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Papers by Norma Avila-Jiménez

A LA LUZ DEL IMPRESIONISMO Y NEOIMPRESIONISMO: MONET Y SEURAT, 2017

México. Publicado en la revista electrónica Ciencia en la UAM. Junio-Septiembre 2017 "Es un hecho... more México. Publicado en la revista electrónica Ciencia en la UAM. Junio-Septiembre 2017 "Es un hecho que lo primero que cambia la sociedad moderna nacida de la Revolución Francesa y, más aún, de la revolución industrial y técnica provocada por los descubrimientos de la ciencia del siglo XVIII, es el vocabulario plástico (…) se va a elaborar una nueva cultura y una nueva pedagogía", subraya Pierre Francastel en su libro Sociología del arte (Francastel, 1990:159) al referirse al movimiento pictórico surgido en el siglo XIX como resultado del paso del huracán llamado progreso, y de la derrota de los ideales revolucionarios: el Impresionismo. En un principio vituperado, éste iba a ser capaz de destruir el antiguo espacio plástico para dar lugar a uno nuevo que desembocaría, a principios del siglo XX, en las corrientes denominadas vanguardistas. El violento avance del desarrollo tecnológico, provocó en algunos artistas un nuevo estado de excitabilidad citadina, tal como lo describe Arnold Hauser en su Historia social de la literatura y del arte: "Ve(n) al mundo con ojos de ciudadano y reacciona(n) ante las impresiones exteriores con los nervios sobrexcitados del hombre técnico moderno" (Hauser, 1994:196), por lo que describieron pictóricamente el ritmo urbano, las impresiones efímeras, las "ola(s) fugitiva(s) del río en el que no se baña uno dos veces" (Hauser, 1994:197). Uno de los elementos esenciales en este espacio plástico que incluía no sólo la proyección de nuevas temáticas, sino además, un tratamiento técnico innovador, fue el manejo de la luz, la cual se representaría filtrada por la atmósfera y capturada por la retina. Los impresionistas desmenuzaron los colores resultantes de la reflexión lumínica e hicieron desaparecer los contornos, el dibujo lineal, para dejar en su lugar al manchón, al trazo abocetado. Desde el siglo XVIII la ciencia jugó un papel preponderante en la vida cotidiana, y la centuria siguiente no pudo escapar a esa influencia, por lo tanto, y

EL COLOR DE LA MÚSICA

Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada, México, el 16 de junio de... more Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada, México, el 16 de junio de 2013 Durante un concierto de la última temporada de la OFUNAM, como si siguieran una coreografía, los ejecutantes de los cellos y las violas movían su torso hacia al frente y hacia atrás, siguiendo el ritmo de la Suite de Jazz número 2 de Dimitri Shostakovich. Estaban bailando ante un público que quería hacer lo mismo, pero se conformaba con mover la mano (con un dedo levantado), el pie o la cabeza como péndulo. La conjugación de la música, la danza sobre los asientos y el recuerdo de algunas imágenes de Ojos bien cerrados (la citada pieza es parte del soundtrack de esa película), generaron una atmósfera de éxtasis. Solo faltaba ver colores mientras se escuchaba la música para llegar al clímax. Tal vez alguno de los asistentes o de los instrumentistas tuvo la capacidad de hacerlo, si es que genéticamente es sinésteta. ¿Y qué es la sinestesia? Es la condición neurológica que confiere al sujeto que la padece o la goza, el poder de evocar sensaciones en otro órgano de los sentidos distinto del que fue originalmente estimulado, por ejemplo, que al escuchar un sonido perciba un color o un sabor, puntualizan los neurólogos Horacio Sentíes Madrid y Bruno Estañol, en la revista Letras libres de julio de 2007. En su ensayo El enigma de la sinestesia, aseguran que una de cada 25 mil personas tiene ese "transtorno" y el 50 por ciento de los sinéstetas, con los sonidos agudos ve colores brillantes y con los graves, oscuros. La psicóloga María Lara Bella Molina y el profesor Emilio Gómez, ambos de la Universidad de Granada, en su texto ¿Qué es la sinestesia?, enfatizan que los resultados de los experimentos realizados por Daphne Maurer, en la Universidad de Macmaster en Canadá, demuestran que los bebés, hasta los tres o cuatro meses, confunden la visión con el oído o el tacto con el gusto. Los neonatos pueden experimentar gustativamente la voz de la madre. Esto indica que al nacer, los centros que procesan los sentidos pueden estar conectados, y durante el crecimiento se especializan ante un determinado estímulo. Tal vez los sinéstetas no perdieron algunas de esas conexiones, ocurrió un fallo en el proceso de "poda", aseguran.

SONORIDADES CELESTES, 2010

México. Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada. 21 de noviembre d... more México. Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada. 21 de noviembre de 2010 La conferencia que el Premio Nobel de Física 2006 George F. Smoot ofreció recientemente en la Sala Nezahualcóyotl para cerrar el XIX Congreso de Relatividad General y Gravitación (GR19), y la nota que publicó al respecto en este medio el doctor Alejandro Frank, detonó en quien esto escribe el deseo de sumergirse entre partituras y constelaciones, el Timeo o de la naturaleza, de Platón, y los terremotos solares, la música de las esferas y John Cage, debido a que Smoot incluyó fragmentos de las composiciones realizadas por el compositor Mickey Hart, quien ha "traducido" las ondas de luz emitidas por una supernova y otros cuerpos estelares en ondas de sonido. Hart ya presentó su trabajo en Playa del Carmen en enero de este año, como parte de la Conferencia de Cosmología en la Playa organizada, entre otras instituciones, por el Centro de Física Cosmológica de Berkeley, fundado por el mencionado Premio Nobel. El afán de relacionar la música con el espacio sideral no es nuevo: en el Timeo o de la naturaleza, Platón señaló la existencia de un sistema armónico del universo que, de acuerdo con el investigador Bruce Stephenson, sugiere la posibilidad de medir las distancias entre los siete círculos de los cinco planetas conocidos en ese entonces, la Luna y el Sol, por medio de intervalos sonoros. Ejemplo, entre el Sol y la Luna habría un octavo de tono, y entre Venus y Mercurio, un cuarto. En el siglo II, en su tratado Harmonics, Ptolomeo comparó los desplazamientos de los planetas con los movimientos musicales de una partitura y asignó notas a los planetas. Trescientos años más tarde, el filósofo Boethius en De música, dividió esta disciplina en mundana-la armonía de las esferas celestes-; humana-relacionada con la simetría entre el cuerpo y el alma-; e instrumental-la música como tal-, lo que permitió identificar la idea de un orden tonal y armónico con la perfección divina. El concepto de consonancia no sólo hacía referencia al ámbito de lo estrictamente tonal, sino al de lo moral, asegura José Luis Castillo, director

GEOMETRÍA DE LA MÚSICA Y LOS ARMÓNICOS DE LA PINTURA, 2013

Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada el 14 de julio de 2013 Pro... more Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada el 14 de julio de 2013 Propongo algo a los lectores: por favor prepárense a escuchar la pieza La pregunta sin respuesta (The unanswered question), del compositor estadunidense Charles Ives (está en youtube) y en el monitor de su computadora preparen dos imágenes: La capilla, de Mark Rothko, y Número 5, de Jackson Pollock. Inicien la pieza de Ives: escuchen las cuerdas en su movimiento lentísimo, eterno y etéreo, y adéntrense en esas tonalidades moradas que inunda la obra de Rothko. Pueden "sentarse" en las bancas de la capilla e imbuirse en la meditación; estas suaves sonoridades, que invitan a la comunión con el infinito, preparan la entrada de la trompeta, que, según Ives, con seis notas lanza la pregunta sobre la existencia humana. Las cuerdas continúan y un grupo de instrumentos de aliento madera emergen en momentos tratando de responder. Es en esas breves apariciones cada vez más disonantes y rápidas en las que sugiero a los lectores cambiar la imagen al lienzo Número 5. Si hacen este ejercicio, observarán cómo lo plasmado en la partitura, se identifica con la estructura pictórica-arquitectónica de Rothko, a excepción de los momentos en que las flautas y oboes atacan, sonidos que comulgan con los trazos producto del action painting de Pollock. Las palabras del compositor-pintor español Juan Antonio Muro, publicadas en Sonograma número 2 de 2008, refuerzan lo planteado: "Hay técnicas con las que el pintor (refiriéndose a Rothko) parece crear espacios que invitan al silencio y a la meditación; necesitamos más de un instante para captar su contenido y, observándolos (…) el sentido del tiempo desaparece", mientras que "Pollock utiliza el tiempo de una manera muy dinámica, nos obliga a mover nuestra mirada a un tempo rápido desde un margen al otro y en todas las direcciones, incluso en profundidad". Lo anterior permite ver cómo las técnicas de creación utilizadas por los pintores y compositores concuerdan en la utilización del ritmo, el tempo, la armonía y hasta el contrapunto, por lo que su arte en diversas ocasiones converge en la misma dirección estética. El músico Julio Estrada,

A LA LUZ DEL IMPRESIONISMO Y NEOIMPRESIONISMO: MONET Y SEURAT, 2017

México. Publicado en la revista electrónica Ciencia en la UAM. Junio-Septiembre 2017 "Es un hecho... more México. Publicado en la revista electrónica Ciencia en la UAM. Junio-Septiembre 2017 "Es un hecho que lo primero que cambia la sociedad moderna nacida de la Revolución Francesa y, más aún, de la revolución industrial y técnica provocada por los descubrimientos de la ciencia del siglo XVIII, es el vocabulario plástico (…) se va a elaborar una nueva cultura y una nueva pedagogía", subraya Pierre Francastel en su libro Sociología del arte (Francastel, 1990:159) al referirse al movimiento pictórico surgido en el siglo XIX como resultado del paso del huracán llamado progreso, y de la derrota de los ideales revolucionarios: el Impresionismo. En un principio vituperado, éste iba a ser capaz de destruir el antiguo espacio plástico para dar lugar a uno nuevo que desembocaría, a principios del siglo XX, en las corrientes denominadas vanguardistas. El violento avance del desarrollo tecnológico, provocó en algunos artistas un nuevo estado de excitabilidad citadina, tal como lo describe Arnold Hauser en su Historia social de la literatura y del arte: "Ve(n) al mundo con ojos de ciudadano y reacciona(n) ante las impresiones exteriores con los nervios sobrexcitados del hombre técnico moderno" (Hauser, 1994:196), por lo que describieron pictóricamente el ritmo urbano, las impresiones efímeras, las "ola(s) fugitiva(s) del río en el que no se baña uno dos veces" (Hauser, 1994:197). Uno de los elementos esenciales en este espacio plástico que incluía no sólo la proyección de nuevas temáticas, sino además, un tratamiento técnico innovador, fue el manejo de la luz, la cual se representaría filtrada por la atmósfera y capturada por la retina. Los impresionistas desmenuzaron los colores resultantes de la reflexión lumínica e hicieron desaparecer los contornos, el dibujo lineal, para dejar en su lugar al manchón, al trazo abocetado. Desde el siglo XVIII la ciencia jugó un papel preponderante en la vida cotidiana, y la centuria siguiente no pudo escapar a esa influencia, por lo tanto, y

EL COLOR DE LA MÚSICA

Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada, México, el 16 de junio de... more Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada, México, el 16 de junio de 2013 Durante un concierto de la última temporada de la OFUNAM, como si siguieran una coreografía, los ejecutantes de los cellos y las violas movían su torso hacia al frente y hacia atrás, siguiendo el ritmo de la Suite de Jazz número 2 de Dimitri Shostakovich. Estaban bailando ante un público que quería hacer lo mismo, pero se conformaba con mover la mano (con un dedo levantado), el pie o la cabeza como péndulo. La conjugación de la música, la danza sobre los asientos y el recuerdo de algunas imágenes de Ojos bien cerrados (la citada pieza es parte del soundtrack de esa película), generaron una atmósfera de éxtasis. Solo faltaba ver colores mientras se escuchaba la música para llegar al clímax. Tal vez alguno de los asistentes o de los instrumentistas tuvo la capacidad de hacerlo, si es que genéticamente es sinésteta. ¿Y qué es la sinestesia? Es la condición neurológica que confiere al sujeto que la padece o la goza, el poder de evocar sensaciones en otro órgano de los sentidos distinto del que fue originalmente estimulado, por ejemplo, que al escuchar un sonido perciba un color o un sabor, puntualizan los neurólogos Horacio Sentíes Madrid y Bruno Estañol, en la revista Letras libres de julio de 2007. En su ensayo El enigma de la sinestesia, aseguran que una de cada 25 mil personas tiene ese "transtorno" y el 50 por ciento de los sinéstetas, con los sonidos agudos ve colores brillantes y con los graves, oscuros. La psicóloga María Lara Bella Molina y el profesor Emilio Gómez, ambos de la Universidad de Granada, en su texto ¿Qué es la sinestesia?, enfatizan que los resultados de los experimentos realizados por Daphne Maurer, en la Universidad de Macmaster en Canadá, demuestran que los bebés, hasta los tres o cuatro meses, confunden la visión con el oído o el tacto con el gusto. Los neonatos pueden experimentar gustativamente la voz de la madre. Esto indica que al nacer, los centros que procesan los sentidos pueden estar conectados, y durante el crecimiento se especializan ante un determinado estímulo. Tal vez los sinéstetas no perdieron algunas de esas conexiones, ocurrió un fallo en el proceso de "poda", aseguran.

SONORIDADES CELESTES, 2010

México. Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada. 21 de noviembre d... more México. Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada. 21 de noviembre de 2010 La conferencia que el Premio Nobel de Física 2006 George F. Smoot ofreció recientemente en la Sala Nezahualcóyotl para cerrar el XIX Congreso de Relatividad General y Gravitación (GR19), y la nota que publicó al respecto en este medio el doctor Alejandro Frank, detonó en quien esto escribe el deseo de sumergirse entre partituras y constelaciones, el Timeo o de la naturaleza, de Platón, y los terremotos solares, la música de las esferas y John Cage, debido a que Smoot incluyó fragmentos de las composiciones realizadas por el compositor Mickey Hart, quien ha "traducido" las ondas de luz emitidas por una supernova y otros cuerpos estelares en ondas de sonido. Hart ya presentó su trabajo en Playa del Carmen en enero de este año, como parte de la Conferencia de Cosmología en la Playa organizada, entre otras instituciones, por el Centro de Física Cosmológica de Berkeley, fundado por el mencionado Premio Nobel. El afán de relacionar la música con el espacio sideral no es nuevo: en el Timeo o de la naturaleza, Platón señaló la existencia de un sistema armónico del universo que, de acuerdo con el investigador Bruce Stephenson, sugiere la posibilidad de medir las distancias entre los siete círculos de los cinco planetas conocidos en ese entonces, la Luna y el Sol, por medio de intervalos sonoros. Ejemplo, entre el Sol y la Luna habría un octavo de tono, y entre Venus y Mercurio, un cuarto. En el siglo II, en su tratado Harmonics, Ptolomeo comparó los desplazamientos de los planetas con los movimientos musicales de una partitura y asignó notas a los planetas. Trescientos años más tarde, el filósofo Boethius en De música, dividió esta disciplina en mundana-la armonía de las esferas celestes-; humana-relacionada con la simetría entre el cuerpo y el alma-; e instrumental-la música como tal-, lo que permitió identificar la idea de un orden tonal y armónico con la perfección divina. El concepto de consonancia no sólo hacía referencia al ámbito de lo estrictamente tonal, sino al de lo moral, asegura José Luis Castillo, director

GEOMETRÍA DE LA MÚSICA Y LOS ARMÓNICOS DE LA PINTURA, 2013

Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada el 14 de julio de 2013 Pro... more Publicado en el Suplemento La Jornada Semanal del periódico La Jornada el 14 de julio de 2013 Propongo algo a los lectores: por favor prepárense a escuchar la pieza La pregunta sin respuesta (The unanswered question), del compositor estadunidense Charles Ives (está en youtube) y en el monitor de su computadora preparen dos imágenes: La capilla, de Mark Rothko, y Número 5, de Jackson Pollock. Inicien la pieza de Ives: escuchen las cuerdas en su movimiento lentísimo, eterno y etéreo, y adéntrense en esas tonalidades moradas que inunda la obra de Rothko. Pueden "sentarse" en las bancas de la capilla e imbuirse en la meditación; estas suaves sonoridades, que invitan a la comunión con el infinito, preparan la entrada de la trompeta, que, según Ives, con seis notas lanza la pregunta sobre la existencia humana. Las cuerdas continúan y un grupo de instrumentos de aliento madera emergen en momentos tratando de responder. Es en esas breves apariciones cada vez más disonantes y rápidas en las que sugiero a los lectores cambiar la imagen al lienzo Número 5. Si hacen este ejercicio, observarán cómo lo plasmado en la partitura, se identifica con la estructura pictórica-arquitectónica de Rothko, a excepción de los momentos en que las flautas y oboes atacan, sonidos que comulgan con los trazos producto del action painting de Pollock. Las palabras del compositor-pintor español Juan Antonio Muro, publicadas en Sonograma número 2 de 2008, refuerzan lo planteado: "Hay técnicas con las que el pintor (refiriéndose a Rothko) parece crear espacios que invitan al silencio y a la meditación; necesitamos más de un instante para captar su contenido y, observándolos (…) el sentido del tiempo desaparece", mientras que "Pollock utiliza el tiempo de una manera muy dinámica, nos obliga a mover nuestra mirada a un tempo rápido desde un margen al otro y en todas las direcciones, incluso en profundidad". Lo anterior permite ver cómo las técnicas de creación utilizadas por los pintores y compositores concuerdan en la utilización del ritmo, el tempo, la armonía y hasta el contrapunto, por lo que su arte en diversas ocasiones converge en la misma dirección estética. El músico Julio Estrada,