potrà negare di sentirsi più a suo agio abitando tra pareti ornate che tra pareti spoglie; né l’arte umana può trovare mezzo più sicuro per proteggere i suoi prodotti dalle offese dell’uomo stesso, anzi la bellezza fa sì che l’ira distruggitrice del nemico si acquieti e l’opera d’arte venga rispettata. Oserei dire insomma che nessuna qualità, meglio del decoro e della gradevolezza formale, è in grado di preservare illeso un edificio dall’umano malvolere.
The events of the past few months – distructions by the Islamic State in Mosul and in the old city of Hatra, in Iraq, as well as the damage caused by Dutch supporters of the Feyenoord football club to Bernini’s «Barcaccia» in Rome, – unfortunately demonstrate that not even “beauty can save the world”, if there is no awareness that the artwork’s value goes beyond every kind of ideology or any fundamentalism (either in religion or in sports). Although we know since Pico della Mirandola’s time, that «Nothing simple can be beautiful in itself. Therefore there is no beauty in God because beauty includes in itself some sort of imperfection […] Only after Him beauty can exist, because controversity begin»; and that today, perhaps, the word “beauty” must be substituted altogether by “cultures”, assuming that the latters will open to others. Yet I am not so “naive”; I am aware that every form of art is influenced by the age and the ideology in which it appears. Despite everything (the market, propaganda, etc.), Arts remains one of the few things taht, as Adolf Loos claims, «[…] is put into the world with no need for it […] it is not responsible for nobody […] it means to shake men out of their comforts […] is revolutionary […] shows humanity new paths and looks into the future […]».
What can the School – both upper and lower – do? What can the Academy and the University do, if not trying to spread the belief that, as in Alberti himself, for the ancient man, the three founding principles «law, private life, military life, religion» («leges militia res divina»), deprived of their ornaments («pulchritudo»), or cultures, as you may say, would reduce themselves to «empty and useless operations» («insipidum quid negocii et insulsum»)?
Leaving pedantic lawyers – either militarist or fundamentalist – in peace.
![Research paper thumbnail of «Annuario dell’Accademia di Belle Arti di Venezia», IV, 2013 [ma stampa 2014], [titolo:] Dall’oggetto al territorio: Scultura e arte pubblica, a cura di Alberto Giorgio Cassani, Padova, Il Poligrafo, 2014](https://attachments.academia-assets.com/36265153/thumbnails/1.jpg)
](L’«Annuario» dell’Accademia di Belle Arti di Venezia – che con questa nuova stagione vuole ripren... more L’«Annuario» dell’Accademia di Belle Arti di Venezia – che con questa nuova stagione vuole riprendere idealmente una prassi comune, in passato, da parte delle Accademie – intende far conoscere l’attività di ricerca svolta dalla nostra Istituzione all’esterno, non solo alle gemelle istituzioni italiane ed europee (in gran parte opportunamente inserite, a pieno titolo, nel sistema universitario), ma anche ad un pubblico più vasto di operatori culturali del settore delle arti visive. L’«Annuario» è organizzato in cinque sezioni: la prima, «Dossier», affronta un tema specifico dell’ambito dell’arte; la seconda, «Saggi e studi», ha carattere più miscellaneo; la terza, «Dipartimenti», aggiorna sulla didattica e sulla ricerca artistica svolta all’interno dell’Accademia; la quarta, «Fondo storico, Archivio, Biblioteca, Progetto Tesi, Progetti Europei», informa sul patrimonio documentario custodito in Accademia e sugli studi e tesi ad esso dedicati; l’ultima sezione, «Eventi», rende conto di convegni, conferenze e mostre organizzati dall’Accademia, che vedono coinvolti docenti e studenti.
Se l’«Annuario» accoglie principalmente i contributi dei docenti dell’Accademia di Venezia, intende però ospitare al suo interno anche testi di studiosi di chiara fama provenienti da altre istituzioni, accademie italiane e straniere, università e istituzioni culturali (musei, biblioteche ecc.). Sua ambizione, infatti, è quella di costituire il “luogo di incontro” di esperienze, culture e saperi non ristretti alla secolare Istituzione veneziana, il quale dia spazio a un orizzonte più vasto, che oggi non può essere se non quello europeo e internazionale.
Cercando di smentire la pur magistrale affermazione di Friedrich Nietzsche delle «cento profonde solitudini» che formano l’immagine di Venezia e che pur costituiscono «il suo incanto», vorremmo che, per quel che riguarda l’Accademia di Belle Arti di Venezia, l’«immagine per gli uomini del futuro» fosse invece quella di un arcipelago di saperi in dialogo tra loro.
Il grande scrittore austriaco Thomas Bernhard ha colto, forse più di chiunque altro, l'essenza de... more Il grande scrittore austriaco Thomas Bernhard ha colto, forse più di chiunque altro, l'essenza del Moderno quando scrive, in A colpi d'ascia (1984), che la gente si arreda la casa con mobili di epoche passate e non con mobili della propria epoca perché, di questa, «non riesce a sopportare la durezza e la brutalità», circondandosi della «mollezza del passato da cui è scomparsa ogni contraddizione». Il Moderno, in architettura, nasce in opposizione all'Eclettismo storicista dell'Ottocento, per dare forma all'età della Macchina (Ludwig Mies van der Rohe), dove l'ornamento tende a scomparire, come insegna Adolf Loos, e dove la casa diventa una "macchina per abitare" (Le Corbusier). Ma il Moderno è tutt'altro che un movimento monolitico. Il corso cercherà di mostrarne la straordinaria "polifonia". Polifonia che ha fatto scrivere a Pierre Boulez che il "secolo breve" vale tre volte il precedente per quantità e qualità della produzione musicale. Grazie alle musiche di Brahms, Liszt, Debussy, Ravel, Berg, Schoenberg, Bartok, Stravinskij e altri giganti del Novecento che il musicista illustrerà ed eseguirà nei concerti serali, si potrà godere degli affascinanti e spregiudicati percorsi che tra Otto e Novecento le due arti hanno similmente intrapreso. Imponendo già allora riflessioni la cui portata è quanto mai attuale.
Presentazione del numero 909, maggio 2020 della rivista «Casabella» e del volume di Massimiliano ... more Presentazione del numero 909, maggio 2020 della rivista «Casabella» e del volume di Massimiliano Nocchi e Silvia Nicoli Le ville di Ronchi e Poveromo, architetture e società 1900-1970 (Pisa, Pacini editore, 2020) a cura della Società degli Amici di Ronchi e Poveromo Interverranno: Ermindo Tucci (Presidente della Fondazione Villa Bertelli) Silvia Carandini (Presidente della Società degli Amici di Ronchi e Poveromo) Alberto Giorgio Cassani (Accademia di Belle Arti di Venezia) Massimiliano Nocchi (architetto) Silvia Nicoli (architetta) Dal 1900 al 1970 le località di Ronchi e Poveromo hanno visto sorgere numerose ville a firma di famosi architetti italiani. In molte di queste abitazioni trascorrevano le vacanze alcuni dei maggiori artisti e intellettuali italiani-queste case furono firmate dall'artista ravennate Enrico Galassi, tra cui casa Savinio. La rivista e il volume vogliono raccontare questo periodo d'oro delle due località versiliesi
In occasione del Centenario del Bauhaus, il 9 maggio si svolge all’Accademia di Belle Arti di Ven... more In occasione del Centenario del Bauhaus, il 9 maggio si svolge all’Accademia di Belle Arti di Venezia un incontro con il critico d’arte statunitense Nicholas Fox Weber che narrerà le vicende artistiche di alcuni grandi Maestri e fondatori del Bauhaus: in particolare Anni e Josef Albers, Paul Klee, Vasilij Kandinskij, Walter Gropius e Ludwig Mies van der Rohe.
La storia del pensiero degli artisti si intreccia con il racconto della loro vita personale, un racconto denso di storie, di considerazioni, di aneddoti che Nicholas Fox Weber, direttore da oltre 40 anni della Josef and Anni Albers Foundation, ha raccolto direttamente da Josef e Anni Albers, la coppia di artisti che il critico d’arte e autore conobbe negli anni Settanta quando era ancora uno studente a Yale e con i quali, negli anni successivi - fino alla morte di Josef nel 1976 e di Anni nel 1994 -, strinse un rapporto di profonda ammirazione e di intima amicizia e confidenza. Una preziosa testimonianza che porta il pubblico in contatto con Walter Gropius, Paul Klee, Vassilij Kandinskij, Ludwig Mies van der Rohe e Anni e Josef Albers.
On the occasion of the Bauhaus Centenary, a meeting with the American art critic Nicholas Fox Weber will take place at the Academy of Fine Arts in Venice on 9 May. It will narrate the artistic events of some great Masters and founders of the Bauhaus: in particular Anni and Josef Albers, Paul Klee, Vasilij Kandinskij, Walter Gropius and Ludwig Mies van der Rohe.
The history of artists' thinking is intertwined with the story of their personal life, a story full of stories, considerations, anecdotes that Nicholas Fox Weber, director for over 40 years of the Josef and Anni Albers Foundation, has collected directly from Josef and Anni Albers, the couple of artists that the art critic and author met in the seventies when he was still a student at Yale and with whom, in the following years - until the death of Josef in 1976 and Anni in 1994 - he shook a relationship of deep admiration and intimate friendship and confidence. A precious testimony that brings the public into contact with Walter Gropius, Paul Klee, Vasilij Kandinsky, Ludwig Mies van der Rohe and Anni and Josef Albers.
Enrico Galassi (Ravenna, 14 novembre 1907 - Pisa, 1° settembre 1980) è stato un pittore, mosaicis... more Enrico Galassi (Ravenna, 14 novembre 1907 - Pisa, 1° settembre 1980) è stato un pittore, mosaicista, ceramista, architetto dilettante, inventore e poeta.
È stato considerato da Alberto Savinio, suo fraterno amico, «uno degli adulti più geniali che avesse conosciuto», nonché «pittore fra i più intelligentemente moderni, architetto genialissimo che crea la casa dell'uomo dalle sue necessità interne, costruttore di macchine, inventore, uomo leonardesco».
Galassi frequenta l'Accademia di Belle Arti della sua città, in particolare segue il corso di Mosaico, da poco istituito. Interessato fin da giovane a diverse tecniche artistiche studia la ceramica a Faenza e nello studio di Luigi Varoli. Si dedica anche alla pittura, all'architettura, alla poesia e viene in contatto con i maggiori artisti della sua epoca come Filippo de Pisis, Carlo Carrà, Lorenzo Viani e Gio Ponti.
Negli anni ’40, a distanza di un ventennio dagli studi alla Scuola del Mosaico ravennate e dalle sue riflessioni scritte in alcuni articoli sul «Corriere Padano», Galassi intuisce le potenzialità di un mosaico che si rinnovi sulla base dell'arte del suo tempo, un mosaico, dunque, «concepito non come decoro architettonico ma come opera artistica indipendente». Il frutto di due anni di ricerche confluisce in una mostra di ventidue mosaici alla Galleria Ferruccio Asta di Milano, nel maggio 1942. Come intuisce sempre Savinio, che scriverà il testo di presentazione della mostra, nei suoi mosaici Galassi rifà, da vero piccolo demiurgo, ogni volta, il mondo.
Nel dopoguerra Galassi vive e lavora a Roma con lunghi soggiorni in Versilia e in Sicilia, dove viene chiamato da don Luigi Sturzo a dirigere la Scuola di Ceramica di Caltagirone.
Dimenticato come pittore, soltanto nel 1970 la sua città natale lo ricorderà con una mostra alla galleria Mariani.
Il nome di Galassi attende ancora il posto che gli compete nella storia del Novecento artistico italiano.
Scopo del convegno è quello di tornare a studiare l’innovativa tematica generale cui sono stati d... more Scopo del convegno è quello di tornare a studiare l’innovativa tematica generale cui sono stati
dedicati già i primi quattro congressi della serie transAtlantica intitolata All’origine delle
razionalità moderne – quelli di Belo Horizonte (Br.), Coimbra (Port.), Córdoba (Ar.) e Paris /
Parigi (Fr.) – con particolare riguardo alla fondamentale opera creativa, scritta e non, dell’Alberti,
da noi visto alla stregua d’indiscusso protagonista dell’avventura intellettuale ed artistica del
Quattrocento non meno che d’attore singolarissimo della rivoluzione umanistica. Ogni relatore
dovrà trattare un aspetto di tale tematica o un problema in relazione con essa.
Il 22 aprile, alle ore 17.00, presso la Sala Muratori della Biblioteca Classense di Ravenna, avrà... more Il 22 aprile, alle ore 17.00, presso la Sala Muratori della Biblioteca Classense di Ravenna, avrà luogo la presentazione della rivista Stilo di Antonio Marchetti (1952-2013), pubblicata a Ravenna dal 1982 al 1988, in occasione della consegna dei numeri del periodico all’Istituzione Biblioteca Classense.
Al saluto del Direttore Maurizio Tarantino, seguiranno un’introduzione di Alberto Giorgio Cassani, docente di Storia dell’Architettura presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, e gli interventi di Umberto Palestini, Direttore dell’Accademia di Belle Arti di Urbino, Rocco Ronchi, docente di Filosofia Teoretica presso l’Università degli Studi dell’Aquila.
Fondato e diretto a Ravenna da Antonio Marchetti, artista e intellettuale, Stilo ha rappresentato un laboratorio culturale tra i più particolari e interessanti nel panorama italiano degli anni Ottanta. In un andamento monografico, dedicato ad autori in quegli anni controcorrente o di rottura, da Truffaut a Barthes, da Dino Campana a Pasolini, la rivista ebbe un’impronta letteraria e filosofica, unendo fortemente la ricerca artistica a un pensiero critico. Pensare e fare arte, dunque. Per Stilo l’esercizio della scrittura e l’esperienza estetica si saldarono, rivendicando un’autonomia dell’artista. Queste istanze si trovarono in sintonia con quella volontà espressiva e dialogante tra i linguaggi delle arti visive, musicali, performativi. Le partecipazioni di artisti, da Concetto Pozzati, Mario Giacomelli a Fabio Mauri, di compositori contemporanei, come Gian Franco Pernaiachi e Luciano Bellini, personalità che oggi hanno maturato vasti riconoscimenti; musicologi, quali Paolo Fabbri, critici ed intellettuali, quali Alberto Boatto, Achille Bonito Oliva e Umberto Palestini, cineasti come Attilio Bertolucci, il filosofo Giorgio Agamben, autori, quali Anne Marie Sauzeau Boetti furono presenti a partecipare ai palinsesti tematici di Marchetti; trai più noti, La distanza e il tempo / Diario / Secretaire / Immagine / Immagine della Terra.
Marchetti condivise con Gianni Scalia, sicuramente uno dei padri dell’opera, la necessità che gli intenti rivoluzionari degli anni Settanta si trasferissero nel linguaggio, nella ricerca di autori e testi; che le idee nuove maturassero attraverso la complessità e la varietà di parole memorabili, come recitava il titolo della rivista di Scalia, In forma di parole, che nasceva nel 1980. Gli inediti che Stilo offriva al lettore furono scelti tra autori dalla forte impronta innovativa, e furono André Malraux, Marcel Schwob, René Char, René Daumal, Jean Cocteau, Ernst Jünger. Autori ricercati con la collaborazione del francesista Charles Debierre, che divenne stretto collaboratore dell’album prezioso. Come anche si deve dare memoria alla folta schiera d’interpreti, che curarono la scientificità delle traduzioni, che diverranno in seguito stimati cultori nelle Università italiane e straniere.
Stilo fu distribuita da Essegi di Ravenna nelle più importanti librerie italiane e in Francia, prese posto negli annuari delle riviste di cultura italiani accanto ai più noti periodici di letteratura ed ebbe importanti vetrine, quali programmi radiofonici sul terzo canale, gli incontri d’arte di Villa Medici con Alberto Boatto e Jacqueline Risset, presso la Soffitta e l’Associazione Italo Francese di Bologna con Scalia e Debierre. La rivista attraversa gli ambienti della cultura ravennate con l’assidua presenza di Giulio Guberti, Mariella De Logu, Giordano Fanelli, per poi, aldilà di ogni localismo, aprirsi alle personalità più significative della scena italiana e internazionale.
Questo evento ha avuto la cura dell’Istituzione Biblioteca Classense di Ravenna e dell’Archivio Cardi Marchetti Fagnani Pani di Rimini.
Was zunächst die einfache Bezeichnung für ein Bauwerk war, das Hindernisse überwindet mit dem Zwe... more Was zunächst die einfache Bezeichnung für ein Bauwerk war, das Hindernisse überwindet mit dem Zweck, eine Verbindung zwischen unverbundenen Teilen zu schaffen, ist längst zu einem Begriff ge-worden, der derart reich an metaphorischem und symbolischem Gehalt ist, dass diese uneigentlichen Bedeutungen die eigentliche bei Weitem zu überwiegen scheinen: Wir bauen Brücken zwischen einzelnen Menschen ebenso wie zwischen Überzeugungen, ja so-gar zwischen den unterschiedlichsten Kulturen, wir können Brücken hinter uns einreißen oder jemandem goldene Brücken bauen, Hin-dernisse überbrücken oder eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Gegenwart und Zukunft bilden. In der Literatur ist die Brücke neben dem Fluss eine der bedeutendsten Metaphern der Grenze und Grenzüberschreitung, Symbol der Verbindung zwi-schen Bewusstem und Unbewusstem ebenso wie für den Übertritt vom Diesseits ins Jenseits. Trotz dieser Aufladung mit sekundären Bedeutungen bleibt die An-bindung an die konkrete Konstruktion der Brücke immer erhalten. Eindrucksvolle Beispiele für diese Verbindung aus der europäischen Geschichte sind Brücken wie jene über den Euphrat, die 36 n. Chr. eigens für den Vertragsabschluss zwischen dem römischen Konsul Vitellius und dem parthischen König Artabanos III. gebaut wurde und damit den Symbolgehalt zurückbindet an die reale Konstruktion. Die Tagung möchte genau dieser Weite und Vielschichtigkeit der Bedeutung Rechnung tragen, indem sie das Thema der Brücke auf ganz unterschiedliche Weisen in den Blick nimmt. Sie schließt sich in gewisser Weise dem an, was Erich Heckel, einer der Begründer der expressionistischen Künstlergruppe " Die Brücke " , von deren Namenswahl berichtet: " Schmidt-Rottluff sagte, wir könnten das Brücke nennen – das sei ein vielschichtiges Wort, würde kein Pro-gramm bedeuten, aber gewissermaßen von einem Ufer zum ande-ren führen. "
Was zunächst die einfache Bezeichnung für ein Bauwerk war, das Hindernisse überwindet mit dem Zwe... more Was zunächst die einfache Bezeichnung für ein Bauwerk war, das Hindernisse überwindet mit dem Zweck, eine Verbindung zwischen unverbundenen Teilen zu schaffen, ist längst zu einem Begriff geworden, der derart reich an metaphorischem und symbolischem Gehalt ist, dass diese uneigentlichen Bedeutungen die eigentliche bei Weitem zu überwiegen scheinen: wir bauen Brücken zwischen einzelnen Menschen ebenso wie zwischen Überzeugungen, ja sogar zwischen den unterschiedlichsten Kulturen, wir können Brücken hinter uns einreißen oder jemandem goldene Brücken bauen, Hindernisse überbrücken oder eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Gegenwart und Zukunft bilden. In der Literatur ist die Brücke neben dem Fluss eine der bedeutendsten Metaphern der Grenze und Grenzüberschreitung, Symbol der Verbindung zwischen Bewusstem und Unbewusstem ebenso wie für den Übertritt vom Diesseits ins Jenseits. Trotz dieser Aufladung mit sekundären Bedeutungen bleibt die Anbindung an die konkrete Konstruktion der Brücke immer erhalten. Eindrucksvolle Beispiele für diese Verbindung aus der europäischen Geschichte sind Brücken wie jene über den Euphrat, die 36 n.Ch. eigens für den Vertragsabschluss zwischen dem römischen Konsul Vitellius und dem parthischen König Artabanos III. gebaut wurde und damit den Symbolgehalt zurückbindet an die reale Konstruktion. Die Tagung möchte genau dieser Weite und Vielschichtigkeit der Bedeutung Rechnung tragen, indem sie das Thema der Brücke auf ganz unterschiedliche Weisen in den Blick nimmt. Sie schließt sich in gewisser Weise dem an, was Erich Heckel, einer der Begründer der expressionistischen Künstlergruppe Die Brücke, von deren Namenswahl berichtet: " Schmidt-Rottluff sagte, wir könnten das Brücke nennen – das sei ein vielschichtiges Wort, würde kein Programm bedeuten, aber gewissermaßen von einem Ufer zum anderen führen.
Il signor Dido, alias Alberto Savinio, è a Ravenna. Va a dormire e sogna «il suo amico Enrico. E ... more Il signor Dido, alias Alberto Savinio, è a Ravenna. Va a dormire e sogna «il suo amico Enrico. E chi altro avrebbe sognato il signor Dido a Ravenna? […]. Enrico traversò l’infanzia, l’adolescenza: diventò uno degli adulti più geniali che il signor Dido avesse mai conosciuto. E variamente operoso: pittore, architetto, scrittore, ideatore di infiniti progetti». Così scrive Alberto Savinio del carissimo amico ravennate Enrico Galassi, nel suo ultimo capolavoro, Il signor Dido. In un’altra occasione, presentando una mostra di mosaici dello stesso Galassi, sempre Savinio aveva scritto di lui come di un «pittore fra i più intelligentemente moderni, architetto genialissimo che crea la casa dell’uomo dalle sue necessità interne, costruttore di macchine, inventore, uomo leonardesco». Ma di Galassi avevano parlato in maniera lusinghiera, tra gli altri, Filippo De Pisis, Carlo Carrà, Pietro Maria Bardi e Alberto Sartoris. Nonostante ciò, Galassi è stato quasi sempre «guardato in cagnesco dalla sorte» (Savinio).
Ravenna, ora, vuole rendergli omaggio affinché finalmente il suo geniale concittadino possa occupare quel posto che gli spetta nel panorama dell’arte italiana del Novecento, come si augurava l’amico Libero De Libero nel 1970, nel catalogo dell’unica mostra tenutasi a Ravenna, prima di questa: «Ed ora mi rivolgo ai collezionisti, alle gallerie, ai critici, ai musei, perché ti sia assegnato il posto che ti compete». A De Libero si deve la definizione di Galassi come «artista fuorilegge».
Enrico Galassi (Ravenna, 14 novembre 1907-Pisa, 1° settembre 1980), dopo una formazione in decorazione, mosaico e architettura all’Accademia di Belle Arti di Ravenna, parte per la Versilia, dove conoscerà l’ambiente pittorico gravitante intorno a Lorenzo Viani e Krimer, viaggiando in seguito anche a Parigi, nel Nord Africa, nel Sud della Spagna e scoprendo l’isola di Ibiza negli stessi anni in cui la frequentava Walter Benjamin. La sua prima personale sarà tenuta nella celebre Galleria del Milione di Milano, una galleria all’avanguardia, nel 1931, con un catalogo la cui presentazione è firmata da De Pisis. Il Milione sosterrà sempre la pittura di Galassi, tanto da dedicargli un’altra personale nel 1937. Ma Galassi presenterà le sue opere in altre prestigiose gallerie: la Galleria d’Arte di Roma (di Bardi), nel 1932 e la Galleria della Cometa, nel 1937. Galassi parteciperà anche alla II Quadriennale di Roma del 1935 col quadro La fruttiera (presente anche alla mostra ravennate). Abbandonata per un po’ di tempo la pittura, Galassi s’“improvviserà” architetto, come scrive l’amico Gio Ponti, che recensirà molto positivamente su «Domus» la casa-studio che Galassi progetterà per sé in località Poveromo vicino a Forte dei Marmi. Poco lontano Galassi disegnerà, a forma di chiocciola, anche la casa di vacanze di Alberto Savinio, che sarà da quest’ultimo citata infinite volte nei suoi testi. Agli inizi degli anni Quaranta risale la creazione dello Studio di mosaico in via Margutta 48 a Roma, uno degli episodi più significativi della vita artistica di Galassi. In questo spazio, coadiuvato da un gruppo di giovani collaboratori, darà un nuovo impulso a un’arte così difficile come il mosaico, i cui risultati – 22 opere su cartoni suoi e di altri artisti – saranno esposti nel 1942, alla Galleria Ferruccio Asta di Milano, così presentati in catalogo da Savinio: «Di quest’arte, Enrico Galassi ha riscoperto il carattere favoloso; e col gioco paziente delle tessere, come un coboldo, come un paziente alchimista, egli ricompone sulla superficie della terra e alla luce del sole, il “tesoro” fatto di immagini strane, bellissime e sciolte dalla logica degli umani “perché”, che la Terra nasconde nel suo tenebroso cuore». Galassi, a distanza di vent’anni dalla frequentazione della Scuola del Mosaico dell’Accademia di Ravenna, rinnova completamente quest’arte, considerandola “un fine, non un mezzo”.
L’altro episodio più conosciuto della carriera artistica di Galassi è la realizzazione dello Studio di Villa Giulia a Roma (in un’ala di Villa Poniatowski), nel 1944. Qui Galassi, questa volta nei panni dell’imprenditore, riunirà i più importanti artisti dell’epoca, dai nomi più noti (Carrà, De Chirico, Mazzacurati, Savinio, Severini), a quelli emergenti (Clerici, Consagra, Leoncillo) intorno a un’idea: far realizzare da valenti artigiani i cartoni e i progetti degli artisti stessi, mediante materiali preziosi come marmi e pietre dure. Tutta questa straordinaria produzione verrà esposta alla Mostra dei Capidopera dello Studio di Villa Giulia allo Studio d’Arte Palma di Bardi nel 1946. Alcune delle opere realizzate nello Studio viaggeranno poi, negli anni successivi, in mostre itineranti nei principali musei americani (dal 1950 al 1953). Il fallimento dello Studio a causa della mancata vendita delle opere segnerà la vita di Galassi. A parte la parentesi del biennio 1952-1953, quando don Luigi Sturzo lo chiamerà a dirigere la Scuola di ceramica di Caltagirone, per risollevarne le sorti, il secondo dopoguerra vedrà Galassi ritirarsi dalla scena artistica. Di questo periodo rimane una raccolta inedita di ricette, con una lunga introduzione biografica.
Tutte le mostre realizzate negli anni Sessanta e Settanta saranno sotto l’insegna del “pittore dimenticato”. L’ultima grande retrospettiva a lui dedicata è stata quella della Galleria Carlo Virgilio a Roma nel 1987.
In questa mostra ravennate, la prima istituzionale che la sua città d’origine gli dedica, verrà esposta una trentina di opere, assieme a quattro quadri dei suoi maggiori estimatori: Carrà, De Chirico, De Pisis e Savinio. Sarà l’occasione per il pubblico di conoscere il loro «amico geniale» ravennate, attraverso la sua produzione pittorica più importante e originale, quella degli anni Trenta. Alberto Sartoris, in un articolo a lui dedicato nel 1938, parlerà di Galassi come di un «animatore dell’alchimia metafisica», che si muove al tempo stesso «nella direzione spirituale del fascino surrealista». I suoi «dialoghi platonici» hanno come oggetto «Marine, isole, strumenti musicali, pesci, conchiglie, vasi, uccelli, fiori, piante, frutta, bottiglie, ballerine, colonne, cigni, statue, figure e cose soprannaturali». Un mondo di cose animate e misteriose che tutt’oggi colpiscono chi le guarda.
Il non essersi mai fermato a un solo ambito artistico, ma l’aver voluto sperimentare tutti i campi dell’arte, dalla pittura, al mosaico, all’architettura, alla poesia, viene spiegato ancora una volta dalle parole del suo amico carissimo, Savinio: Enrico, essendo «artista-nato, sa che l’arte è un gioco da dei, timorosi di lasciarsi prendere dalla noia di quaggiù».
Il Resto del Carlino, 2019
Una occasione per conoscere, nella splendida cornice della Classense, i capolavori dell'architett... more Una occasione per conoscere, nella splendida cornice della Classense, i capolavori dell'architettura italiana ed europea e per riscoprire la storia del sepolcro del poeta Dante a Ravenna.
Dalla Biblioteca del più consapevole ed operoso architetto ravennate del secolo dei Lumi, Camillo Morigia, al suo Sepolcro dantesco, dai suoi studi e dal costante confronto con gli antichi e moderni architetti alla pratica ed al progetto architettonico: tale il percorso ideato in questa nuova mostra nelle sale della Biblioteca Classense, in omaggio ad un anniversario, quello dei 750 anni dalla nascita del poeta Dante, e ad una specialistica raccolta, bibliografica e non solo, fra le principali della Classense. Come è noto la biblioteca dello studio di Camillo Morigia, principale esponente dell’architettura neoclassica ravennate, viene lasciata alla morte, nel 1795 assieme agli strumenti di lavoro e ad una preziosa collezione di grafica e medaglie, alla Biblioteca dei monaci Camaldolesi di Classe. Oggi è dunque patrimonio della città, prezioso quanto inconsueto per l’ampiezza e la completezza della dotazione libraria specialistica: 1400 volumi collocati nelle Sale delle Scienze e delle Arti della Classense.
In occasione di questa esposizione se ne propone la lettura, in funzione del lavoro progettuale e della realizzazione, fra il 1780 e il 1782, della tomba dell’Alighieri, che a Morigia fu commissionata per impulso del suo principale committente, il cardinal legato Luigi Valenti Gonzaga. Il sepolcro dantesco di Morigia, oggi peraltro non più completamente leggibile nella sua originaria forma, a seguito dei rifacimenti del 1921, viene in mostra documentato dai disegni progettuali e dalle riproduzioni incise che valsero a diffonderne rapidamente la fama. I libri di architettura, di archeologia, di studio dell’antico, da Vitruvio e Alberti ai Piranesi, sorressero e guidarono le scelte costruttive, artistiche, decorative dell’architetto che si espressero nei molti lavori architettonici promossi dalla politica del cardinale legato Luigi Valenti Gonzaga, riformista e mecenate, collezionista e bibliofilo, che fu una politica di riforma e riabbellimento in senso neoclassico della città, nella quale pienamente si inscrive il rifacimento del Sepolcro dantesco, in una fase, peraltro, di rinata fortuna letteraria del poeta. In un clima di nuovo “entusiasmo dantesco” nacque e si consolidò il progetto della nuova tomba, che Morigia impronterà alla nobile semplicità ed alla quieta grandezza di un tempietto all’antica. L’intervento diede nuovo decoro ad un monumento fra i più insigni della antica città ricca di venerandi sepolcri.
Inserita nell’ambito degli eventi collaterali alla grande esposizione di Giovanni Boldini a Forlì... more Inserita nell’ambito degli eventi collaterali alla grande esposizione di Giovanni Boldini a Forlì, la mostra di Castrocaro parte proprio dal confronto con il celebrato Maestro ferrarese del quale saranno in esposizione disegni provenienti da collezioni pubbliche e private, accanto ad alcuni disegni di Silvestro Lega, il più rappresentativo degli artisti romagnoli dell’Ottocento, proseguendo con Vittorio Corcos, Telemaco Signorini, Giovanni Fattori e Domenico Baccarini, grandi pionieri del moderno, messi in relazione con artisti come Licinio Barzanti, Antonio Berti, Achille Calzi, Ercole Drei, Augusto Gardelli, Riccardo Gatti, Domenico Rambelli, Angelo Torchi, Orazio Toschi, Edgardo Saporetti, Gino Barbieri, Anselmo Gianfanti, Domenico Miserocchi, fino a Lorenzo Viani e ai meno conosciuti Fortunato Teodorani e Giuseppe Rambelli. E ancora glieccellenti pastelli di Vittorio e Alessandro Guaccimanni, e quelli del loro maestro Arturo Moradei fiorentino di nascita e formazione, chiamato dall’Accademia di Belle Arti di Ravenna nel 1870 ad insegnare pittura.
«Casabella», LXXXIII, n. 898, giugno 2019, pp. 96-97
Mai figura architettonica, quanto il ponte, è stata, nella storia, così carica di significati met... more Mai figura architettonica, quanto il ponte, è stata, nella storia, così carica di significati metaforici. Esso non è soltanto quel manufatto che permette di superare un ostacolo: è molto di più. È un vero e proprio "simbolo", vale a dire una figura ancipite, doppia, che "riunisce" in sé molti aspetti contrastanti: "unisce" e al tempo stesso "divide"; è stabile, apparentemente, ma anche fragile e pericoloso - e questo elemento di insicurezza permane ancora e soprattutto nell'età della Tecnica; è "sospeso" tra due mondi, può essere "isolato" e "abitato", può "crollare" e finanche "muoversi"; è strumento della conquista del mondo da parte dell'uomo e, nello stesso tempo, l'opera più sacrilega di tutte, perché intacca, oltre la terra, anche l'acqua, l'elemento sacro per eccellenza in tutte le culture antiche. E non può smettere di essere se stesso senza precipitare.
«Casabella», n. 909, 2020
«Casabella», 901, 2019
«Casabella», 2017
«Casabella», 2016
![Research paper thumbnail of Elisabetta Di Stefano, [recensione a] Alberto Giorgio Cassani, L'occhio alato. Migrazioni di un simbolo, Torino, Aragno, 2014, in «Albertiana», XIX, (n.s. I), n. 1, 2016, pp. 201-203](https://attachments.academia-assets.com/52427349/thumbnails/1.jpg)
](![Research paper thumbnail of [Recensione a] Francesco Paolo Fiore, Leon Battista Alberti, Milano, Mondadori Electa, 2012, in «Albertiana», XIX (n.s. I), n. 1, 2016, pp. 172-176](https://attachments.academia-assets.com/52415575/thumbnails/1.jpg)
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There was a moment, in the sixties of the last century, in which it was thought that "technique",... more There was a moment, in the sixties of the last century, in which it was thought that "technique", "freedom" and "game" could coexist, making concrete the utopia of a "liberation from work", or rather from fatigue that the biblical condemnation has associated with work, from Adam and Eve to the present day. In this, architecture and urban planning have played a central role, imagining "megastructures" in which the individual housing cells could move freely through the city, making what had always been rigid and fixed, mobile and changeable, capable of adapt to every life change. Architects such as Archigram, Cedric Price, Constant Nieuwenhuys, and theorists such as Reyner Banham, have tried to redesign the world from the point of view of the Homo ludens theorized by Huizinga. A utopia, with its lights and shadows, which is still relevant today. Philosophical reflection in recent decades, for its part, has increasingly taken critical consideration of the figures evoked above - "work", "game", "technique", "utopia" - and, putting them in relation with "freedom", it has revealed, and can reveal, aspects and links that are anything but obvious.
Per secoli i Rasponi furono i signori indiscussi della città di Ravenna estendendo il loro potere... more Per secoli i Rasponi furono i signori indiscussi della città di Ravenna estendendo il loro potere e i loro possedimenti su tutta la Romagna. Agli inizi del XIX secolo la loro supremazia era ancora indiscussa tanto da essere considerati la famiglia più potente di Ravenna, presente politicamente alle vicende dell’epoca napoleonica e di quella successiva
