Carolina Martinez | Universitat de Girona (original) (raw)

L'ATALANTE N.22 by Carolina Martinez

L'Atalante. Revista de Estudios Cinematográficos. Núm. 22, 2016

This article explores the relationship between Jean Rouch’s Les maîtres fous (1955) and Maya Dere... more This article explores the relationship between Jean Rouch’s Les
maîtres fous (1955) and Maya Deren’s Haitian film footage (1947-
54), two almost contemporaneous projects involving the filming of
possession dances – of the African Songhay in Rouch’s case, and
of the Haitian Voudoun cult in the case of Deren. Both filmmakers
were pioneers who took an innovative approach in their filming
of these ceremonies, using lightweight technical equipment and
involving themselves directly in the ritual (each in a different
way), to produce a respectful and poetic representation that was
free of the prejudices and the colonial superiority prevalent among
Western filmmakers until that time. While Deren was unable
to give her material a final form due to a plethora of ethical and
cinematographic obstacles, Rouch would successfully bring
ethnography and cinema together in his work, thereby establishing
a new documentary sub-genre, known as ethnofiction.

El presente artículo aborda la relación entre Los amos locos (1955) de Jean Rouch y el metraje ha... more El presente artículo aborda la relación entre Los amos locos (1955) de Jean Rouch y el metraje haitiano (1947-54) de Maya Deren, trabajos cercanos en el tiempo y dedicados a filmar las danzas de posesión —de los songhay africanos, en el caso de Rouch, y de los haitianos, en el de Deren—. Ambos cineastas fueron pioneros a la hora de filmar estas manifestaciones de una manera innovadora, utilizando equipos de rodaje ligeros e involucrándose —cada uno de forma diferente— en el ritual, abordándolo desde el respeto y la poesía, dejando de lado los prejuicios y la superioridad colonialista imperante hasta esos momentos. Deren no lograría dar una forma final a su material debido a que se vio inmersa en una gran cantidad de problemas morales y cinematográficos que se lo impidieron; en cambio, Rouch conseguiría con su trabajo aunar etnografía y cine instaurando un nuevo subgénero documental, la etnoficción.

Papers by Carolina Martinez

Secuencias. Revista de Historia del Cine, Núm. 56, 2023

Reseña de la plataforma digital de la Experimental Film Society

L'Atalante. Revista de Estudios Cinematográficos, Núm. 35, 2023

This article is framed in the immersive dimension of the, increasingly in vogue, dialogue between... more This article is framed in the immersive dimension of the, increasingly in vogue, dialogue between theatre and cinema; a dialogue that, in fact, goes back to the beginnings of the cinematographic medium, and that has extended until our days in the form of all kinds of experiments that have been incorporating the techniques and technologies of each era. An important turning point in this relationship will take place in the german Weimar Republic, a very specific socio-political context that will make the use of the cinematographic image on stage and its immersive vocation, acquire revolutionary overtones, with the director Erwin Piscator systematizing the use of film as a cohesive element in an ideal of total theatre, deeply linked to the historical avant-gardes, and at the service of Marxist ideology. This will make of him a key link in the chain that would go from pre-cinematography to current documentary and political theatre proposals, in which a series of characteristics will begin to be glimpsed –especially from the production Hoppla, We’re Alive! [Hoppla, Wir Leben!] (Ernst Toller, 1927)– that will inevitably mark the interaction between the stage and the screens.

L'Atalante. Revista de Estudios Cinematográficos, Núm. 35, 2023

Este artículo se encuadra en la dimensión inmersiva del, cada vez más en boga, diálogo entre teat... more Este artículo se encuadra en la dimensión inmersiva del, cada vez más en boga, diálogo entre teatro y cine; un diálogo que, en realidad, se remonta a los inicios del medio cinematográfico y que se ha prolongado hasta nuestros días en forma de todo tipo de experimentos que han ido incorporando las técnicas y tecnologías de cada época. Un punto de inflexión clave en esta relación tendrá lugar en la alemana República de Weimar, un contexto sociopolítico muy concreto que hará que el uso de la imagen cinematográfica en la escena y su vocación inmersiva adquieran tintes revolucionarios, siendo el director Erwin Piscator quien sistematice el uso de la película como elemento cohesionador en un ideal de teatro total profundamente ligado a las vanguardias históricas, y al servicio del ideario marxista. Esto hará de él un eslabón clave en la cadena que iría desde la precinematografía hasta las propuestas actuales de teatro documental y político, en el que se empezarán a vislumbrar una serie de características –especialmente a partir del montaje "Hoppla, Wir Leben!" [¡Alehop, estamos vivos!] (Ernst Toller, 1927)– que marcarán indefectiblemente la interacción entre la escena y las pantallas.

Comparative Cinema , 2023

One of the manifestations of collapsology in contemporary visual culture can be found in the apoc... more One of the manifestations of collapsology in contemporary visual culture can be found in the apocalyptic visions of mainstream media, based on spectacle of nature. However, it is also possible to find alternative visions that reveal the complexity of the relationships that human beings establish with the planet, perspectives that could help reverse the effects of collapsology, as defined by Pablo Servigne and Raphaël Stevens. The aim of this article is to analyze a number of experimental films that effectively represent environmentalist discourses and forms, thereby offering alternatives to the catastrophist imaginaries characteristic of certain mainstream productions and omnipresent in the media. Beyond the filming of nature, these films adopt a phenomenological and kinesthetic perspective in order to explore different possibilities of cinematographic language and technology.

Comparative Cinema , 2023

Una de las manifestaciones de la colapsología en el seno de la cultura visual contemporánea son l... more Una de las manifestaciones de la colapsología en el seno de la cultura visual contemporánea son las visiones apocalípticas basadas en la espectacularidad de la naturaleza. Sin embargo, podemos encontrar propuestas alternativas que muestran la complejidad de las relaciones que el ser humano establece con el planeta y que podrían ayudar a revertir las consecuencias del colapso, tal y como lo entienden Pablo Servigne y Raphaël Stevens. El siguiente artículo se propone analizar imaginarios alternativos a los catastrofistas –característicos de un determinado cine comercial y omnipresentes en los medios– que, desde el cine experimental, encarnan unos discursos y unas formas propiamente ecológicas. Más allá de la filmación de la naturaleza, dichas propuestas exploran, desde una perspectiva fenomenológica y kinestésica, diferentes posibilidades del lenguaje y la maquinaria cinematográficos.

Buñueliana. Revista de cine, arte y vanguardias, 2022

RESUMEN: Luis Buñuel no solo fue un cineasta vanguardista, máximo representante del surrealismo f... more RESUMEN: Luis Buñuel no solo fue un cineasta vanguardista, máximo representante del surrealismo f ílmico. Fue un poeta, cuentista y dramaturgo. En esta última faceta, con la que se inició en el ámbito artístico, compuso, con la ayuda de Pepín Bello, el que puede considerarse el máximo exponente de la escena surrealista en español: Hamlet, una pieza de microteatro. Aun así, no se trata de una veleidad de su autor, sino que Buñuel siempre se interesó por la escena, en especial a partir de la inflexión producida con Alfred Jarry en la escena europea. Este artículo pretende mostrar cómo, con Hamlet, Buñuel certifica no solo su conocimiento de las corrientes escénicas de principios del siglo XX, sino su alineamiento con las mismas y su autoridad como dramaturgo surrealista.

La cineasta de vanguardia ruso-americana Maya Deren-considerada por muchos "madre de la videodanz... more La cineasta de vanguardia ruso-americana Maya Deren-considerada por muchos "madre de la videodanza"-y la coreógrafa española Mónica Valenciano son dos artistas con multitud de puntos en común; son, en palabras de la segunda "dos árboles que se tocan con las raíces". Esa semejanza que fui descubriendo durante el desarrollo de mi tesis sobre Maya Deren 1 y después de haber asistido a clases de danza con Mónica Valenciano durante varios años, me llevó irremediablemente a plantear esta entrevista, en la que la coreógrafa-unos meses antes de concedérsele el Premio Nacional de Danza-es interrogada acerca de su parentesco consciente con la cineasta, en un momento en que su trabajo se acerca cada vez más a lo cinematográfico.] La canaria Mónica Valenciano 2-que, casualmente, nace el mismo año en que fallece Maya Deren, 1961-comienza su carrera a finales de los años 80, en paralelo a otras coreógrafas españolas como La Ribot, Olga Mesa, Elena Córdoba, Blanca Calvo y Ana Buitrago, en una época en que se hace necesario en España abrir nuevos canales de producción y distribución independiente a nivel escénico,

Escena Uno | Escenografía, dirección de arte y puesta en escena. Núm. 14, 2021

Este artículo se enmarca dentro de una investigación más amplia que busca tender puentes entre la... more Este artículo se enmarca dentro de una investigación más amplia que busca tender puentes entre las formas escénicas y cinematográficas del pasado y el presente utilizando una mirada postcinematográfica y postdramática en torno al concepto de lo virtual. Debido a la amplitud del denominado “cine expandido” y a la borrosidad de sus límites, no se buscará aquí hacer un catálogo del mismo, sino que abriremos la puerta a la reflexión sobre él a través de unas ideas clave y de unos ejemplos paradigmáticos que irán desde las experiencias precinematográficas hasta los experimentos de la vanguardia norteamericana de los años ‘60. Independientemente de la tecnología y los soportes utilizados, lo que nos interesa son las experiencias que estos trabajos generan y sus efectos tanto a nivel estético y fenomenológico como social y político. A partir de aquí iremos desarrollando un hilo conductor alrededor de las posibles escenografías virtuales que se crean en estas propuestas, y que, a modo de tela de araña invisible, comenzarían en el/la creador/a y acabarían de configurarse en los/as espectadores/as, con la vocación última de prolongarse en el mundo exterior y apuntar a una nueva ecología humana.
------------
This article is part of a broader investigation that seeks to build bridges between the scenic and cinematographic forms of the past and the present using a post-cinematic and post-dramatic look around the concept of the virtual. Due to the breadth of the so- called “expanded cinema” and the blurriness of its limits, we will not seek here to make a catalog of it, but rather we will open the door to reflection on it through some key ideas and paradigmatic examples ranging from pre-cinematic experiences to the American avant-garde experiments of the 1960s. Regardless of the technology and the supports used, what interests us are the experiences that these works generate and their effects both on an aesthetic and phenomenological level as well as on a social and political level. From here we will develop a common thread around the possible virtual scenographies created in these proposals, and which, like an invisible spider web, would begin in the creator and end up being configured in the spectators, with the ultimate vocation of extending into the outside world and pointing to a new human ecology.

EARI. Educación Artística. Revista de Investigación, 2019

Este artículo presenta una propuesta pedagógica y de investigación en estudios teatrales universi... more Este artículo presenta una propuesta pedagógica y de investigación en estudios teatrales universitarios basada en el análisis teórico y en la experiencia física, intelectual y emocional de procesos creativos escénicos. A lo largo del mismo, veremos cómo la dificultad de los estudios teatrales para integrarse en el terreno científico y en la academia puede utilizarse para construir nuevas vías docentes y creativas, atendiendo a la especificidad del teatro, vivo y efímero por naturaleza. Transitaremos para ello el camino de la Investigación Basada en las Artes, la A/r/ tografía (rama de la IBA) y las experiencias previas de Investigación Basada en el Teatro. Aunaremos una visión organicista y holística basada en la idea del arte como experiencia encarnada, y la aproximación a la investigación como un trabajo en proceso permanente. En cuanto a lo estético, primará una percepción transversal de lo escénico en el marco de las denominadas "teatralidades expandidas" ligadas al concepto de "performativo". En una segunda fase, enlazaremos esta teoría con la descripción y el análisis de casos prácticos llevados a cabo en el Grado de Artes Escénicas de la Universitat de Girona (EU ERAM), para intentar valorar la eficacia de la propuesta, además de buscar ir asentando unos parámetros válidos para su evaluación. Palabras clave: estudios universitarios de Artes Escénicas, Investigación Basada en las Artes, experiencia encarnada, A/r/tografía, performativo Abstract.
---------------
This article presents a pedagogical and research proposal in Performing Arts university studies based on theoretical analysis, and on physical, intellectual and emotional experience of scenic creative processes. Throughout it, we will see MARTÍNEZ-LÓPEZ / Una experiencia encarnada de investigación escénica en estudios teatrales universitarios 116-132 http://dx.

Imagofagia. Revista de la Asociación Argentina de Estudios de Cine y Audiovisual, 2018

El presente artículo tiene como objetivo estudiar el fenómeno de la representación y la multiplic... more El presente artículo tiene como objetivo estudiar el fenómeno de la representación y la multiplicación de la identidad en Mulholland Drive de Lynch, y la denominada " Trilogía de la autorrepresentación " de Maya Deren. Para ello, se han analizado cinematográfica y conceptualmente las películas propuestas, centrándonos después en la representación que hacen de la identidad, revisando diferentes teorías aplicadas a la literatura, la estética y el cine en relación a la percepción y representación de los límites del yo. Tras analizar los filmes citados, se puede concluir que el fenómeno es muy similar en ambos y que se puede adscribir a diferentes teorías del pensamiento contemporáneo en cuanto a la percepción de una identidad compleja. Ambas películas podrían calificarse de " narraciones polifónicas " protagonizadas por un sujeto múltiple que habita un contexto de realidades también multiplicadas que tendría que ver con las dos realidades que plantea la fenomenología, los dos mundos entre los que cabalgan Lynch y Deren.
-------------
This article focuses on the representation and multiplication of identity in David Lynch’s Mulholland Drive, and Maya Deren's so-called “Selfrepresentation trilogy.” After the initial cinematographic analysis this text compares the representation of identity by deploying theories from literature, aesthetics and cinema, regarding the perception and representation of the limits of the self. We conclude that the respective representations can be ascribed to different theories of contemporary thought on the perception of complex identities. Both films can be described as "polyphonic narrations" carried out by a multiple subject that inhabits a context of multiple realities in line with the two realities posed by phenomenology, the worlds between which Lynch and Deren inhabit.

Efímera revista. Tejedorxs y subversivxs, 2018

El trabajo de la artista británica Celia Pym puede abordarse a partir de diferentes temas, muchos... more El trabajo de la artista británica Celia Pym puede abordarse a partir de diferentes temas, muchos de ellos vinculados al craftivismo, como las prácticas relacionales, el arte en la esfera pública, la sostenibilidad, el cuidado del medio ambiente, los hábitos de consumo o la ética de la moda. Pero la cuestión esencial de su obra, y que será el centro de esta entrevista así como su hilo conductor, gira especialmente en torno a la relación triangular entre tejido, cuerpo y memoria: las huellas de los cuerpos en las prendas y su historia a través de estas, la reconstrucción de lo desaparecido en el tejido, el paralelismo que para la artista tiene el hecho de cuidar un cuerpo y cuidar una prenda (con la consiguiente correspondencia entre piel y tela), y lo que para ella significa poner su cuerpo físicamente en sus acciones. De todo ello se intentará dilucidar si el resultado de su obra, consistente en la investigación y la reparación del tejido dañado por los usos de los cuerpos, podría representar una historia antioficial y no lineal, una especie de etnografía artística, en la que percibir la superposición de capas de vidas de las prendas, sus portadores, sus hacedores y sus reparadores. Una historia encarnada gracias a un triple contacto «con la materia, con la carne, con la desaparición» (Didi-Huberman y Semin, 1997: 11).
--------------------
The work of the British artist Celia Pym can be approached from different topics, many of them linked to craftivism, such as relational practices, art in the public space, sustainability, care for the environment,
consumption habits or fashion ethics. But the essential question of her work, which will be the center of this interview as well as its guiding thread, especially revolves around the triangular relationship among cloth, body and memory: the traces of the bodies in the garments and their history through them, the reconstruction of what is missing in the fabric, the parallelism that for the artist has the fact of taking care of a body and taking care of a garment (with the corresponding relationship between the skin and the fabric), and what it means for her to put her body physically in her actions. All this will try to elucidate if the result of her work, consisting on researching and repairing the damaged cloth by the use of the bodies, could represent an anachronistic and anti-official history, a kind of artistic ethnography, where to perceive the overlapping of the lives of the garments, their wearers, their makers and their repairers. An embodied history born out a triple relationship and triple contact “with matter, with flesh, with disappearance” (Semin & Huberman, 1997: 11).

Arte y Políticas de Identidad, 2017

Utilizando formal y conceptualmente las etapas del viaje, el presente artículo analiza desde un p... more Utilizando formal y conceptualmente las etapas del viaje, el presente artículo analiza desde un punto de vista ético, político y artístico las propuestas escénicas más representativas que en Europa y Oriente Próximo han abordado en los últimos años y mediante fórmulas diversas el fenómeno de la diáspora siria. El objetivo principal radica en analizar la capacidad de estas manifestaciones como generadoras de nuevas relaciones y realidades, tomando la idea de Althusser de que la cultura no refleja, sino que produce la sociedad, y que entroncaría con los orígenes del teatro documental y político en Brecht y Piscator. Asimismo, se analiza cómo se pueden presentar y representar la realidad y la otredad sin una mirada colonial, patriarcal o proteccionista, y cómo enfrentarse a los problemas éticos derivados de este tipo de prácticas, para que la escena pueda mediar en la creación de nuevas formas de estudiar a las personas en tránsito físico e identitario (McDowell) y que se plantee como un “tercer espacio” (Bhabha), desde el que poder trazar una nueva política en relación al yo y al otro.

La investigación en danza, 2016

La presente investigación tiene como objetivo explorar los orígenes de la relación entre el cine ... more La presente investigación tiene como objetivo explorar los orígenes de la relación entre el cine y la danza a través del análisis y la comparación de los cortometrajes A Study in Choreography for Camera, de Maya Deren –película que supone el nacimiento del denominado coreocine– y Dance in the Sun, de Shirley Clarke, ambas ejemplo de la experimentación más temprana entre cámara, montaje, movimiento y coreografía, y que representan los primeros duetos y simbiosis entre un medio orgánico, el cuerpo, y otro inorgánico, la cámara, que, por primera vez en la historia del cine adoptaba un rol activo respecto a la danza. Abstract This research aims to explore the origins of the relationship between film and dance through the analysis and comparison of short films A Study in Choreography for Camera by Maya Deren –movie representing the birth of the so called choreocinema– and Dance in the Sun by Shirley Clarke, both examples of the earliest experimentation among camera, edition, movement and choreography, and representing the first duets and symbiosis between an organic medium, the body, and an inorganic one, the camera, which for the first time in cinema history took on an active role towards dance.

Telón de fondo, 2014

España 2011 en la modalidad de Creación.

Telón de fondo, 2011

Maya Deren (Kiev 1917-Nueva York 1961 fue escritora de prosa, poesía y ensayos políticos, militan... more Maya Deren (Kiev 1917-Nueva York 1961 fue escritora de prosa, poesía y ensayos políticos, militante trotskista y apasionada de la danza y la fotografía; pero, ante todo, una cineasta que tuvo un modo particular y diferente de entender el cine, defensora a ultranza del medio cinematográfico como forma de arte, siendo la primera realizadora mujer en ganar un premio en el Festival de Cannes.

Fecha de incorporación a la web http://artesescenicas.uclm.es: 26/03/2007 Referencia bibliográfic... more Fecha de incorporación a la web http://artesescenicas.uclm.es: 26/03/2007 Referencia bibliográfica: ENTREVISTA A JESUSA RODRÍGUEZ. Barcelona, 16.03.07. Carolina Martínez.

Books by Carolina Martinez

Women in PR History , 2021

L'Atalante. Revista de Estudios Cinematográficos. Núm. 22, 2016

Secuencias. Revista de Historia del Cine, Núm. 56, 2023

Reseña de la plataforma digital de la Experimental Film Society

L'Atalante. Revista de Estudios Cinematográficos, Núm. 35, 2023

Comparative Cinema , 2023

Buñueliana. Revista de cine, arte y vanguardias, 2022

Escena Uno | Escenografía, dirección de arte y puesta en escena. Núm. 14, 2021

EARI. Educación Artística. Revista de Investigación, 2019

Imagofagia. Revista de la Asociación Argentina de Estudios de Cine y Audiovisual, 2018

Efímera revista. Tejedorxs y subversivxs, 2018

Arte y Políticas de Identidad, 2017

La investigación en danza, 2016

Telón de fondo, 2014

España 2011 en la modalidad de Creación.

Telón de fondo, 2011

Women in PR History , 2021

Presentamos aquí una segunda edición corregida y ampliada de esta antología, introducida por la D... more Presentamos aquí una segunda edición corregida y ampliada de esta antología, introducida por la Doctora, crítica de cine y profesora del City College of San Francisco Moira Sullivan, una de las investigadoras de Maya Deren más importantes a nivel mundial. La principal aportación a esta nueva edición –que se abre con un pequeño poema de la cineasta de 1941–, es el diario de rodaje de la película The Private Life of a Cat (1946), dirigida por Alexander Hammid y concebida por Deren; se incluyen asimismo su declaración de principios completa, los programas de mano de las presentaciones de sus películas también completos, y algunas ampliaciones de los apuntes finales en torno a diversos temas, como el referido a la poesía y el cine, extraído de su intervención en el simposio “La poesía y el cine” de 1953 en el que participaron también Dylan Thomas, Arthur Miller, Parker Tyler y Willard Maas.

escribir y respirar, 2020

escribir y respirar es un poemario y un juguete origami que explora de manera performativa la cor... more escribir y respirar es un poemario y un juguete origami que explora de manera performativa la correspondencia entre las palabras y las reacciones físicas y emocionales que estas nos causan, transcendiendo el hecho de leer.
escribir y respirar es un poemario y un juguete origami de respiraciones que explora de manera performativa la correspondencia entre las palabras y las reacciones físicas y emocionales que estas nos causan, transcendiendo el hecho de leer. Podemos decir que es un libro en el sentido que lo define Italo Calvino en su prólogo a Las ciudades invisibles: “un espacio donde el lector ha de entrar, dar vueltas, quizás perderse, pero encontrando en cierto momento una salida, o tal vez varias salidas”.
escribir y respirar busca transgredir la tiranía del relato clásico para intentar encontrar un lenguaje más esencial cuyos destellos se vislumbran en los entres y las ausencias, conseguidos aquí tanto en la escritura como en la forma mediante un proceso de vaciado, de desmaterialización, en un circuito cerrado de presencia-huella-presencia.
Los poemas, olas de flujo de conciencia, son fruto de la constante sorpresa ante la vida y del abismo al que nos enfrentamos los humanos por el hecho de tener una mente abstracta en un cuerpo de animal.
Arquitectónicamente se ha buscado que tanto la ilustración, como la tipografía, el papel (su tacto, su color) y la forma compongan un todo sutil en sintonía sensitiva con los poemas.
escribir y respirar es una invitación a retirar el velo del lenguaje para conectarnos con ese más allá que en realidad está aquí mismo, en nuestros huesos, nuestros órganos y nuestra sangre, y a permitir que emerja aquello de lo que es imposible escribir porque es tan grande que siempre se nos escapa.

el punto ciego del paisaje, 2021

El punto ciego del paisaje es un poemario experimental que busca iluminar los puntos ciegos y los... more El punto ciego del paisaje es un poemario experimental que busca iluminar los puntos ciegos y los décalages.

El punto ciego es ese ángulo muerto que nuestros ojos no ven, pero nuestro cerebro reconstruye. La verdad, la esencia, aflora en esa suspensión, en ese intersticio, en ese intervalo deleuziano que hay entre fotograma y fotograma. Pero el punto ciego es también una intersección espacio-temporal mágica, aquella en la que opera el dios griego Kairós, en la que se entrecruzan el tiempo humano y el divino.

El poemario, como un conjunto, tiene su punto ciego, pero también cada una de sus partes y cada uno de los poemas que lo componen. Todos están poblados de puntos de fuga, de posibles puntos de giro de la historia.

Está editado por Salvoconducto books, un proyecto artístico y literario que investiga la correspondencia entre las palabras y su arquitectura, apuntando a una forma de lectura encarnada. Sus creadoras son la poeta y profesora e investigadora en estudios escénicos y cinematográficos Carolina Martínez y la «disoñadora» e ilustradora Cristina Vergara. Su primer libro, escribir y respirar (2020), era un poemario origami de carácter performativo que exploraba, tanto en su contenido como en su forma, la presencia que aflora a partir de la ausencia. Su segundo proyecto, el punto ciego del paisaje (2021), es un nuevo libro-artefacto que busca iluminar los puntos ciegos y los décalages.

Historia de la danza contemporánea en España (vol. III): De la crisis económica de 2008 a la crisis sanitaria de 2020 , 2021

Un manual de estudio para la danza publicado en la colección Artes y Oficios de la escena de la A... more Un manual de estudio para la danza publicado en la colección Artes y Oficios de la escena de la Academia de las Artes Escénicas de España, con el apoyo del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM). La etapa De la crisis económica de 2008 a la crisis sanitaria de 2020 desea dar visibilidad a las compañías y los profesionales recién incorporados a la profesión. Los nuevos planteamientos de interdisciplinariedad entre géneros, estilos y técnicas, de investigación en la práctica artística, de puesta en valor de la labor social, educativa y del bienestar de la danza, son solo una muestra de la gran actividad de este periodo (2008-2020), año de la pandemia, en la que todavía estamos inmersos. Se trata de otear otros cuerpos en escena con la danza integrada, nuevos campos a explorar hacia todas direcciones y territorios imaginables.

Historia de la Danza Contemporánea en España. Vol. II, 2020

Segundo volumen de una trilogía sobre historia de la danza en España a lo largo del siglo XX. Un ... more Segundo volumen de una trilogía sobre historia de la danza en España a lo largo del siglo XX. Un manual de estudio para la danza publicado en la colección Artes y Oficios de la escena de la Academia de las Artes Escénicas de España, con el apoyo del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM). La etapa De las celebraciones de 1992 a la crisis de 2008, se caracteriza por el cambio generacional de las compañías que crecen en las comunidades autónomas y se desarrollan gracias a planes de apoyo a la danza. En esta etapa se produce la renovación de la primera generación de compañías independientes.

Historia de la danza contemporánea en España (Vol. I): De los últimos años de la dictadura hasta 1992, 2019

Primer volumen de una trilogía sobre historia de la danza en España a lo largo del siglo XX. Un m... more Primer volumen de una trilogía sobre historia de la danza en España a lo largo del siglo XX. Un manual de estudio para la danza publicado en la colección Artes y Oficios de la escena de la Academia de las Artes Escénicas de España, con el apoyo del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM). La etapa De los últimos años de la dictadura hasta 1992, abarca hasta un año considerado como un punto de inflexión en el que se destaca la mirada internacional dirigida hacia España por las olimpiadas de Barcelona y la Expo en Sevilla. Etapa de inicio de políticas culturales que han sido decisivas para desarrollar las incipientes compañías de danza contemporánea en España.

Wes Anderson, 2015

El universo de Wes Anderson está plagado de seres extraños y refinados que solo buscan su lugar e... more El universo de Wes Anderson está plagado de seres extraños y refinados que solo buscan su lugar en el mundo, sin renunciar jamás, eso sí, a sus marcadas y peculiares señas de identidad.

César Combarros, Julia Guillén Creagh, Antonio Durán, Elisa Ferrer, Pablo Sánchez Blasco, Álvaro Elías, Carolina Martínez y Luis Deltell nos acercan a uno de los realizadores más personales del momento.

Figura controvertida donde las haya, Maya Deren (Kiev 1917-Nueva York 1961) fue una trabajadora i... more Figura controvertida donde las haya, Maya Deren (Kiev 1917-Nueva York 1961) fue una trabajadora incansable desde su más temprana juventud. Fue escritora de prosa, poesía y ensayos políticos, y una apasionada de la danza y de la fotografía; pero, ante todo, fue una cineasta (“amateur”, como a ella le gustaba decir, en el sentido de “amante”) que tuvo un modo particular de entender el cine. Defensora a ultranza del medio cinematográfico como forma de arte, Deren nunca cejó en su empeño de buscar el lenguaje propio y único de este arte del tiempo y del espacio, ni de luchar por su independencia del resto de las artes. Maya Deren ha sido considerada, además, madre de lo que, en aquel momento, el crítico John Martin denominó Choreocinema y que podemos traducir como Coreocine –forma precursora de la Videodanza-. A pesar de que, por diferentes motivos, la figura y la obra de Maya Deren han permanecido, injustamente, durante años en la sombra, su labor y su herencia, tanto creativas como teóricas, han influenciado –y lo siguen haciendo- a multitud de artistas; y su manera de trabajar contribuyó, en gran medida, a la apertura de nuevos cauces de producción y distribución de la obra artística audiovisual.
Deren pertenece al tipo de cineastas y artistas que elaboraron toda una teoría sobre su propio arte de un modo creativo y analítico al mismo tiempo, siendo demiurga de una poética y teoría del cine propias. Ilustración de ello son los textos que presentamos en este libro, todos inéditos hasta ahora en castellano, y que nos ayudarán a acercarnos al poliédrico universo de este personaje complejo, contribuyendo a una mejor comprensión de su obra cinematográfica y dándonos una idea de la enorme dimensión de su trabajo. Esta recopilación engloba los textos que he considerado fundamentales en la obra de Maya Deren. La mayoría son textos completos, ordenados cronológicamente (incluyendo, entre otros, su ensayo más importante: Un anagrama de ideas sobre arte, forma y cine); al final del libro, hay un conjunto de notas y diversos apuntes de Deren sobre sus películas y sobre diversos temas, que pueden servir de guía rápida para acompañar el visionado de sus películas.

I Congreso Internacional Arte y Políticas de Identidad: Visualidad, narrativas migratorias, transnacionalidad y género en el arte contemporáneo , 2017

IV Congreso Nacional y I Internacional 'La Investigación en Danza' , 2016

International History of Public Relations Conference, 2016

Creative Failure in the Digital Arts / Les Vertues Créatives de la Faille , 2022

College Art Association (CAA). Annual Conference. 109th , 2021

Théâtre et guerre : réponses théâtrales aux conflits contemporains, 2019

Les Lieux du Virtuel, 2019

Actas del Congreso. Congreso Iberoamericano de Comunicación. Comunicación, Cultura y Cooperación, 2016

El objetivo de esta investigación es reflexionar sobre los orígenes del teatro documental y su re... more El objetivo de esta investigación es reflexionar sobre los orígenes del teatro documental y su resurgir en nuestros días, atendiendo a la relación establecida entre los archivos de lo real y su representación, y haciendo especial incidencia en las manifestaciones de nuestro país, relacionándolas con experiencias internacionales. Aunando teoría y práctica, hemos acudido a los referentes bibliográficos necesarios y al estudio de casos para analizar la función y la vigencia del teatro documental como herramienta para la reapropiación del espacio público y como proceso de empoderamiento. En primer lugar se abordan el contexto teórico y los antecedentes (en los casos de Peter Weiss, Bertolt Brecht y Erwin Piscator) del teatro documental. En dicho marco teórico, es clave la publicación en 1996 por Hal Foster de El retorno de lo real que vino a encuadrar teóricamente el auge del documentalismo que había empezado a producirse en esos años y que implicaba una práctica artística comprometida, un nuevo interés por la palabra, y el reconocimiento del cuerpo como instrumento para relacionarse con la realidad. Tras un recorrido geográfico por las diferentes manifestaciones documentales y sus orígenes en la escena europea y norteamericana, tratando aparte el caso especial de América Latina, abordamos el caso español actual, analizando las dos propuestas más representativas: Las Guerras Correctas y Ruz/Bárcenas. Veremos que todas estas manifestaciones tienen en común el intento de conciliar lo real (=privado para los posmodernos) y la realidad (=construcción ilusoria), permitiendo la inclusión de lo real en la construcción de la realidad. Algunas representarán la realidad, y otras permitirán la irrupción en la escena de fragmentos puros de lo real, produciéndose un juego entre realidad y ficción-muy cercano a la estética relacional de Bourriaud y las prácticas relacionales de Ladagga-ligado a una politización del cuerpo y del espacio público y privado.