Revista Sobre | Universidad de Granada (original) (raw)
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SOBRE es una revista de periodicidad anual que aborda de una manera compleja y poliédrica la relación que se establece entre la práctica del arte –y sus modos y sistemas de producción- con aquellos marcos, medios y dispositivos empleados para su distribución y comunicación en el ámbito académico, profesional y en la sociedad en general.
Web: http://revistaseug.ugr.es/index.php/sobre
Los trabajos publicados en las secciones "Campo" y "Panorama" son sometidos a revisión anónima (sistema “doble ciego”).
Los artículos de investigación o revisión que se dirijan a la revista para ser incluidos en la sección "Campo" podrán tratar de manera abierta algunos de estos ejes:
Investigaciones que profundicen y pongan en cuestión el uso de los medios clásicos de difusión y comunicación de la producción en arte y arquitectura (libros, revistas, catálogos, cine, fotografía...) así como los más contemporáneos (vídeo, internet, redes sociales...).
Reflexionar sobre proyectos artísticos que usan medios editoriales o que trabajen conceptos como la multiplicidad, serialidad o secuencialidad de archivos textuales o visuales.
Investigaciones sobre archivos, registros y memoria en el campo del arte y la arquitectura.
Revisión de iniciativas y experiencias sobre legislación, políticas de derechos de autor y licencias en el campo del arte y la arquitectura.
Herramientas y tecnologías que permitan la edición, reproducción, multiplicación y circulación de obras artísticas.
Problematizar la edición o reflexionar sobre experiencias en torno a la edición como acto discursivo y experimental.
Revisión de expreiencias culturales (música, artes escénicas, danza, cine, etc.) que inciden o dan importancia a los procesos de edición.
La recepción de artículos para la sección "Campo" está abierta permanentemente.
Los artículos de investigación o revisión que se dirijan a la revista para ser incluidos en la sección "Panorama" deberán ajustarse a la temática propuesta y enviarse dentro del plazo anunciado por la revista.
Esta revista surge en el seno del grupo de trabajo SOBRE-LAB, vinculado a la Universidad de Granada (España). Su propósito es reunir a investigadores, artistas y críticos y ofrecerles un espacio donde publicar sus trabajos recientes en el ámbito de interés de la revista.
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SOBRE is journal published annually that addresses from a complex and multifaceted perspective the relationship between the practice of art - and its modes and production systems - with structures, means and devices serving to distribute and communicate in academic and professional spheres, as well as in society in general.
The articles submitted to sections “Field” and “Panorama” are subject to anonymous review (“double blind” process).
The research or review articles submitted to the “Field” section of the journal may openly adhere to the following lines:
Studies that deepen and put into question the use of both traditional (books, journals, catalogues, film, photography ...) and contemporary (video, internet, social networks …) means of dissemination and communication of art and architecture production.
Reflections on artistic projects that use editorial means or that enquire into concepts such as the multiplicity, seriality or sequentiality of written or visual archives.
Studies of archives and records in the field of art and architecture.
Review of initiatives and experiences related to legislation, copyright policies and licenses in the fields of art and architecture.
Tools and technologies that allow to edit, reproduce, multiply and disseminate artistic works.
Delve into the question of edition and reflect on the practices and experiments linked to the matter.
Review of cultural experiences (music, performing arts, dance, cinema, etc.) that affect or bolster the editing processes.
Reception of articles for the “Field” section is permanently open.
The research or review of articles submitted to the journal for the “Panorama” section must adhere to the topic of each issue and respect the journal’s deadline.
Address: Facultad de Bellas Artes.
Avenida de Andalucía s/n. 18014
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Papers by Revista Sobre
SOBRE, 2022
RESUMEN: Aplicando una metodología cualitativa de análisis de contenido, este trabajo plantea un ... more RESUMEN: Aplicando una metodología cualitativa de análisis de
contenido, este trabajo plantea un estudio transversal en el que
se muestra un breve recorrido cronológico por el contexto histórico
de creación sonora. Se exponen, por un lado, aportaciones realizadas
por mujeres al terreno de la creación de música electrónica,
como puede ser la influencia que han ejercido en el desarrollo
de diferentes sintetizadores para la creación de sonido. Por otro
lado, se atiende a prácticas artísticas contemporáneas en torno a
la creación de sonido y a la forma en la que la tecnología ha contribuido
a la democratización del trabajo realizado por mujeres
en el campo de estudio de la música electrónica. Esto muestra la
manera en la que el proceso creativo se vuelve cada vez más inclusivo
por medio de la tecnología. Un ejemplo son las tendencias
de creación artística computacional de live coding. Este artículo
se suma a una corriente de investigación en auge en el ámbito
hispanohablante que requiere de aportaciones que contribuyan a
su desarrollo atendiendo a sus procesos creativos, sin discriminar
a las personas por su contexto social. Se atiende así a la idea de
construir un futuro más humano y creativo.
ABSTRACT: Applying a qualitative content-analysis methodology,
this article sets out a transversal study providing a brief chronological
journey through the historical context of sound-creation. On the one
hand, it presents contributions made by women to electronic musiccreation,
such as their influence on the development of different
synthesizers for the creation of sound. On the other, it takes a look at
contemporary artistic practices in sound-creation and explores how
technology has contributed to the democratization of women’s work
in electronic-music studies. This shows how the creative process is
becoming increasingly inclusive through technology. One example
is that of the trends in computer-based art-making relating to live
coding. This article joins a growing research impulse in the Spanishspeaking
world calling for contributions to its development that speak
to its creative processes while avoiding discrimination against people
based on their social context. This speaks to the idea of building a
more humane and creative future.
SOBRE, 2022
«Gaming Through Architectural Drawing» es una exposición digital en el metaverso, sobre arquitect... more «Gaming Through Architectural Drawing» es una
exposición digital en el metaverso, sobre arquitectura
y videojuegos, celebrada en el Centro Cultural
Virtual Meetaverse en colaboración con la Fundación
Arquia y la Universidad de Granada, del 25 de
mayo al 15 de junio de 2022 y cuyo comisario es
Manuel Saga Sánchez García.
SOBRE, 2022
RESUMEN: DreamCity es una trilogía documental experimental realizada en tres barrios de tres ciud... more RESUMEN: DreamCity es una trilogía documental experimental
realizada en tres barrios de tres ciudades diferentes: San Antón
en Cuenca, San Francisco en Bilbao y Ruzafa en Valencia. Estos
tres documentales se vertebran a través de la historia de Ayoub,
un niño migrante que nos guía a través de esta investigación en
las tres ciudades que representan tres etapas de su vida.
En los tres documentales numerosas voces y actores van
construyendo un relato coral que se completa con intervenciones
y acciones artísticas, «actos humanos capaces de cambiar
la naturaleza de la ciudad», dado que la ciudad es una relación
compleja entre sus formas físicas y las fuerzas sociales que le
atraviesan. Tener derecho a la ciudad devuelve a la ciudad su
sentido como lugar del derecho, significa la reivindicación del
derecho al derecho.
FROM !THE RIGHT TO THE CITY" TO DREAMCITY
ABSTRACT: DreamCity is an experimental documentary trilogy
made in three neighbourhoods in different Spanish cities: San Antón
in Cuenca, San Francisco in Bilbao, and Russafa in Valencia. The
documentaries are structured around the story of Ayoub, a little
migrant boy who guides us via this investigation across the three
cities that represent three stages of his life.
Here, numerous voices and protagonists work to build a choral story
that is threaded together with artistic interventions and actions—
«human acts capable of changing the nature of the city »—given that
the city is, itself, a complex relationship between its physical forms
and the social forces at play. Having a right to the city gives the city
its meaning as a place mediated by the law. It means asserting one’s
rights as expressed through the law.
SOBRE, 2022
RESUMEN: La conservación de los formatos originales de una disciplina artística como el videoarte... more RESUMEN: La conservación de los formatos originales de una
disciplina artística como el videoarte es motivo de estudio desde
hace pocos años. Distribuidoras de vídeo y museos de arte
contemporáneo son los principales organismos encargados de
recuperar y visibilizar las piezas de videocreación pioneras. La
fragilidad de las cintas magnéticas y la obsolescencia de los formatos
videográficos analógicos utilizados entre los años sesenta
y ochenta del siglo XX dificulta la durabilidad de estos trabajos. El
presente artículo investiga el caso de Carles Pujol, uno de los artistas
españoles con mayor trayectoria en la historia del videoarte
internacional. Observar de qué modo el artista catalán realiza
nuevas versiones de videoinstalaciones antiguas, incorporando
dispositivos tecnológicos actuales en sustitución de artilugios
añejos, es uno de los objetivos del texto. Otro propósito consiste
en testimoniar el proceso de incorporación de una parte representativa
de sus piezas monocanales al catálogo de la distribuidora
de vídeo HAMACA. Ambas cuestiones evidencian la presente
consolidación del formato digital y su indudable protagonismo
para el futuro del videoarte.
RECOVERY AND DISTRIBUTION OF VIDEO ARTWORKS IN THE
SPANISH CONTEXT: THE CASE OF CARLES PUJOL
ABSTRACT: The preservation of the original formats of an artistic
discipline such as video art has been of interest to scholars for a
number of years. Video distributors and contemporary art museums
are the primary organizations tasked with recovering and raising
awareness of the pioneering works of video-creation. The fragility
of magnetic tapes and the obsolescence of analogue video formats
used in the 1960s–1980s render it difficult for these works to last
over time. This article investigates the case of Carles Pujol, one of
the most renowned Spanish artists in the history of international
video art. Among other themes, the article observes how the Catalan
artist creates new versions of old video installations, incorporating
present-day technological devices in place of the outdated. It also
recounts how a representative selection of his single-channel pieces
is incorporated into the catalogue of video distributor HAMACA. Both
topics speak to the current consolidation of the digital format and its
unquestionable place in the future of video art.
SOBRE, 2022
RESUMEN: Los modos contemporáneos en los que nos desenvolvemos, en un entorno eminentemente urban... more RESUMEN: Los modos contemporáneos en los que nos desenvolvemos,
en un entorno eminentemente urbano, me llevan al
planteamiento de si hay otro horizonte que no sea el desgastado
neoliberalismo, el anquilosado estado burocratizado y el vértigo
estimulativo de la hipermercantilización. Los modos revolucionarios,
tanto industriales como artísticos, que se llevaron a cabo
durante la vanguardia rusa y que posibilitaron la transformación
de la configuración política del momento se presentan aquí como
un modelo cuyo potencial emancipador fue reprimido por la
propia URSS y, más tarde, fagocitado por la sociedad del capital.
A este breve apunte sobre estos cuatro modos de ser que considero
relevantes, se llega a través de cuatro breves biografías, su
conformidad con el tiempo en el que vivieron y un breve apunte
sobre las cuestiones que todavía hoy son capaces de suscitar. El
problema de fondo que se plantea es la relación que existe entre
el ciudadano, en sus modos de ser, productivo, urbano, aburrido y
teatral, y su conformación dinámica con el entorno.
FROM BIOMECHANICS TO BIOPOLITICS: ON CONTEMPORARY
WAYS OF BEING"THE PRODUCTIVE, THE URBAN, THE
BORING, AND THE THEATRICAL IN THE CITIZEN’S CO!
FORMATION WITH THE ENVIRONMENT
ABSTRACT: The contemporary ways in which we operate, in an
eminently urban environment, lead me to wonder whether there
might be another horizon—something other than time-worn
neoliberalism, the stagnant bureaucratized state, and the catalyzing
vertigo of hyper-commodification. The revolutionary ways of being,
both industrial and artistic, that took hold in the urban environment
during the Russian avant-garde and that rendered the transformation
of the political environment possible, are presented here as a model
whose emancipatory potential was repressed by the USSR and, later,
engulfed by the society of capital. This brief survey of four ways of
being that I consider particularly relevant is conveyed through four
brief biographies of Russian figures that show their relationship to the
times in which they lived and provide a glimpse of the questions that,
even today, they raise. The core issue here is the relationship between
the citizen, in their ways of being—productive, urban, boring, and
theatrical—and their dynamic co-formation with the environment.
SOBRE, 2022
RESUMEN: En apenas dos décadas de este siglo XXI la suma de colectivos formados por mujeres y dis... more RESUMEN: En apenas dos décadas de este siglo XXI la
suma de colectivos formados por mujeres y disidencias de
género afincados en la música electrónica ha ido aumentando
exponencialmente a nivel global. La intención común
a todos ellos sigue siendo superar la brecha tecnológica,
facilitando el acceso a la formación a las nuevas generaciones,
mientras dan cuenta de la necesidad e importancia
de un activismo feminista queer en la escena de la música
electrónica actual.
En este texto haremos un breve repaso de las causas históricas
que han separado a las mujeres de las tecnologías de
la música y de las acciones presentes para romper con esta
cadena de exclusiones. A su vez, recogeremos el trabajo e
investigación de las propias fundadoras y colaboradoras de
algunos de los colectivos nacionales e internacionales que se
están desarrollando en la actualidad con el empuje común de
la sororidad y las estructuras no jerárquicas de organización
para crear espacios seguros e inclusivos.
SHORT CIRCUITS … WOMEN AND DISSIDENCES
SEEKING TO COLLECTIVIZE AND PRODUCE SAFE
SPACES IN !ELECTRONIC" MUSIC
ABSTRACT: In the 21st Century, just two decades in, the
number of groups comprising women and gender dissidents
devoted to electronic music has increased exponentially on
a global level. They share an ongoing intent: to overcome
the technological gap, facilitate access to training for
new generations, and acknowledge the need for, and
the importance of, queer feminist activism in the current
electronic music scene.
In this article, we briefly review the historical causes that
have separated women from music technologies and the
current actions being taken to break this chain of exclusions.
In turn, we will survey the work and research of the founders
and collaborators of some of the national and international
groups that are currently being developed that share a
common drive toward sisterhood and non-hierarchical
organizational structures to create safe and inclusive spaces.
SOBRE, 2022
Es posible que corresponder sea el verbo más generoso de nuestro vocabulario. Algunas de sus acep... more Es posible que corresponder sea el verbo más generoso
de nuestro vocabulario. Algunas de sus acepciones –recién
intervenidas– pueden ser entendidas como una acción
desprendida y cordial, como la mejor que podemos realizar
hoy de manera efectiva: comunicarse, amarse, tocar/
se o pertenecer/se con, a, hacia, hasta –ponga aquí la
preposición que desee, excepto cabe– otro/a.
En estas Correspondencias, y con motivo del centenario del
Concurso de Cante Jondo de Granada celebrado en 1922,
hemos decidido invitar a cuatro autoras flamencas a coresponder
y dialogar con Manuel de Falla e Ignacio Zuloaga
a partir del epistolario publicado por el Ayuntamiento de
Granada en 1982 con epílogo y edición de Federico Sopeña2.
Esta comunicación interdimensional ha abierto interesantes
y sugerentes líneas de pensamiento que, sin duda, amplían
las posibilidades hermenéuticas de un acontecimiento tan
oportuno y acorde con su momento como inquisitorial –
usando el término de José Luis Ortiz Nuevo– e impreciso
en lo que se refiere a la realidad histórica y musical de lo
flamenco.
SOBRE, 2022
Silencio. Ciudad. Sonido público: contar el oxímoron. La Fonoteca de Sevilla es un centro de arte... more Silencio. Ciudad. Sonido público: contar el oxímoron.
La Fonoteca de Sevilla es un centro de arte dedicado a las prácticas sonoras, la indagación sobre
otras ideas de ciudad a partir del pensamiento sobre el sonido y el silencio, la didáctica de la
escucha y el archivo y preservación del patrimonio sonoro hispalense. Se trata de un archivo en
permanente construcción dedicado a la ciudad de Sevilla y determinado por proyectos concretos de
indagación y acción sobre la auralidad.
La Fonoteca de Sevilla, en funcionamiento desde 2018, se encuentra actualmente en residencia
en la Real Fábrica de Artillería, a través del laboratorio de experimentación BARRIO BOMBA.
San Bernardo Sonic Experience. En estas jornadas, se mostraron el proceso de conversión de la
Fundición Menor en el Museo del Silencio (colección de sonidos, silencios y experiencias aurales
alrededor de la escucha) y Fábrica Aural (procesos de indagación sonora acerca del barrio de
San Bernardo y piezas desarrolladas a través de la experiencia en y con la Fábrica de Artillería de
Sevilla).
A lo largo de tres días el público pudo acceder a una experiencia de oídos abiertos, de músicas
visibles, músicas mentales, en un museo que habla de cómo el silencio hace que se perciba todo lo
demás, el mundo –parafraseando a Cage–. Situado en la Fundición Menor –germen de la Fábrica
de Artillería, una nave renacentista con ruidos y silencios de siglos–, el Museo del Silencio trabajó
con los materiales que le proporcionaba el mismo espacio, con su poética, belleza y sensibilidad,
sin añadir mucho más... El espacio que muta en su propia espacialidad como lugar de estancia,
pensamiento y acción sobre nuestro sitio en las ciudades de nuestro tiempo.
SOBRE, 2022
Del mismo modo que el compositor Johann Sebastian Bach utilizó las letras de su apellido para cre... more Del mismo modo que el compositor Johann Sebastian Bach utilizó las letras de su apellido para
crear un motivo musical (en alemán, la b es si bemol, la a es la, la c es do y la h es si natural), en
muchas otras ocasiones las personas que se dedican a crear música han usado conceptos abstractos
como herramienta para componer. El uso de la lógica, la matemática, la geometría o el azar ha
estado presente desde siempre en el arte, la artesanía y el folclore.
Representadas en forma de algoritmos, hoy en día también la lógica, la matemática y la probabilidad
están presentes en todas las facetas de nuestra vida. Más que nunca, nuestra sociedad globalizada
actual delega en algoritmos la toma de muchas decisiones diarias. La cantidad de información
que generamos nos obliga a depender de sistemas de computación complejos cuyo funcionamiento,
sin embargo, no llegamos a comprender socialmente.
Con estas cinco miniaturas propongo introducirnos en el universo abstracto de los algoritmos,
para materializarlos en forma de música y lanzarlos al mundo con el objetivo de ayudar a tomar
conciencia de esta realidad.
Estas miniaturas no son piezas cerradas, son textos que indican los pasos a seguir para crear tu
propia pieza. Para ello necesitarás una caja de música que permita introducir una partitura creada
por ti en forma de rollo de pianola, en la que cada agujero representa una nota musical.
Toma tu partitura para la caja de música, la llamaremos pentagrama. Cada línea horizontal se llamará
nota, y a cada línea vertical la llamaremos posición. Cuenta cuántas notas y posiciones tienes
en tu pentagrama.
SOBRE, 2022
RESUMEN: Un niño mira por la ventana de un coche en movimiento. Trata de enfocar algún punto en e... more RESUMEN: Un niño mira por la ventana de un coche en
movimiento. Trata de enfocar algún punto en el paisaje
que lo cautive, alguna rareza, un gesto. Nada de lo que
observa lo emociona, y se enfada. El presente ha perdido
interés, es ahora un friso blanco y no hay nada que valga
la pena rescatar. El niño es el hijo de una documentalista
sonora que viaja con su madre al desierto de Sonora, y al
verlo piensa: «Tal vez si encontramos una nueva manera
de documentar el mundo empezaremos a entender esta
nueva forma de experimentar el tiempo y el espacio».
Las cartografías que proponemos son una búsqueda
esforzada en esa dirección en la que la reflexión sobre
qué y cómo documentar se ha vuelto urgente. Hay una
convicción que atraviesa todo el corpus y que se funda
en la confianza de que el sonido guarda con llave sus
secretos. Los entierra como un ser vivo lejos del rastro
cotidiano solo por el impulso de conservar algo valioso.
En cada lugar hay un sonido a la altura de la tierra, que
es el de las orejas, pero otros no. Anidan en lo bajo o en
lo alto, en lo roto o en lo pequeño, en los restos y en las
resonancias. No hay ciudad que no tenga ni oculte lo
prohibido, lo marginal, lo sucio, así como sus escándalos,
vergüenzas e ignominias. No aparecen ni en Google Maps
ni en los anaqueles de los hoteles. Pero están. Y suenan,
y resuenan.
De esto se trata, pues, esta colección.
ABSTRACT: A child looks out the window of a moving car. He tries to
focus on some point in the landscape that captivates him, something
strange, a gesture. Nothing he can see excites him, and he gets angry.
The present has lost its interest; it is now a white frieze and there is
nothing worth rescuing. The boy is the son of a sound documentary
filmmaker who is travelling with his mother to the Sonoran Desert.
Upon surveying it, he thinks to himself: “Maybe if we find a new way
of documenting the world, we’ll begin to understand this new way of
experiencing time and space”.
The cartographies we propose in this work constitute a dogged quest
in that direction: a reflection on what and how to document is now
urgent. There is a conviction that runs through the entire corpus
that is based on the unwavering belief that sound holds its secrets
under lock and key. It buries them like a living thing, far from the
quotidien, just for the sake of preserving something of value. In each
place, there is a sound at the level of the earth, which is that which
reaches the ears; but other sounds lie elsewhere. They nest up on
high or down below, in the broken or the small, in the remains and the
resonances. There is no city that does not have—or does not hide—
the forbidden, the marginal, and the dirty, as well as its scandals, its
shame and ignominies. They do not appear on Google Maps or in
hotel displays. But, there they are. And they make a sound, and they
reverberate.
This is what this collection is about.
SOBRE, 2022
RESUMEN: En este artículo, intento conectar los paseos auditivos, es decir, las intervenciones so... more RESUMEN: En este artículo, intento conectar los paseos
auditivos, es decir, las intervenciones sonoras geolocalizadas
o mediadas tecnológicamente en el espacio público a través
del movimiento, con los conceptos del nomadismo y el rizoma
de Gilles Deleuze y Félix Guattari. Por un lado, el objetivo es
ilustrar cómo los trabajos artísticos interactivos y específicos
del sitio con el uso de tecnología de medios geolocalizados
producen un entorno de auralidad aumentada dentro del espacio
público. Por otro lado, me propongo describir cómo las teorías
del arte nómada y menor pueden encontrar su implementación
en prácticas artísticas que se enfocan en caminar y escuchar
en/a la ciudad como un espacio liso, incluyendo narrativas,
historias, paisajes sonoros e historiografías menores a
través de tecnologías GPS recientes. Por último, me baso en
la combinación de varias teorías sobre el arte, el espacio, la
corporeidad, el caminar y la tecnología, para explorar nuevas
direcciones estéticas en el arte de caminar geolocalizado en el
espacio público.
ABSTRACT: In this paper, I attempt to express the connection
between audio walks—that is, movement-based geo-locative or
technologically-mediated sound interventions in public spaces—
and the Deleuzian and Guattarian concepts of nomadism and the
rhizome. On the one hand, I seek to illustrate how site-specific,
interactive artistic works that draw on geo-locative media technology
produce an environment of augmented aurality within public space.
On the other, I aim to describe how nomad- and Minor-art theories
can find expression in artistic practices that focus on walking and
listening (in) to the city as a smooth space, including narratives,
stories, soundscapes, and minor historiographies, using recent GPS
technologies. Finally, I draw on a combination of several theories
on art, space, embodiment, walking, and technology to explore new
aesthetic directions in public space geo-locative walking art.
SOBRE, 2022
el cine ha utilizado el sonido indiscreto como argumento en muchas películas importantes, recalca... more el cine ha utilizado el sonido indiscreto como argumento en
muchas películas importantes, recalcando la importancia de
la escucha de mensajes sonoros cuya interpretación resultaría
definitiva para el desarrollo de la acción. Se ha profundizado en
las limitaciones y en los principios físicos y psicológicos que
sustentan la escucha, en cuanto habilidad del ser humano para
captar información y filtrar esta como relevante, y en cómo
esta escucha ha influido en diferentes argumentos cinematográficos.
El medio arquitectónico y urbano donde se produce el
sonido indiscreto, junto con la tecnología empleada, muestra
una clara relación con el desarrollo de la acción y condiciona
la aparición de la argumentación cinematográfica. Se han
conformado cuatro tipos de escucha como posibles estructuras
narrativas donde se manifiesta el sonido indiscreto: la escucha
detectivesca, la escucha política, la escucha psicoanalítica y la
escucha privilegiada.
ABSTRACT: Analogous to the trajectory of visual culture,
moments of revelatory audio have long been used as storylines
in many major films, underlining the importance of listening in
to information conveyed via audio when the interpretation of
that information is a fundamental component of the unfolding
action. The scholarship has examined in some depth the
limitations of listening and the physical/psychological principles
behind it, in terms of the human being’s capacity to capture
information and filter-in only what is relevant and how the act
of listening has influenced different cinematographic storylines.
The architectural and urban environment in which the revelatory
audio is framed, together with the technology used, shows a clear
relationship to the unfolding action and shapes the appearance of
cinematographic storytelling. Four types of listening-context are
identified as possible narrative structures where revelatory audio
manifests itself: the detective context, the political context, the
psychoanalytical context, and the privileged-insight context.
SOBRE, 2021
Esto es una intervención cariñosa a la generosidad de Llorenç Barber, que cedió su partitura a L’... more Esto es una intervención cariñosa a la generosidad de Llorenç Barber,
que cedió su partitura a L’Ordóñéh y la Herváh.
SOBRE, 2021
RESUMEN: El cubo blanco es un espacio que inicialmente no está concebido para la danza, sin embar... more RESUMEN: El cubo blanco es un espacio que inicialmente no
está concebido para la danza, sin embargo, desde los años 90 se
produce un giro coreográfico a partir del cual ciertas prácticas
que podemos definir como dance exhibitions cobran protagonismo
en museos por todo el mundo. Este artículo aborda las
problemáticas y posibilidades que este giro plantea, y cómo estas
se hacen efectivas en un caso de estudio concreto: 20 dancers
for the XX century del coreógrafo Boris Charmatz, en su versión
realizada en 2016 dentro del Programa de Actividades Públicas
del Museo Reina Sofía. Además, el análisis de esta actividad
permitirá un acercamiento a los procesos de musealización de
la danza en España, que presentan ciertas particularidades y se
encuentran escasamente documentados.
ABSTRACT: The white cube is a space that is not conceived for
dance, however, since the ‘90s a choreographic turn takes place from
which certain practices that we can define as dance exhibitions gain
prominence in museums all over the world. This paper addresses the
problems and possibilities that this turn sets out, and how these are
made effective in a specific case study: 20 dancers for the XX century
by choreographer Boris Charmatz, in its version made in 2016 within
the Program of Public Activities of the Museo Reina Sofía. In addition,
highlighting this activity will facilitate an approach to the processes of
musealization of dance in Spain, which have certain peculiarities and
are poorly documented.
SOBRE, 2021
RESUMEN: Se discuten las técnicas editoriales de un conjunto heterogéneo de ediciones experimenta... more RESUMEN: Se discuten las técnicas editoriales de un conjunto
heterogéneo de ediciones experimentales de arquitectura del
siglo XX, hoy consideradas trabajos seminales. Siguiendo la
metodología de los estudios culturales, las leeremos en polémica
con las técnicas de diseño que cristalizan con el impulso de la
economía cultural en la sociedad de masas. Veremos cómo en
ellas el uso del montaje imaginativo confronta la fragmentación
y los efectos de enmarcado comúnmente adoptados en la presentación
de la arquitectura como tecnología edilicia. Considerar
estas relaciones nos permitirá identificar las claves que definirían
un posible género crítico a investigar, el ensayo editorial. Si la
fragmentación y el enmarcado pueden ser vinculados a diferentes
mecanismos de externalización de lo crítico, la conectividad y los
desvíos incentivados por el montaje imaginativo —también una
técnica cognitiva y persuasiva— aproximan el ensayo editorial a
las operaciones de rescate de lo olvidado y de lo excluido propias
de la crítica cultural.
ABSTRACT: We discuss the editorial techniques of a heterogeneous
set of 20th century experimental books of architecture, today
considered seminal works. Following the methodology of cultural
studies, we will read them in controversy with the design techniques
that crystallize with the impulse of the cultural economy in mass
society. We will see how in them the use of imaginative montage
confronts the fragmentation and framing effects commonly adopted
in the presentation of architecture as building technology. Considering
these relationships will allow us to identify the keys that would define
a possible critical genre to be investigated, the editorial essay. If
fragmentation and framing can be linked to different mechanisms
of externalization of the critical, the connectivity and deviations
encouraged by imaginative montage —a cognitive and persuasive
technique, as well— bring the editorial essay closer to the rescue
operations of the forgotten and the excluded characteristic of cultural
criticism.
SOBRE, 2021
En el presente texto damos un enfoque diferente a la acción performativa de caminar, a través de ... more En el presente texto damos un enfoque diferente a la acción performativa de caminar, a través de la transdisciplinariedad que presenta la obra de un artista como es el caso de Juan del Junco, en la que se mezcla una metodología propia de las ciencias naturales, concretamente la ornitología, con el propio método como artista: caminar, investigar y crear. El objetivo es demostrar cómo esta metodología puede llegar a convertirse en cartografías emocionales que se transformarán según los formatos que sean necesarios para exposiciones, libros, instalaciones, etc. Tras el análisis de algunas obras del artista, llegamos a la conclusión de que dichas cartografías pueden llevar hasta sus orígenes, las cosmografías, a través de las tradiciones familiares, como puede ser la figura paterna, y recordarnos la aparición del mapa cantado, vivido, anterior a la escritura, en definitiva, los trazos de la canción.
ABSTRACT: In this article we give a different point of view about the
performative action of walking, through the transdisciplinarity which
is present in the work of the artist Juan del Junco. In his work mix
an own methodology in Natural Science, specially in Ornithology,
with other own methodology as artist: walking, researching and
creating. The objective is to show how this methodology can become
emotional cartographies that change according to need in different
formats: exhibition, books, artistic installations, etc. A"er the analysis
of some works by del Junco, we have the conclusion that the
cathographies can lead to the origins, the cosmographies, through
the family traditions as the figure of the father and it remember us the
appearance of the sung, living map. The pre-writing map, definitely,
the songlines.
SOBRE, 2021
El lenguaje del cómic está cada vez más presente en la arquitectura, como podemos apreciar en las... more El lenguaje del cómic está cada vez más presente en la arquitectura, como podemos apreciar en las viñetas ilustrativas o diagramas presentes en proyectos de destacados arquitectos como Bjarke Ingels (BIG), MVRDV o Neutelings & Riedijk, entre otros. Al mismo tiempo, la arquitectura está representada en los cómics por dibujantes como Chris Ware o Richard McGuire. Así, las dos artes cuentan con su propia narrativa y se conciben de forma muy parecida. Koldo Lus Arana, bajo el seudónimo de Klaus, es otro arquitecto y docente universitario que, desde 2005, comparte su actividad profesional y académica con la de dibujante de cómic. A través de una entrevista inédita realizada por las autoras, se presenta su narrativa gráfica y caricaturesca, en la que se analizan las interacciones entre cómic, ficción y arquitectura; sin olvidar a los autores de referencia que han utilizado la viñeta como un medio gráfico para interpretar temas arquitectónicos desde la crítica y desde la filosofía creativa.
ABSTRACT: The language of the comic is increasingly present in
architecture as we can see in the illustrative strips or diagrams
present in projects by leading architects such as Bjarke Ingels (BIG),
MVRDV or Neutelings & Riedijk, among others. And at the same time,
architecture is represented in the comics by sketchers such as Chris
Ware or Richard McGuire. Thus, the two arts have their own narrative
and are conceived in a remarkably similar way. Koldo Lus Arana,
under the pseudonym Klaus, is another architect and university
professor who, since 2005, shares his professional and academic
activity with that of a comic artist. Through an unpublished interview
carried out by the authors, their graphic and cartoon narrative is
presented in which the interactions between comics, fiction and
architecture are analyzed; without forgetting the reference authors
who have used the vignette as a graphic tool to interpret architectural
themes from critique and creative philosophy to pedagogy service.
SOBRE, 2021
En un contexto internacional de efervescencia en las artes vivas, en el año 2015 iniciamos Bastar... more En un contexto internacional de efervescencia en las
artes vivas, en el año 2015 iniciamos BastardScene,
un Seminario Permanente sobre Performance
Expandido, Edición y Lenguaje. Generado desde el
grupo de investigación interuniversitario SOBRE_Lab en
colaboración con el Centro José Guerrero1, se estableció
un observatorio cultural en la ciudad de Granada
desde donde poder analizar diferentes modelos de
producción cultural que se desarrollan en el performance
contemporáneo: una compleja diversidad de prácticas
artísticas en vivo, articuladas como puentes que
conectan, contaminan y llegan a disolver las fronteras
disciplinarias entre los campos de las artes escénicas
y las artes visuales.
SOBRE, 2021
RESUMEN: En este texto se proponen una serie de reflexiones acerca del proyecto «Time has fallen ... more RESUMEN: En este texto se proponen una serie de reflexiones
acerca del proyecto «Time has fallen asleep in the
a!ernoon sunshine» (en desarrollo desde 2010) de la artista
noruega de artes vivas Mette Edvardsen. El proyecto se
articula en torno al aprendizaje de memoria de libros y, en
estos años, se ha desplegado en una biblioteca de más de
ochenta libros vivos en 12 lenguas, en una casa editorial, en
exposición y en varios otros formatos. El análisis se organiza
en torno a dos ejes principales: por un lado, en los estragos,
transformaciones y desplazamientos que un trabajo basado
en el cuerpo produce en las nociones habituales con las que
concebimos la literatura, así como en las prácticas de archivo
y conservación de textos; por otro lado, en la recuperación de
prácticas que se pueden considerar anacrónicas (aprendizaje
de memoria de un texto y reescritura literal, entre otras) y
que ofrecen valores alternativos a la originalidad, la creatividad
y la innovación, a las lógicas de rentabilidad y eficacia y a
las economías temporales contemporáneas.
ABSTRACT: This text proposes a series of reflections on the
project «Time has fallen asleep in the a!ernoon sunshine»
(developing since 2010) by the Norwegian performance artist
Mette Edvardsen. This project is articulated around book
memory learning, and over the years it has been deployed in
a library of more than eighty living books in 12 languages, in a
publishing house, in exhibitions and in various other formats.
The analysis is organised around two main axes: on the one
hand, on the ravages, transformations, and displacements
that a work based on the body produces in the usual notions
with which we conceive literature, as well as in the practices
of archiving and preserving texts; on the other hand, in the
recovery of practices that can be considered anachronistic
(rote learning of a text, and literal rewriting, among others),
which offer alternative values to originality, creativity and
innovation, to the logics of profitability and efficiency and to
contemporary temporal economies.
SOBRE, 2021
RESUMEN: Ant Hampton (1975) es un artista, escritor y creador de performances británico, que actu... more RESUMEN: Ant Hampton (1975) es un artista, escritor y
creador de performances británico, que actualmente vive
y trabaja en Alemania. Su carrera comenzó en 1998 bajo el
nombre de Rotozaza, un proyecto basado en la performance
que acabó abarcando obras de teatro, instalación, intervención
y escritura. Desde 2007, su serie Autoteatro explora un nuevo
tipo de performance en la que el público interpreta la pieza,
normalmente, para los demás. En la mayoría de los casos,
se trata de guiar al publico a través de situaciones escénicas
no ensayadas. Aunque el tono y el contenido son variados,
su obra ha explorado constantemente la tensión entre lo
presencial y lo automatizado.
Hampton colabora regularmente con diversos artistas y
recientemente ha trabajado con Glen Neath, Joji Koyama,
Sam Britton, Tim Etchells, Gert-Jan Stam, Britt Hatzius y
Christophe Meierhans para crear un amplio catálogo de obras
que gira internacionalmente: hasta la fecha existen más de
60 versiones en diferentes idiomas de las producciones de
Autoteatro.
Esta entrevista explora los procesos de producción y modos
de presentación del trabajo de Hampton, al mismo tiempo
que recoge una nueva propuesta en la que busca opciones
de realizar performances en vivo sin necesidad de viajar
en avión. Ante el desarrollo de la catástrofe climática y
basándose en lo que el sector cultural ha aprendido durante la
crisis de covid de 2020, Hampton ha iniciado en Vidy Théâtre
Lausanne el proyecto de investigación Showing without Going.
Su objetivo es construir una herramienta útil para los artistas
y productores de obras en vivo, un catálogo de formatos que
abra opciones para mostrar y compartir performances en
lugares lejanos sin volar y sin comprometer la singularidad
del encuentro en vivo.
ABSTRACT: Ant Hampton (b. 1975, lives and works in Germany)
is a British artist, writer, and performance maker. His career began
in 1998 under the name of Rotozaza, a performance-based project
which ended up spanning theatre, installation, intervention and
writing-based works. Since 2007, his Autoteatro series explores a
new kind of performance whereby audience members perform the
piece themselves, usually for each other. Most often, this projects
have involved guiding people through unrehearsed performance
situations. Though varied in tone and content, his work has
consistently played with a tension between liveness and automation.
Regularly Hampton collaborates with diverse artists, and recently
he has worked with Glen Neath, Joji Koyama, Sam Britton, Tim
Etchells, Gert-Jan Stam, Britt Hatzius and Christophe Meierhans
to create the works which continue to tour internationally: over
60 different language versions exist of the various Autoteatro
productions created so far.
This interview explores Hampton’s production processes and
modes of presentation, and analyses a project that searches for
live performance options without air travel. Faced with an unfolding
climate catastrophe, and building on what the cultural sector have
learnt during 2020’s covid crisis, Hampton has initiated at Vidy
Théâtre Lausanne the research project Showing without going.
Their goal is to build a useful tool for artists and producers of live
work; a catalogue of formats opening options for showing and
sharing performances in far-off places without flying and without
compromising on the uniqueness of the live encounter.
SOBRE, 2022
RESUMEN: Aplicando una metodología cualitativa de análisis de contenido, este trabajo plantea un ... more RESUMEN: Aplicando una metodología cualitativa de análisis de
contenido, este trabajo plantea un estudio transversal en el que
se muestra un breve recorrido cronológico por el contexto histórico
de creación sonora. Se exponen, por un lado, aportaciones realizadas
por mujeres al terreno de la creación de música electrónica,
como puede ser la influencia que han ejercido en el desarrollo
de diferentes sintetizadores para la creación de sonido. Por otro
lado, se atiende a prácticas artísticas contemporáneas en torno a
la creación de sonido y a la forma en la que la tecnología ha contribuido
a la democratización del trabajo realizado por mujeres
en el campo de estudio de la música electrónica. Esto muestra la
manera en la que el proceso creativo se vuelve cada vez más inclusivo
por medio de la tecnología. Un ejemplo son las tendencias
de creación artística computacional de live coding. Este artículo
se suma a una corriente de investigación en auge en el ámbito
hispanohablante que requiere de aportaciones que contribuyan a
su desarrollo atendiendo a sus procesos creativos, sin discriminar
a las personas por su contexto social. Se atiende así a la idea de
construir un futuro más humano y creativo.
ABSTRACT: Applying a qualitative content-analysis methodology,
this article sets out a transversal study providing a brief chronological
journey through the historical context of sound-creation. On the one
hand, it presents contributions made by women to electronic musiccreation,
such as their influence on the development of different
synthesizers for the creation of sound. On the other, it takes a look at
contemporary artistic practices in sound-creation and explores how
technology has contributed to the democratization of women’s work
in electronic-music studies. This shows how the creative process is
becoming increasingly inclusive through technology. One example
is that of the trends in computer-based art-making relating to live
coding. This article joins a growing research impulse in the Spanishspeaking
world calling for contributions to its development that speak
to its creative processes while avoiding discrimination against people
based on their social context. This speaks to the idea of building a
more humane and creative future.
SOBRE, 2022
«Gaming Through Architectural Drawing» es una exposición digital en el metaverso, sobre arquitect... more «Gaming Through Architectural Drawing» es una
exposición digital en el metaverso, sobre arquitectura
y videojuegos, celebrada en el Centro Cultural
Virtual Meetaverse en colaboración con la Fundación
Arquia y la Universidad de Granada, del 25 de
mayo al 15 de junio de 2022 y cuyo comisario es
Manuel Saga Sánchez García.
SOBRE, 2022
RESUMEN: DreamCity es una trilogía documental experimental realizada en tres barrios de tres ciud... more RESUMEN: DreamCity es una trilogía documental experimental
realizada en tres barrios de tres ciudades diferentes: San Antón
en Cuenca, San Francisco en Bilbao y Ruzafa en Valencia. Estos
tres documentales se vertebran a través de la historia de Ayoub,
un niño migrante que nos guía a través de esta investigación en
las tres ciudades que representan tres etapas de su vida.
En los tres documentales numerosas voces y actores van
construyendo un relato coral que se completa con intervenciones
y acciones artísticas, «actos humanos capaces de cambiar
la naturaleza de la ciudad», dado que la ciudad es una relación
compleja entre sus formas físicas y las fuerzas sociales que le
atraviesan. Tener derecho a la ciudad devuelve a la ciudad su
sentido como lugar del derecho, significa la reivindicación del
derecho al derecho.
FROM !THE RIGHT TO THE CITY" TO DREAMCITY
ABSTRACT: DreamCity is an experimental documentary trilogy
made in three neighbourhoods in different Spanish cities: San Antón
in Cuenca, San Francisco in Bilbao, and Russafa in Valencia. The
documentaries are structured around the story of Ayoub, a little
migrant boy who guides us via this investigation across the three
cities that represent three stages of his life.
Here, numerous voices and protagonists work to build a choral story
that is threaded together with artistic interventions and actions—
«human acts capable of changing the nature of the city »—given that
the city is, itself, a complex relationship between its physical forms
and the social forces at play. Having a right to the city gives the city
its meaning as a place mediated by the law. It means asserting one’s
rights as expressed through the law.
SOBRE, 2022
RESUMEN: La conservación de los formatos originales de una disciplina artística como el videoarte... more RESUMEN: La conservación de los formatos originales de una
disciplina artística como el videoarte es motivo de estudio desde
hace pocos años. Distribuidoras de vídeo y museos de arte
contemporáneo son los principales organismos encargados de
recuperar y visibilizar las piezas de videocreación pioneras. La
fragilidad de las cintas magnéticas y la obsolescencia de los formatos
videográficos analógicos utilizados entre los años sesenta
y ochenta del siglo XX dificulta la durabilidad de estos trabajos. El
presente artículo investiga el caso de Carles Pujol, uno de los artistas
españoles con mayor trayectoria en la historia del videoarte
internacional. Observar de qué modo el artista catalán realiza
nuevas versiones de videoinstalaciones antiguas, incorporando
dispositivos tecnológicos actuales en sustitución de artilugios
añejos, es uno de los objetivos del texto. Otro propósito consiste
en testimoniar el proceso de incorporación de una parte representativa
de sus piezas monocanales al catálogo de la distribuidora
de vídeo HAMACA. Ambas cuestiones evidencian la presente
consolidación del formato digital y su indudable protagonismo
para el futuro del videoarte.
RECOVERY AND DISTRIBUTION OF VIDEO ARTWORKS IN THE
SPANISH CONTEXT: THE CASE OF CARLES PUJOL
ABSTRACT: The preservation of the original formats of an artistic
discipline such as video art has been of interest to scholars for a
number of years. Video distributors and contemporary art museums
are the primary organizations tasked with recovering and raising
awareness of the pioneering works of video-creation. The fragility
of magnetic tapes and the obsolescence of analogue video formats
used in the 1960s–1980s render it difficult for these works to last
over time. This article investigates the case of Carles Pujol, one of
the most renowned Spanish artists in the history of international
video art. Among other themes, the article observes how the Catalan
artist creates new versions of old video installations, incorporating
present-day technological devices in place of the outdated. It also
recounts how a representative selection of his single-channel pieces
is incorporated into the catalogue of video distributor HAMACA. Both
topics speak to the current consolidation of the digital format and its
unquestionable place in the future of video art.
SOBRE, 2022
RESUMEN: Los modos contemporáneos en los que nos desenvolvemos, en un entorno eminentemente urban... more RESUMEN: Los modos contemporáneos en los que nos desenvolvemos,
en un entorno eminentemente urbano, me llevan al
planteamiento de si hay otro horizonte que no sea el desgastado
neoliberalismo, el anquilosado estado burocratizado y el vértigo
estimulativo de la hipermercantilización. Los modos revolucionarios,
tanto industriales como artísticos, que se llevaron a cabo
durante la vanguardia rusa y que posibilitaron la transformación
de la configuración política del momento se presentan aquí como
un modelo cuyo potencial emancipador fue reprimido por la
propia URSS y, más tarde, fagocitado por la sociedad del capital.
A este breve apunte sobre estos cuatro modos de ser que considero
relevantes, se llega a través de cuatro breves biografías, su
conformidad con el tiempo en el que vivieron y un breve apunte
sobre las cuestiones que todavía hoy son capaces de suscitar. El
problema de fondo que se plantea es la relación que existe entre
el ciudadano, en sus modos de ser, productivo, urbano, aburrido y
teatral, y su conformación dinámica con el entorno.
FROM BIOMECHANICS TO BIOPOLITICS: ON CONTEMPORARY
WAYS OF BEING"THE PRODUCTIVE, THE URBAN, THE
BORING, AND THE THEATRICAL IN THE CITIZEN’S CO!
FORMATION WITH THE ENVIRONMENT
ABSTRACT: The contemporary ways in which we operate, in an
eminently urban environment, lead me to wonder whether there
might be another horizon—something other than time-worn
neoliberalism, the stagnant bureaucratized state, and the catalyzing
vertigo of hyper-commodification. The revolutionary ways of being,
both industrial and artistic, that took hold in the urban environment
during the Russian avant-garde and that rendered the transformation
of the political environment possible, are presented here as a model
whose emancipatory potential was repressed by the USSR and, later,
engulfed by the society of capital. This brief survey of four ways of
being that I consider particularly relevant is conveyed through four
brief biographies of Russian figures that show their relationship to the
times in which they lived and provide a glimpse of the questions that,
even today, they raise. The core issue here is the relationship between
the citizen, in their ways of being—productive, urban, boring, and
theatrical—and their dynamic co-formation with the environment.
SOBRE, 2022
RESUMEN: En apenas dos décadas de este siglo XXI la suma de colectivos formados por mujeres y dis... more RESUMEN: En apenas dos décadas de este siglo XXI la
suma de colectivos formados por mujeres y disidencias de
género afincados en la música electrónica ha ido aumentando
exponencialmente a nivel global. La intención común
a todos ellos sigue siendo superar la brecha tecnológica,
facilitando el acceso a la formación a las nuevas generaciones,
mientras dan cuenta de la necesidad e importancia
de un activismo feminista queer en la escena de la música
electrónica actual.
En este texto haremos un breve repaso de las causas históricas
que han separado a las mujeres de las tecnologías de
la música y de las acciones presentes para romper con esta
cadena de exclusiones. A su vez, recogeremos el trabajo e
investigación de las propias fundadoras y colaboradoras de
algunos de los colectivos nacionales e internacionales que se
están desarrollando en la actualidad con el empuje común de
la sororidad y las estructuras no jerárquicas de organización
para crear espacios seguros e inclusivos.
SHORT CIRCUITS … WOMEN AND DISSIDENCES
SEEKING TO COLLECTIVIZE AND PRODUCE SAFE
SPACES IN !ELECTRONIC" MUSIC
ABSTRACT: In the 21st Century, just two decades in, the
number of groups comprising women and gender dissidents
devoted to electronic music has increased exponentially on
a global level. They share an ongoing intent: to overcome
the technological gap, facilitate access to training for
new generations, and acknowledge the need for, and
the importance of, queer feminist activism in the current
electronic music scene.
In this article, we briefly review the historical causes that
have separated women from music technologies and the
current actions being taken to break this chain of exclusions.
In turn, we will survey the work and research of the founders
and collaborators of some of the national and international
groups that are currently being developed that share a
common drive toward sisterhood and non-hierarchical
organizational structures to create safe and inclusive spaces.
SOBRE, 2022
Es posible que corresponder sea el verbo más generoso de nuestro vocabulario. Algunas de sus acep... more Es posible que corresponder sea el verbo más generoso
de nuestro vocabulario. Algunas de sus acepciones –recién
intervenidas– pueden ser entendidas como una acción
desprendida y cordial, como la mejor que podemos realizar
hoy de manera efectiva: comunicarse, amarse, tocar/
se o pertenecer/se con, a, hacia, hasta –ponga aquí la
preposición que desee, excepto cabe– otro/a.
En estas Correspondencias, y con motivo del centenario del
Concurso de Cante Jondo de Granada celebrado en 1922,
hemos decidido invitar a cuatro autoras flamencas a coresponder
y dialogar con Manuel de Falla e Ignacio Zuloaga
a partir del epistolario publicado por el Ayuntamiento de
Granada en 1982 con epílogo y edición de Federico Sopeña2.
Esta comunicación interdimensional ha abierto interesantes
y sugerentes líneas de pensamiento que, sin duda, amplían
las posibilidades hermenéuticas de un acontecimiento tan
oportuno y acorde con su momento como inquisitorial –
usando el término de José Luis Ortiz Nuevo– e impreciso
en lo que se refiere a la realidad histórica y musical de lo
flamenco.
SOBRE, 2022
Silencio. Ciudad. Sonido público: contar el oxímoron. La Fonoteca de Sevilla es un centro de arte... more Silencio. Ciudad. Sonido público: contar el oxímoron.
La Fonoteca de Sevilla es un centro de arte dedicado a las prácticas sonoras, la indagación sobre
otras ideas de ciudad a partir del pensamiento sobre el sonido y el silencio, la didáctica de la
escucha y el archivo y preservación del patrimonio sonoro hispalense. Se trata de un archivo en
permanente construcción dedicado a la ciudad de Sevilla y determinado por proyectos concretos de
indagación y acción sobre la auralidad.
La Fonoteca de Sevilla, en funcionamiento desde 2018, se encuentra actualmente en residencia
en la Real Fábrica de Artillería, a través del laboratorio de experimentación BARRIO BOMBA.
San Bernardo Sonic Experience. En estas jornadas, se mostraron el proceso de conversión de la
Fundición Menor en el Museo del Silencio (colección de sonidos, silencios y experiencias aurales
alrededor de la escucha) y Fábrica Aural (procesos de indagación sonora acerca del barrio de
San Bernardo y piezas desarrolladas a través de la experiencia en y con la Fábrica de Artillería de
Sevilla).
A lo largo de tres días el público pudo acceder a una experiencia de oídos abiertos, de músicas
visibles, músicas mentales, en un museo que habla de cómo el silencio hace que se perciba todo lo
demás, el mundo –parafraseando a Cage–. Situado en la Fundición Menor –germen de la Fábrica
de Artillería, una nave renacentista con ruidos y silencios de siglos–, el Museo del Silencio trabajó
con los materiales que le proporcionaba el mismo espacio, con su poética, belleza y sensibilidad,
sin añadir mucho más... El espacio que muta en su propia espacialidad como lugar de estancia,
pensamiento y acción sobre nuestro sitio en las ciudades de nuestro tiempo.
SOBRE, 2022
Del mismo modo que el compositor Johann Sebastian Bach utilizó las letras de su apellido para cre... more Del mismo modo que el compositor Johann Sebastian Bach utilizó las letras de su apellido para
crear un motivo musical (en alemán, la b es si bemol, la a es la, la c es do y la h es si natural), en
muchas otras ocasiones las personas que se dedican a crear música han usado conceptos abstractos
como herramienta para componer. El uso de la lógica, la matemática, la geometría o el azar ha
estado presente desde siempre en el arte, la artesanía y el folclore.
Representadas en forma de algoritmos, hoy en día también la lógica, la matemática y la probabilidad
están presentes en todas las facetas de nuestra vida. Más que nunca, nuestra sociedad globalizada
actual delega en algoritmos la toma de muchas decisiones diarias. La cantidad de información
que generamos nos obliga a depender de sistemas de computación complejos cuyo funcionamiento,
sin embargo, no llegamos a comprender socialmente.
Con estas cinco miniaturas propongo introducirnos en el universo abstracto de los algoritmos,
para materializarlos en forma de música y lanzarlos al mundo con el objetivo de ayudar a tomar
conciencia de esta realidad.
Estas miniaturas no son piezas cerradas, son textos que indican los pasos a seguir para crear tu
propia pieza. Para ello necesitarás una caja de música que permita introducir una partitura creada
por ti en forma de rollo de pianola, en la que cada agujero representa una nota musical.
Toma tu partitura para la caja de música, la llamaremos pentagrama. Cada línea horizontal se llamará
nota, y a cada línea vertical la llamaremos posición. Cuenta cuántas notas y posiciones tienes
en tu pentagrama.
SOBRE, 2022
RESUMEN: Un niño mira por la ventana de un coche en movimiento. Trata de enfocar algún punto en e... more RESUMEN: Un niño mira por la ventana de un coche en
movimiento. Trata de enfocar algún punto en el paisaje
que lo cautive, alguna rareza, un gesto. Nada de lo que
observa lo emociona, y se enfada. El presente ha perdido
interés, es ahora un friso blanco y no hay nada que valga
la pena rescatar. El niño es el hijo de una documentalista
sonora que viaja con su madre al desierto de Sonora, y al
verlo piensa: «Tal vez si encontramos una nueva manera
de documentar el mundo empezaremos a entender esta
nueva forma de experimentar el tiempo y el espacio».
Las cartografías que proponemos son una búsqueda
esforzada en esa dirección en la que la reflexión sobre
qué y cómo documentar se ha vuelto urgente. Hay una
convicción que atraviesa todo el corpus y que se funda
en la confianza de que el sonido guarda con llave sus
secretos. Los entierra como un ser vivo lejos del rastro
cotidiano solo por el impulso de conservar algo valioso.
En cada lugar hay un sonido a la altura de la tierra, que
es el de las orejas, pero otros no. Anidan en lo bajo o en
lo alto, en lo roto o en lo pequeño, en los restos y en las
resonancias. No hay ciudad que no tenga ni oculte lo
prohibido, lo marginal, lo sucio, así como sus escándalos,
vergüenzas e ignominias. No aparecen ni en Google Maps
ni en los anaqueles de los hoteles. Pero están. Y suenan,
y resuenan.
De esto se trata, pues, esta colección.
ABSTRACT: A child looks out the window of a moving car. He tries to
focus on some point in the landscape that captivates him, something
strange, a gesture. Nothing he can see excites him, and he gets angry.
The present has lost its interest; it is now a white frieze and there is
nothing worth rescuing. The boy is the son of a sound documentary
filmmaker who is travelling with his mother to the Sonoran Desert.
Upon surveying it, he thinks to himself: “Maybe if we find a new way
of documenting the world, we’ll begin to understand this new way of
experiencing time and space”.
The cartographies we propose in this work constitute a dogged quest
in that direction: a reflection on what and how to document is now
urgent. There is a conviction that runs through the entire corpus
that is based on the unwavering belief that sound holds its secrets
under lock and key. It buries them like a living thing, far from the
quotidien, just for the sake of preserving something of value. In each
place, there is a sound at the level of the earth, which is that which
reaches the ears; but other sounds lie elsewhere. They nest up on
high or down below, in the broken or the small, in the remains and the
resonances. There is no city that does not have—or does not hide—
the forbidden, the marginal, and the dirty, as well as its scandals, its
shame and ignominies. They do not appear on Google Maps or in
hotel displays. But, there they are. And they make a sound, and they
reverberate.
This is what this collection is about.
SOBRE, 2022
RESUMEN: En este artículo, intento conectar los paseos auditivos, es decir, las intervenciones so... more RESUMEN: En este artículo, intento conectar los paseos
auditivos, es decir, las intervenciones sonoras geolocalizadas
o mediadas tecnológicamente en el espacio público a través
del movimiento, con los conceptos del nomadismo y el rizoma
de Gilles Deleuze y Félix Guattari. Por un lado, el objetivo es
ilustrar cómo los trabajos artísticos interactivos y específicos
del sitio con el uso de tecnología de medios geolocalizados
producen un entorno de auralidad aumentada dentro del espacio
público. Por otro lado, me propongo describir cómo las teorías
del arte nómada y menor pueden encontrar su implementación
en prácticas artísticas que se enfocan en caminar y escuchar
en/a la ciudad como un espacio liso, incluyendo narrativas,
historias, paisajes sonoros e historiografías menores a
través de tecnologías GPS recientes. Por último, me baso en
la combinación de varias teorías sobre el arte, el espacio, la
corporeidad, el caminar y la tecnología, para explorar nuevas
direcciones estéticas en el arte de caminar geolocalizado en el
espacio público.
ABSTRACT: In this paper, I attempt to express the connection
between audio walks—that is, movement-based geo-locative or
technologically-mediated sound interventions in public spaces—
and the Deleuzian and Guattarian concepts of nomadism and the
rhizome. On the one hand, I seek to illustrate how site-specific,
interactive artistic works that draw on geo-locative media technology
produce an environment of augmented aurality within public space.
On the other, I aim to describe how nomad- and Minor-art theories
can find expression in artistic practices that focus on walking and
listening (in) to the city as a smooth space, including narratives,
stories, soundscapes, and minor historiographies, using recent GPS
technologies. Finally, I draw on a combination of several theories
on art, space, embodiment, walking, and technology to explore new
aesthetic directions in public space geo-locative walking art.
SOBRE, 2022
el cine ha utilizado el sonido indiscreto como argumento en muchas películas importantes, recalca... more el cine ha utilizado el sonido indiscreto como argumento en
muchas películas importantes, recalcando la importancia de
la escucha de mensajes sonoros cuya interpretación resultaría
definitiva para el desarrollo de la acción. Se ha profundizado en
las limitaciones y en los principios físicos y psicológicos que
sustentan la escucha, en cuanto habilidad del ser humano para
captar información y filtrar esta como relevante, y en cómo
esta escucha ha influido en diferentes argumentos cinematográficos.
El medio arquitectónico y urbano donde se produce el
sonido indiscreto, junto con la tecnología empleada, muestra
una clara relación con el desarrollo de la acción y condiciona
la aparición de la argumentación cinematográfica. Se han
conformado cuatro tipos de escucha como posibles estructuras
narrativas donde se manifiesta el sonido indiscreto: la escucha
detectivesca, la escucha política, la escucha psicoanalítica y la
escucha privilegiada.
ABSTRACT: Analogous to the trajectory of visual culture,
moments of revelatory audio have long been used as storylines
in many major films, underlining the importance of listening in
to information conveyed via audio when the interpretation of
that information is a fundamental component of the unfolding
action. The scholarship has examined in some depth the
limitations of listening and the physical/psychological principles
behind it, in terms of the human being’s capacity to capture
information and filter-in only what is relevant and how the act
of listening has influenced different cinematographic storylines.
The architectural and urban environment in which the revelatory
audio is framed, together with the technology used, shows a clear
relationship to the unfolding action and shapes the appearance of
cinematographic storytelling. Four types of listening-context are
identified as possible narrative structures where revelatory audio
manifests itself: the detective context, the political context, the
psychoanalytical context, and the privileged-insight context.
SOBRE, 2021
Esto es una intervención cariñosa a la generosidad de Llorenç Barber, que cedió su partitura a L’... more Esto es una intervención cariñosa a la generosidad de Llorenç Barber,
que cedió su partitura a L’Ordóñéh y la Herváh.
SOBRE, 2021
RESUMEN: El cubo blanco es un espacio que inicialmente no está concebido para la danza, sin embar... more RESUMEN: El cubo blanco es un espacio que inicialmente no
está concebido para la danza, sin embargo, desde los años 90 se
produce un giro coreográfico a partir del cual ciertas prácticas
que podemos definir como dance exhibitions cobran protagonismo
en museos por todo el mundo. Este artículo aborda las
problemáticas y posibilidades que este giro plantea, y cómo estas
se hacen efectivas en un caso de estudio concreto: 20 dancers
for the XX century del coreógrafo Boris Charmatz, en su versión
realizada en 2016 dentro del Programa de Actividades Públicas
del Museo Reina Sofía. Además, el análisis de esta actividad
permitirá un acercamiento a los procesos de musealización de
la danza en España, que presentan ciertas particularidades y se
encuentran escasamente documentados.
ABSTRACT: The white cube is a space that is not conceived for
dance, however, since the ‘90s a choreographic turn takes place from
which certain practices that we can define as dance exhibitions gain
prominence in museums all over the world. This paper addresses the
problems and possibilities that this turn sets out, and how these are
made effective in a specific case study: 20 dancers for the XX century
by choreographer Boris Charmatz, in its version made in 2016 within
the Program of Public Activities of the Museo Reina Sofía. In addition,
highlighting this activity will facilitate an approach to the processes of
musealization of dance in Spain, which have certain peculiarities and
are poorly documented.
SOBRE, 2021
RESUMEN: Se discuten las técnicas editoriales de un conjunto heterogéneo de ediciones experimenta... more RESUMEN: Se discuten las técnicas editoriales de un conjunto
heterogéneo de ediciones experimentales de arquitectura del
siglo XX, hoy consideradas trabajos seminales. Siguiendo la
metodología de los estudios culturales, las leeremos en polémica
con las técnicas de diseño que cristalizan con el impulso de la
economía cultural en la sociedad de masas. Veremos cómo en
ellas el uso del montaje imaginativo confronta la fragmentación
y los efectos de enmarcado comúnmente adoptados en la presentación
de la arquitectura como tecnología edilicia. Considerar
estas relaciones nos permitirá identificar las claves que definirían
un posible género crítico a investigar, el ensayo editorial. Si la
fragmentación y el enmarcado pueden ser vinculados a diferentes
mecanismos de externalización de lo crítico, la conectividad y los
desvíos incentivados por el montaje imaginativo —también una
técnica cognitiva y persuasiva— aproximan el ensayo editorial a
las operaciones de rescate de lo olvidado y de lo excluido propias
de la crítica cultural.
ABSTRACT: We discuss the editorial techniques of a heterogeneous
set of 20th century experimental books of architecture, today
considered seminal works. Following the methodology of cultural
studies, we will read them in controversy with the design techniques
that crystallize with the impulse of the cultural economy in mass
society. We will see how in them the use of imaginative montage
confronts the fragmentation and framing effects commonly adopted
in the presentation of architecture as building technology. Considering
these relationships will allow us to identify the keys that would define
a possible critical genre to be investigated, the editorial essay. If
fragmentation and framing can be linked to different mechanisms
of externalization of the critical, the connectivity and deviations
encouraged by imaginative montage —a cognitive and persuasive
technique, as well— bring the editorial essay closer to the rescue
operations of the forgotten and the excluded characteristic of cultural
criticism.
SOBRE, 2021
En el presente texto damos un enfoque diferente a la acción performativa de caminar, a través de ... more En el presente texto damos un enfoque diferente a la acción performativa de caminar, a través de la transdisciplinariedad que presenta la obra de un artista como es el caso de Juan del Junco, en la que se mezcla una metodología propia de las ciencias naturales, concretamente la ornitología, con el propio método como artista: caminar, investigar y crear. El objetivo es demostrar cómo esta metodología puede llegar a convertirse en cartografías emocionales que se transformarán según los formatos que sean necesarios para exposiciones, libros, instalaciones, etc. Tras el análisis de algunas obras del artista, llegamos a la conclusión de que dichas cartografías pueden llevar hasta sus orígenes, las cosmografías, a través de las tradiciones familiares, como puede ser la figura paterna, y recordarnos la aparición del mapa cantado, vivido, anterior a la escritura, en definitiva, los trazos de la canción.
ABSTRACT: In this article we give a different point of view about the
performative action of walking, through the transdisciplinarity which
is present in the work of the artist Juan del Junco. In his work mix
an own methodology in Natural Science, specially in Ornithology,
with other own methodology as artist: walking, researching and
creating. The objective is to show how this methodology can become
emotional cartographies that change according to need in different
formats: exhibition, books, artistic installations, etc. A"er the analysis
of some works by del Junco, we have the conclusion that the
cathographies can lead to the origins, the cosmographies, through
the family traditions as the figure of the father and it remember us the
appearance of the sung, living map. The pre-writing map, definitely,
the songlines.
SOBRE, 2021
El lenguaje del cómic está cada vez más presente en la arquitectura, como podemos apreciar en las... more El lenguaje del cómic está cada vez más presente en la arquitectura, como podemos apreciar en las viñetas ilustrativas o diagramas presentes en proyectos de destacados arquitectos como Bjarke Ingels (BIG), MVRDV o Neutelings & Riedijk, entre otros. Al mismo tiempo, la arquitectura está representada en los cómics por dibujantes como Chris Ware o Richard McGuire. Así, las dos artes cuentan con su propia narrativa y se conciben de forma muy parecida. Koldo Lus Arana, bajo el seudónimo de Klaus, es otro arquitecto y docente universitario que, desde 2005, comparte su actividad profesional y académica con la de dibujante de cómic. A través de una entrevista inédita realizada por las autoras, se presenta su narrativa gráfica y caricaturesca, en la que se analizan las interacciones entre cómic, ficción y arquitectura; sin olvidar a los autores de referencia que han utilizado la viñeta como un medio gráfico para interpretar temas arquitectónicos desde la crítica y desde la filosofía creativa.
ABSTRACT: The language of the comic is increasingly present in
architecture as we can see in the illustrative strips or diagrams
present in projects by leading architects such as Bjarke Ingels (BIG),
MVRDV or Neutelings & Riedijk, among others. And at the same time,
architecture is represented in the comics by sketchers such as Chris
Ware or Richard McGuire. Thus, the two arts have their own narrative
and are conceived in a remarkably similar way. Koldo Lus Arana,
under the pseudonym Klaus, is another architect and university
professor who, since 2005, shares his professional and academic
activity with that of a comic artist. Through an unpublished interview
carried out by the authors, their graphic and cartoon narrative is
presented in which the interactions between comics, fiction and
architecture are analyzed; without forgetting the reference authors
who have used the vignette as a graphic tool to interpret architectural
themes from critique and creative philosophy to pedagogy service.
SOBRE, 2021
En un contexto internacional de efervescencia en las artes vivas, en el año 2015 iniciamos Bastar... more En un contexto internacional de efervescencia en las
artes vivas, en el año 2015 iniciamos BastardScene,
un Seminario Permanente sobre Performance
Expandido, Edición y Lenguaje. Generado desde el
grupo de investigación interuniversitario SOBRE_Lab en
colaboración con el Centro José Guerrero1, se estableció
un observatorio cultural en la ciudad de Granada
desde donde poder analizar diferentes modelos de
producción cultural que se desarrollan en el performance
contemporáneo: una compleja diversidad de prácticas
artísticas en vivo, articuladas como puentes que
conectan, contaminan y llegan a disolver las fronteras
disciplinarias entre los campos de las artes escénicas
y las artes visuales.
SOBRE, 2021
RESUMEN: En este texto se proponen una serie de reflexiones acerca del proyecto «Time has fallen ... more RESUMEN: En este texto se proponen una serie de reflexiones
acerca del proyecto «Time has fallen asleep in the
a!ernoon sunshine» (en desarrollo desde 2010) de la artista
noruega de artes vivas Mette Edvardsen. El proyecto se
articula en torno al aprendizaje de memoria de libros y, en
estos años, se ha desplegado en una biblioteca de más de
ochenta libros vivos en 12 lenguas, en una casa editorial, en
exposición y en varios otros formatos. El análisis se organiza
en torno a dos ejes principales: por un lado, en los estragos,
transformaciones y desplazamientos que un trabajo basado
en el cuerpo produce en las nociones habituales con las que
concebimos la literatura, así como en las prácticas de archivo
y conservación de textos; por otro lado, en la recuperación de
prácticas que se pueden considerar anacrónicas (aprendizaje
de memoria de un texto y reescritura literal, entre otras) y
que ofrecen valores alternativos a la originalidad, la creatividad
y la innovación, a las lógicas de rentabilidad y eficacia y a
las economías temporales contemporáneas.
ABSTRACT: This text proposes a series of reflections on the
project «Time has fallen asleep in the a!ernoon sunshine»
(developing since 2010) by the Norwegian performance artist
Mette Edvardsen. This project is articulated around book
memory learning, and over the years it has been deployed in
a library of more than eighty living books in 12 languages, in a
publishing house, in exhibitions and in various other formats.
The analysis is organised around two main axes: on the one
hand, on the ravages, transformations, and displacements
that a work based on the body produces in the usual notions
with which we conceive literature, as well as in the practices
of archiving and preserving texts; on the other hand, in the
recovery of practices that can be considered anachronistic
(rote learning of a text, and literal rewriting, among others),
which offer alternative values to originality, creativity and
innovation, to the logics of profitability and efficiency and to
contemporary temporal economies.
SOBRE, 2021
RESUMEN: Ant Hampton (1975) es un artista, escritor y creador de performances británico, que actu... more RESUMEN: Ant Hampton (1975) es un artista, escritor y
creador de performances británico, que actualmente vive
y trabaja en Alemania. Su carrera comenzó en 1998 bajo el
nombre de Rotozaza, un proyecto basado en la performance
que acabó abarcando obras de teatro, instalación, intervención
y escritura. Desde 2007, su serie Autoteatro explora un nuevo
tipo de performance en la que el público interpreta la pieza,
normalmente, para los demás. En la mayoría de los casos,
se trata de guiar al publico a través de situaciones escénicas
no ensayadas. Aunque el tono y el contenido son variados,
su obra ha explorado constantemente la tensión entre lo
presencial y lo automatizado.
Hampton colabora regularmente con diversos artistas y
recientemente ha trabajado con Glen Neath, Joji Koyama,
Sam Britton, Tim Etchells, Gert-Jan Stam, Britt Hatzius y
Christophe Meierhans para crear un amplio catálogo de obras
que gira internacionalmente: hasta la fecha existen más de
60 versiones en diferentes idiomas de las producciones de
Autoteatro.
Esta entrevista explora los procesos de producción y modos
de presentación del trabajo de Hampton, al mismo tiempo
que recoge una nueva propuesta en la que busca opciones
de realizar performances en vivo sin necesidad de viajar
en avión. Ante el desarrollo de la catástrofe climática y
basándose en lo que el sector cultural ha aprendido durante la
crisis de covid de 2020, Hampton ha iniciado en Vidy Théâtre
Lausanne el proyecto de investigación Showing without Going.
Su objetivo es construir una herramienta útil para los artistas
y productores de obras en vivo, un catálogo de formatos que
abra opciones para mostrar y compartir performances en
lugares lejanos sin volar y sin comprometer la singularidad
del encuentro en vivo.
ABSTRACT: Ant Hampton (b. 1975, lives and works in Germany)
is a British artist, writer, and performance maker. His career began
in 1998 under the name of Rotozaza, a performance-based project
which ended up spanning theatre, installation, intervention and
writing-based works. Since 2007, his Autoteatro series explores a
new kind of performance whereby audience members perform the
piece themselves, usually for each other. Most often, this projects
have involved guiding people through unrehearsed performance
situations. Though varied in tone and content, his work has
consistently played with a tension between liveness and automation.
Regularly Hampton collaborates with diverse artists, and recently
he has worked with Glen Neath, Joji Koyama, Sam Britton, Tim
Etchells, Gert-Jan Stam, Britt Hatzius and Christophe Meierhans
to create the works which continue to tour internationally: over
60 different language versions exist of the various Autoteatro
productions created so far.
This interview explores Hampton’s production processes and
modes of presentation, and analyses a project that searches for
live performance options without air travel. Faced with an unfolding
climate catastrophe, and building on what the cultural sector have
learnt during 2020’s covid crisis, Hampton has initiated at Vidy
Théâtre Lausanne the research project Showing without going.
Their goal is to build a useful tool for artists and producers of live
work; a catalogue of formats opening options for showing and
sharing performances in far-off places without flying and without
compromising on the uniqueness of the live encounter.