Dancing Still-Life (tribute to Dora Brkarić's artwork STRIPTEASE) [denied conference proposal on conservation of contemporary art at MNCARS] (original) (raw)
Related papers
2024
Due to lack of respect for intellectual property that are being found in the academic and institutional sphere in the last years, I hang the complete documentation of the proyect that I created and sent to Reina Sofía Museum in order to participate in the open contest for achieving an artistic research stay 2024-25 in the museum. The first documentation in Spanish has the following parts: - CV - Abstract and description of the research proyect, which was a continuation of my PhD already published research ("El silencio de Salomé. Ensayos coreográficos sobre lo dionisíaco en la modernidad" and "Coreoteca. Un archivo de filosofía de la danza"), and would have been dedicated to probe or to refute the hypothesis of European modernity as main feature of Spanish dance by relating it to other modern dance phenomena of the fin-de-siècle such as German Modern Dance or Ausdruckstanz. This proyect has not obtained any of the three available grants on the topic of modernity that the museum was offering and got the grade of 5,42 points. The second documentation in English in the complete denied proposal, called "Chorological modernity in German speaking context and Spanish dance. A reading of trans-Iberian Avant-Garde dance scene from the perspective of Ausdruckstanz", a continuation of the first proyect, that I created and sent for a two-months research stay at the Nietzsche Stiftung Weimar.
Años veinte [review of exhibitions on art deco and dance, Hungarian National Gallery]
2022
This review was sent to the journal M-Arte y Cultura Visual. Review of the exhibitions “Art Deco Budapest. Posters, Lifestyle and the City (1925/1928)” (12 April-28 August 2022) and “Dancing 1925. Hungarian Artists in Parisian Nightlife” (29 April-28 August 2022), Hungarian National Gallery. Mateos de Manuel, Victoria (17 de julio de 2022). Años veinte [review of the exhibitions “Art Deco Budapest. Posters, Lifestyle and the City (1925/1928)” (12 April-28 August 2022) y “Dancing 1925. Hungarian Artists in Parisian Nightlife” (29 April-28 August 2022), Hungarian National Gallery], https://independentresearcher.academia.edu/VictoriaMateosdeManuel
2014
Hiltrud Schinzel (Viena, 1946), importante teórica y restauradora, afincada en Düsseldorf, ha reflexionado de manera crítica en numerosos ensayos sobre la metodología llevada a cabo en la restauración del arte contemporáneo, mostrándose proclive a una actitud que parta de la fenomenología y no tanto del positivismo científico imperante. Para ello, propone un giro en la teoría de la restauración, volviendo al concepto de “voluntad artística” planteado ya por Alois Riegl (1858-1905), otorgándole preeminencia a la intención artística sobre las instancias estética e histórica expuestas por Cesare Brandi en su Teoría del restauro (1963). Asimismo, plantea la inmaterialidad de la obra de arte contemporánea, así como la superioridad de las ideas y la intención artística por encima de la conservación material del arte, introduciendo conceptos psicológicos a tener en cuenta en la restauración como la emoción o la empatía, todo ello vinculado a la evolución que el arte contemporáneo ha realizado hacia un proceso experiencial y sensorial.
Akal/Arte Contemporáneo, Madrid, 2000
Como fenómeno cultural renovado, las exposiciones de la llamada posmodernidad con todos los tentáculos e intereses, restan todavía por valorar y sobretodo resta medir la incidencia que han tenido en la transformación de la plástica finisecular que nos rodea. Pero lo que puede decirse es que lo que en el seno de las vanguardias históricas, desde el Fauvismo al Surrealismo fueron los manifiestos o lo que en el contexto de las neovanguardias generadas a raíz de la Segunda Guerra Mundial, eran las proclamas de críticos e historiadores, en la posmodernidad son las exposiciones. Desde la iniciativa pública, aunque también desde la privada, éstas se han convertido en los instrumentos preferidos de la política institucional para radiografiar el presente, realizar una prospección de futuro, conformar las sensibilidades, encauzar los gustos, encumbrar artistas o relegarlos al silencio, configurar nuevos modelos museográficos e incluso modificar el comportamiento de los artistas y del público ante el hecho artístico y social. Más que ningún otro agente cultural en el proceso de creación/difusión del arte, la exposición se ha impuesto como una realidad polivalente y rica en significados. Se podría comparar con un ecosistema, un sistema de naturaleza interactiva que no únicamente vehicula creadores, obras y los discursos narrativos de los comisarios en el marco de unos espacios físicos (la galería, el museo, el entorno público) sino que pone en contacto a los críticos y al público y ayuda a resituar la presencia del espectador. Tal como afirma J-M.Poinsot , las exposiciones no sólo sirven para poner en pie el proyecto estético de los artistas, sino para activar otros proyectos u discursos encaminados tanto a escribir la historia, organizar la temporalidad del arte contemporáneo o hacer del arte una utopía para la sociedad. La exposición funcionaría en este sentido como reflejo de la “conciencia de una época”, incluyendo los distintos elementos en activo y pasivo que explican no sólo el fenómeno de la creación sino el de la recepción social y el de la institucionalización del arte.
Sol Serrano, "Doris Sommer en 'The Work of Art in the World. Civic Agency and Public Humanities'"
Doris Sommer es una mujer audaz. Ha dado demasiado testimonio de ello. Es, por lo mismo, una mujer empática, cariñosa, cercana. Yo he profitado de estas grandes cualidades suyas. Y por su cariño, tomo la mala opción de que fuera una tiesa historiadora quien comentara su libro que es puro movimiento. Lo siento por ella, lo siento por Uds., pero no lo siento por mí pues he disfrutado intensamente su lectura como si esta adquiriera una renovada importancia. Tome muchísimas notas con las que creía que diría algo inspirador de tanta inspiración que me embargaba y que, por supuesto, terminaron mustias en el tarro de la basura.
Conservación de Arte Contemporáneo
El museo Hermann Nitsch de Nápoles. La paradoja entre el accionismo vienés y la conservación de las obras, 2015
Las obras del artista Hermann Nitsch, padre del accionismo vienés, plantean al conservador, cuando menos, una situación paradójica. El artista centra la importancia de su creación en el momento de la acción, en la realización de la misma y en la experimentación real y, a la vez, los restos de sus performances son recogidos y convertidos en objetos de museo, colocando al conservador-restaurador ante la necesidad de su preservación. Una situación difícil en tanto que el artista expresa su deseo de que no se intervengan las obras, aunque los restos o relictos de las mismas constituyan los fondos del Museo Archivio Laboratorio per le Arti Contemporanee Hermann Nitsch de la ciudad de Nápoles. El presente trabajo estudia esta situación y establece las posibilidades de actuación para el conservador.
Heterotopías, 2022
Este artículo explora los proyectos artísticos Domínguez Dentrecasa (2003) de Lila Siegrist y Museo del Fondo del Paraná (2012) de Santiago Villanueva, presentados en el LVII y LXVI Salón Nacional de Rosario, respectivamente. Ambos recuperan de manera productiva algunas obras de arte local de mediados del siglo XX que habían permanecido excluidas de los mecanismos institucionales del museo y, por lo mismo, de las historias del arte. Estos retornos albergan por sí solos reservas para la revisión de las cartografías instituidas del arte moderno. Además, multiplican esta apuesta apelando a diferentes figuras del río Paraná mediante las operaciones de archivo que los sustentan. Al encontrarse en lo fluvial, el archivo y la región, nociones enlazadas a lo largo del trabajo, contrarrestan la fijeza de sus definiciones tradicionales a través de interrogantes deslindados en prácticas artísticas específicas. En un continuo movimiento de adiciones, la región se percibe, a veces, como resabio desarrollista de la identidad sustancial para ser interpelada inmediatamente por la pluralidad de sentidos que las imágenes dejan en suspenso, anfibológicamente. El archivo, por su parte, muestra las relaciones de poder constitutivas de sus diferentes contingencias: la localización, el resguardo, la preservación, la exhumación, el soporte. El río, en tanto archivo y región o archivo de las regiones, es cuestionado en su condición de paisaje o asunto de la pintura y expuesto ante otras concepciones propicias a la fuga de esas demarcaciones genéricas: las experimentaciones en el territorio, su conexión con la construcción autobiográfica, las múltiples aristas de sus emplazamientos discursivos. Sobre estos complejos cruces parecen sostenerse Domínguez Dentrecasa y Museo del Fondo del Paraná; en los dos proyectos persiste la reevaluación de expresiones simbólicas del siglo XX que vuelven a lo fluvial como preguntas abiertas al porvenir.
Dance, Art and Yoga in Heather Hansen's work
Indialogs, 2018
El presente artículo analiza Kinetic Drawing, obra desarrollada por Heather Hansen a partir de 2013, en la que se funden danza, yoga y pintura a través de performances. Es el resultado de la búsqueda de cómo descargar los movimientos directamente sobre el papel de una forma orgánica, empleando el cuerpo como único instrumento, el yoga y la danza como vías creativas y la meditación como proceso de interiorización y des-intelectualización para iniciar el desarrollo artístico. Como resultado de esta empresa, aunando danza, pintura y yoga, contemplamos el encuentro de Heather Hansen consigo misma a partir del movimiento de su cuerpo como elemento de expresión artística.