El sesgo grotesco en el arte moderno británico (original) (raw)
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El grotesco, categoría estética
Cartografía literaria, 2018
Resumen: Aunque el concepto de grotesco ha recibido una considerable atención de la crítica queda muy lejos de estar agotado el debate en torno a esta categoría estética. Ese debate debe contemplar el problema general de las categorías estéticas, la consideración de formas de lenguaje previas al lenguaje verbal articulado, el alcance de la presencia del grotesco en la gran evolución de la humanidad, sus estratos temporales, sus símbolos y el debate sobre el estatus del grotesco moderno. Estos temas son tratados desde el punto de vista del carácter constituyente del binomio risa-crueldad en la travesía de la humanidad. Un estudio en homenaje al profesor José Romera Castillo. Palabras clave: Grotesco. Estética. Categoría. Símbolo.
2009
Groteskoak umorea eta izua (bere esanahi anitzetan) konbinatzen dituen kategoria estetikoa da. Hasieran inauteri kutsua zuen, eta barrea jai-giroak eragiten zuen argi eta garbi. Gerora, groteskoa aldatuz joan da, eta bere dimentsio umoretsua galdu ez badu ere, balio maltzur, makabro eta baita beldurgarria ere garatu du. Edgar Allan Poeren hainbat ipuin groteskoaren ikuspuntu moderno horren isla dira. Helburu eta forma
2009
Lo grotesco es una categoría estética que combina el humor y lo terrible (en sus muy diversas acepciones). Desde su primera manifestación carnavalesca, en la que la risa tiene un claro matiz festivo, lo grotesco ha ido evolucionando hacia posiciones donde, sin perder su dimensión humorística, se ha potenciado el componente siniestro, macabro, incluso terrorífico. Algunos cuentos de Edgar Allan
Boris groys la topologia del arte contemporaneo
En la actualidad, el término " arte contemporáneo " no designa sólo al arte que es producido en nuestro tiempo. El arte contemporáneo de nuestros días más bien demuestra cómo lo contemporáneo se expone a sí mismo (el acto de presentar el presente). En ese sentido, el arte contemporáneo es diferente del arte Moderno, que se dirigió hacia el futuro, y diferente también del Postmoderno, que es una reflexión histórica sobre el proyecto Moderno. El " arte contemporáneo " contemporáneo privilegia el presente con respecto al futuro o el pasado. Por lo tanto, para caracterizar adecuadamente a la naturaleza del arte contemporáneo, parece pertinente situarlo en su relación con el proyecto Moderno y su re-evaluación Postmodernista. La idea central del arte Moderno fue la de creatividad. El genuino artista Moderno estaba supuesto a efectuar una ruptura radical con el pasado, a borrar, destruir el pasado, alcanzar ese punto cero de la tradición artística y, al hacerlo, darle un nuevo comienzo a un nuevo futuro. La obra de arte mimética y tradicional fue sometida al trabajo iconoclasta y destructivo del análisis y la reducción. Abolir las tradiciones, romper con las convenciones, destruir el viejo arte y erradicar los valores obsoletos fueron los slogans del momento. La práctica de la vanguardia histórica estuvo basada en la ecuación " negación es creación " , que ya había sido enunciada por Bakunin, Stirner y Nietzsche. Las imágenes iconoclastas de la destrucción y la reducción estuvieron destinadas a servir como iconos del futuro. El artista estaba supuesto a encarnar el " activo nihilismo " de la nada (nothingness) que lo originaba todo. Pero ¿cómo un artista individual podría probar que era, en realidad, genuinamente creativo? Obviamente un artista podría mostrarlo sólo al demostrar cuán lejos había llegado en la destrucción y reducción de la imagen tradicional, cuán iconoclasta y radical era su trabajo. Sin embargo, para reconocer alguna imagen como verdaderamente
Lo monstruoso en el arte contemporáneo latinoamericano
Arte e Investigación, 2021
En este texto se propone el análisis de obras de artistas latinoamericanos contemporáneos en las que pueden reconocerse supervivencias formales caracterizadas como monstruosas en el encuentro con las producciones de los pueblos que habitaban Latinoamérica al momento de la conquista.
Bello y la Ilustración inglesa
Estudios Publicos, 1982
ndrés Bello fue el editor de las dos publicaciones probablemente más importantes que aparecieron justo después de la independencia de Hispanoamérica: La Biblioteca Americana (1823) y El Repertorio Americano (1826-1827). Estas publicaciones, editadas en Londres, donde Bello vivió entre 1810 y 1829, contienen muchas obras de autores hispanoamericanos y liberales españoles exiliados en Londres después de 1822. También incluyen numerosos artículos y poemas escritos por el mismo Bello, los que han sido considerados como el punto de partida de la independencia cultural de Hispanoamérica. El americanismo de Bello no buscaba un claro rompimiento de Hispanoamérica con su pasado colonial, sino que más bien salvar aquellos elementos de civilización europea que podrían ayudar a las nuevas naciones en el descubrimiento de una nueva identidad. Específicamente, Bello veía en la Ilustración, y sobre todo en la Ilustración inglesa, las herramientas claves que podrían contribuir a una definición de Hispanoamérica. Podemos obtener una buena aproximación de la imagen que Bello tenía del mundo, primero, haciendo un análisis de los principales hechos de su vida antes de llegar a Chile en 1829 y luego, anotando las ideas de la Ilustración inglesa que influyeron en su pensamiento: el empirismo, la tolerancia y la pluralidad.
A Very Old English Tradition. Alabastro y talla directa en la escultura británica (1910-1939)
Ars & Renovatio, 2019
"«A very old English tradition». Alabaster and direct carving in British sculpture (1910-1939)". Entre las décadas de 1910 y 1930 el alabastro adquirió un importante protagonismo entre los escul-tores británicos, especialmente entre aquellos que practicaron y defendieron la talla directa como una estrategia de modernidad, como Henri Gaudier-Brezska, Henry Moore, Barbara Hepworth o Jacob Epstein. Analizamos los motivos que posibilitaron esa revitalización en el uso del material y el modo en que el redescubrimiento de los alabastros medievales ingleses pudo favorecerla. Abstract Between the decades of 1910 and 1930 alabaster acquired an important role among British sculptors , especially among those who practiced and defended direct carving as a strategy of modernity, such as Henri Gaudier-Brezska, Henry Moore, Barbara Hepworth or Jacob Epstein. We analyze the reasons that made possible that revitalization in the use of this material and the way in which the re-discovery of the medieval English alabasters could favor it.
Arte y no moral: herencia ética del esteticismo inglés
2017
espanolEste trabajo es una lectura filosofica del esteticismo en la literatura, desde su origen identificable en Inglaterra y su influencia en una serie de autores ingleses y franceses. Esta lectura permite entender dicho movimiento como una tendencia cultural extendida con implicaciones profundas para la practica artistica. Se detecta la union entre la etica, la estetica y la politica bajo una serie de estrategias que la mayoria de las veces vindican de forma mas o menos abierta la vida de los homosexuales de la epoca; esto sucede gracias a la articulacion de una identidad vinculada al cultivo de la sensibilidad y la recuperacion de la cultura griega clasica. Finalmente, se investiga brevemente la relacion del esteticismo con Foucault, cuyo pensamiento tardio resulta ampliamente afin al esteticismo. EnglishThis paper is a philosophical reading of the aestheticism movement in literature. From its early origins in England and its influence by relevant English and French authors. This...