Arianna Fantuzzi | The University of RomaTre (original) (raw)
Papers by Arianna Fantuzzi
Arts & Communication, 2024
This article examines Gillian Wearing’s Family Album photographic series (2003 – 2006), relating ... more This article examines Gillian Wearing’s Family Album photographic series (2003 – 2006), relating her self-portraits to the postmodern identity theories of Fredric Jameson (1984) and Kenneth Gergen (1991) for the 1st time, as well as linking them to Hans Belting’s interpretation of the symbolism of the mask (2013). In the photographs, Wearing assumes the features of her family members through hyper-realistic masks and wigs, recreating and “wearing” the faces from the family albums. Through this process, the artist temporarily assumes the identity of another person while creating a new subject that combines and adds further characteristics to the personalities from which it is composed. The photographs from the series are compared with other works by the artist, particularly her self-portraits painted during the 2020 lockdown and those created in 2023, in which she portrays herself without a mask, marking a significant shift in her artistic practice.
Flash Art no. 357, vol. 55, Estate 2022, 2022
piano b. Arti e culture visive , 2020
Alla fine del Novecento, i fenomeni di convergenza tra pratica artistica e verbale esplorati dagl... more Alla fine del Novecento, i fenomeni di convergenza tra pratica artistica e verbale esplorati dagli artisti nel corso del secolo trovano nuove configurazioni, legate a stretto giro con un rinnovato interesse per la narrazione di storie e con la ricerca di inedite modalità di relazione.
Attraverso l’utilizzo di video, installazioni e performance, Liliana Moro, Maurizio Cattelan, Eva Marisaldi, Cesare Viel e altri ancora dialogano con opere letterarie o tracciano parole nello spazio espositivo, racchiudendo il messaggio dei lavori nel punto di intersezione tra scrittura e immagine. Affidandosi ai nuovi media e alle loro proprietà transmediali, essi mettono a punto opere da leggere, come i racconti sui muri della metropolitana di Viel (Passaggi qui dal sottoterra, 1998), o citano frammenti, traggono ispirazione e rielaborano testi letterari già esistenti, come nel caso dell’installazione Nessuno (1993) di Moro.
Adottando una prospettiva interdisciplinare che unisce Cultura Visuale (W. J. T. Mitchell, M. Cometa) e Visual Narrative Studies (J. Elkins, E. Heartney), questo articolo analizza il carattere specifico di commistione tra parola e immagine nella produzione artistica degli anni Novanta, mettendo al centro i processi di citazione, rielaborazione, frammentazione e rilettura impiegati dagli artisti, alla luce delle possibilità di contaminazione tra generi offerte dall’utilizzo dei nuovi media e delle strategie narrative impiegate nei lavori.
Le forme del simbolo. Discorsi e pratiche del contemporaneo, 2021
Nella sua veste di autoproiezione, sdoppiamento, travestimento e negoziazione di soggettività, l’... more Nella sua veste di autoproiezione, sdoppiamento, travestimento e negoziazione di soggettività, l’autoritratto contemporaneo si manifesta come il simbolo di un Io molteplice, evanescente e camaleontico, votato all’interpretazione di ruoli e personaggi plurimi.
Da Spermini e Super-Noi di Maurizio Cattelan alle serie fotografiche di Cindy Sherman, dalle rappresentazioni moltiplicate di Vanessa Beecroft passando per gli autoritratti impossibili di Gillian Wearing, le interpretazioni artistiche del sé realizzate negli anni novanta offrono traccia di una profonda trasformazione nella concezione del soggetto e nelle sue modalità di rappresentazione.
Facendo perno sulla lettura critica delle immagini, il saggio affronta il tema dell’autoritratto inteso come proiezione dell’immagine soggettiva, come simbolo di individuazione, di scissione e di negazione dell’Io, adottando una prospettiva storico-culturale e antropologica (Hall 2014; Belting 2013; 2014) letta alla luce delle teorie sulla rappresentazione dell’identità postmoderna (Jameson 1984; Gergen 1991).
Art Style | Art & Culture International Magazine, Special Issue on the Postmodern Age, 2020
In 1984, the literary critic and philosopher Frederic Jameson theorized the replacement of the in... more In 1984, the literary critic and philosopher Frederic Jameson theorized the replacement of the individual subject of the modern era with the fragmented, decentered and multiple ego produced by the postmodern culture, absorbed in a continuous present that erases history and distinguished by a sort of emotional flatness.
As postmodern theorists debated contemporary identity, several visual artists produced self-portraits that multiplied, fractured or disguised their image, reflecting on the condition of the ego in contemporary society.
Subject to the cultural, aesthetic, social and anthropological transformations, the self-portrait has indeed changed form and symbology over the centuries, infusing the image of the artist with multiple meanings, focusing firstly on a question: how do I want you to see me? In the postmodern context, the answer to this question acquires many forms, as does the representation of the artist’s identity.
In order to understand the peculiarity of the self-portraits of this period, the essay will focus on several works, including Spermini (1997) by Maurizio Cattelan, The Book of Food (1985-1993) by Vanessa Beecroft, Untitled #193 (1988) by Cindy Sherman and the Cremaster Cycle (1994–2002) by Matthew Barney. Concerning this, the focus will be on the artistic production of the 1990’s because, as far as I can see, it seems to display a relevant maturation of the features that Jameson assigns to the postmodern ego. In the guise of self-projection, duplication and disguise, these and other self-portraits appear as the symbol of a multiple, evanescent and chameleonic ego, aimed at impersonating multiple roles and characters, assuming different self-concepts or a changing identity.
In order to analyse these artworks, I will use an interdisciplinary approach combining an art historical and anthropological perspective (Belting, Hall) with postmodern self theories (Jameson, Gergen).
Venezia Arti, 2019
Disguised, adorned, placed in space and obsessively controlled, the body exhibited in Vanessa Bee... more Disguised, adorned, placed in space and obsessively controlled, the body exhibited in Vanessa Beecroft’s performances, drawings and photographs, highlights several key themes of contemporary debate, such
as identity transformation, desire, gaze and obsession for perfection, shown from the artist’s perspective and
impressed on her models’ bodies. The present essay aims to deepen these topics through the works of Vanessa
Beecroft, with an emphasis on those realised in the early nineties – among which the drawings of deformed bodies
and the compulsive annotations of the Libro del Cibo – and relating them to the contemporary research of Italian
female artists, which reveal new declinations of art making, starting from the same subject: the female body and
its symbolism.
Words and Stars: percorsi di narrazione intermediale nell’opera di Grazia Toderi e Orhan Pamuk, 2019
In questo testo viene indagata la relazione tra parole e immagini a partire dal lavoro collettivo... more In questo testo viene indagata la relazione tra parole e immagini a partire dal lavoro collettivo di Orhan Pamuk e Grazia Toderi e dal suo esito più compiuto: la mostra "Words and Stars", presentata al Mart di Rovereto nel 2017. Il rapporto di collaborazione tra lo scrittore e l’artista nasce nel 2013, quando Pamuk invita Grazia Toderi a realizzare un’opera per il "Museo dell’Innocenza" a Istanbul. Da quel momento inizia un’intensissima corrispondenza che li porta a realizzare nel corso del 2016 due lavori dislocati, progettati ed esposti nelle sedi del Planetario e di Palazzo Madama di Torino. In queste mostre, così come al Mart di Rovereto, Pamuk e Toderi continuano la riflessione sul romanzo "Il Museo dell’Innocenza", dialogando con lo spazio in cui si trovano ad esporre. L’ istallazione "Words and Stars", in particolare, costituisce un modello esemplare per riflettere
sull’intermedialità nell’opera d’arte in quanto unisce due
linguaggi (parole e immagini), senza sintetizzarne le caratteristiche. Il risultato è una narrazione a doppio binario che consente al fruitore molteplici letture.
Testi brevi di accompagnamento. Linguistica, semiotica, traduzione, 2019
Nei lavori di Dorfman e Diamond la sospensione di giudizio genera ritratti idealizzati che sfidan... more Nei lavori di Dorfman e Diamond la sospensione di giudizio genera ritratti idealizzati che sfidano gli stereotipi e le convenzioni sociali, sollevando la questione di cosa significhi amare e di cosa sia degno di amore. Il potere di queste immagini risiede nella stridente difformità tra l’idea della mostra – ossia l’esplorazione di nuove tipologie di amore – e il disgusto che questo tipo di pratiche emotive e fisiche possono produrre, generando una sessualità disincarnata e disumanizzata e una maternità leggera, priva di vincoli e responsabilità.
Tre altoparlanti trasmettono a volume appena percepibile una fitta conversazione. A dialogare per... more Tre altoparlanti trasmettono a volume appena percepibile una fitta conversazione. A dialogare però non sono esseri umani ma entità virtuali, con termine tecnico chatbots, programmate per simulare il fluire casuale del parlato. I bracci robotici in movimento e i fili che li collegano accompagnano un dialogo da cui il visitatore risulta inesorabilmente escluso, incapace di intervenire o di coglierne i significati. L'installazione, dal titolo Do You Like Cyber?, apre la mostra Low Form in corso al Maxxi di Roma (a cura di Bartolomeo Pietromarchi, fino al 24 febbraio), incentrata sul rapporto tra ricerca artistica e intelligenza artificiale e nel titolo propone una delle domande attorno a cui ruotano le riflessioni dei sedici artisti invitati.
Books by Arianna Fantuzzi
Senzamargine. Passaggi nell'arte italiana a cavallo del millennio, 2021
Dieci maestri dell'arte contemporanea sono i protagonisti della mostra senzamargine. Passaggi nel... more Dieci maestri dell'arte contemporanea sono i protagonisti della mostra senzamargine. Passaggi nell'arte italiana a cavallo del millennio, un'originale panoramica della geografia artistica tra XX e XXI secolo, posta sotto il segno della pluralità e della differenza. Attraverso i saggi di critici e studiosi internazionali questo volume offre un'approfondita introduzione all'opera dei dieci artisti, proponendo nuove letture e spunti di riflessione utili a una riscrittura del canone dell'arte degli ultimi decenni. Sullo sfondo la necessità di una nuova narrazione dell'esperienza italiana, anche al di là della sua continuità territoriale, capace di mettere in luce al suo interno la coesistenza di tradizioni, linee e vettori individuali non riducibili a una comune matrice o "identità". Un tratto pluralistico che costituisce non solo uno degli elementi più rilevanti della produzione artistica italiana ma anche il contributo vitale che essa può fornire allo scenario deterritorializzato della cultura contemporanea, considerata nella sua iperbolica simultaneità globale.
![Research paper thumbnail of On the Postmodern Age, edited by Martina Sauer [special Issue Art Style 6, 2020]](https://attachments.academia-assets.com/64444565/thumbnails/1.jpg)
](We live in the age of postmodernism. What does that mean? With this call for essays, we asked for... more We live in the age of postmodernism. What does that mean? With this call for essays, we asked for proposals for a better understanding. At the same time, we were looking for posts that show how the arts have processed and are still processing the change from the modern to the postmodern selfconception of man, which has been described by philosophy since the 1950s to today. This special issue thus demonstrates how architects, designers and artists have reacted to the new socio-politically relevant concepts of postmodernism with a new kind of flatness, diversity and ambiguity in contrast to the identitarian concepts of modernism. What is striking is that the new designs were hardly understood and the reactions to them were characterized by a certain blurriness and uncertainty, which ultimately culminated in the winged term “anything goes.” Yet even today, adherence to this negatively evaluated dictum actually hides the critical aspects of postmodern philosophy and the arts’ reactions to it, which recognized the limitation of individuality through socio-political paternalism and found an answer first in the rejection, then in the diversification of the individual. It was not until the 1990s that the critical and ethically relevant aspects that challenged active engagement with social constraints began to gain importance in the arts. Against the background of the ambivalent history of postmodernism in the visual arts, the uncertainty in dealing with their designs was already evident in the very prominent exhibition on contemporary architecture at the MoMA in New York in 1988, which was organized by Philip Johnson. It could not really explain what was actually meant by “Deconstructivist Architecture,” as Simone Kraft makes clear. It is Arianna Fantuzzi who shows the neuralgic point of the transition from modernism to postmodernism by comparing self-portraits of artists from the 1990s. With the variety of possible roles that each person can adopt, the designs of postmodernism are thus characterized by the withdrawal of a unique identity. This phenomenon can also be described as Stephan Schmidt-Wulffen does in his historical overview, stating that after an affirmative opportunistic attitude toward sign systems in the 1980s, the arts only took on critical traits in the 1990s. In other words, as soon as the challenge was taken up to find its own, more critical path against paternalistic social standards, the situation changed. In line with this critical approach, Anna Kristensson argues that designers have a duty to choose an open and fair course toward the users, not to manipulate them in the interest of sales, and customers must face the reality of
aesthetics and not be misled by supposedly clear advertising. It is Iris Laner, in her examination of postmodern theory and the work of Jeff Wall, who shows how alternative perspectives on our world are tested – permeable to the viewer, not only through the aesthetic, but also through epistemological and ethical gravity. Finally, I expressed myself in a similar way. The possibility of deconstructing our conventional understanding of reality, as postmodern theory made clear and as the artist Karin Kneffel shows, opens the possibility of freeing us from social pre-determinations. The magazine’s editor-in-chief also wrote an essay on the changing world of the arts and Jeff Koons.
To conclude, this special issue on postmodernism clearly shows that in the long run, postmodernism Illustrates a completely new view of the world and our being in it. We can no longer hide behind predetermined standardizations. Thus, with the term “anything goes,” postmodernism opens a path of liberation from supposedly individual, but socially normed standards. In a new way, we are all called upon to consider not only our own share in shaping reality, but also that of the stakeholders, and to assume responsibility.
Martina Sauer
Senior Editor
Arts & Communication, 2024
This article examines Gillian Wearing’s Family Album photographic series (2003 – 2006), relating ... more This article examines Gillian Wearing’s Family Album photographic series (2003 – 2006), relating her self-portraits to the postmodern identity theories of Fredric Jameson (1984) and Kenneth Gergen (1991) for the 1st time, as well as linking them to Hans Belting’s interpretation of the symbolism of the mask (2013). In the photographs, Wearing assumes the features of her family members through hyper-realistic masks and wigs, recreating and “wearing” the faces from the family albums. Through this process, the artist temporarily assumes the identity of another person while creating a new subject that combines and adds further characteristics to the personalities from which it is composed. The photographs from the series are compared with other works by the artist, particularly her self-portraits painted during the 2020 lockdown and those created in 2023, in which she portrays herself without a mask, marking a significant shift in her artistic practice.
Flash Art no. 357, vol. 55, Estate 2022, 2022
piano b. Arti e culture visive , 2020
Alla fine del Novecento, i fenomeni di convergenza tra pratica artistica e verbale esplorati dagl... more Alla fine del Novecento, i fenomeni di convergenza tra pratica artistica e verbale esplorati dagli artisti nel corso del secolo trovano nuove configurazioni, legate a stretto giro con un rinnovato interesse per la narrazione di storie e con la ricerca di inedite modalità di relazione.
Attraverso l’utilizzo di video, installazioni e performance, Liliana Moro, Maurizio Cattelan, Eva Marisaldi, Cesare Viel e altri ancora dialogano con opere letterarie o tracciano parole nello spazio espositivo, racchiudendo il messaggio dei lavori nel punto di intersezione tra scrittura e immagine. Affidandosi ai nuovi media e alle loro proprietà transmediali, essi mettono a punto opere da leggere, come i racconti sui muri della metropolitana di Viel (Passaggi qui dal sottoterra, 1998), o citano frammenti, traggono ispirazione e rielaborano testi letterari già esistenti, come nel caso dell’installazione Nessuno (1993) di Moro.
Adottando una prospettiva interdisciplinare che unisce Cultura Visuale (W. J. T. Mitchell, M. Cometa) e Visual Narrative Studies (J. Elkins, E. Heartney), questo articolo analizza il carattere specifico di commistione tra parola e immagine nella produzione artistica degli anni Novanta, mettendo al centro i processi di citazione, rielaborazione, frammentazione e rilettura impiegati dagli artisti, alla luce delle possibilità di contaminazione tra generi offerte dall’utilizzo dei nuovi media e delle strategie narrative impiegate nei lavori.
Le forme del simbolo. Discorsi e pratiche del contemporaneo, 2021
Nella sua veste di autoproiezione, sdoppiamento, travestimento e negoziazione di soggettività, l’... more Nella sua veste di autoproiezione, sdoppiamento, travestimento e negoziazione di soggettività, l’autoritratto contemporaneo si manifesta come il simbolo di un Io molteplice, evanescente e camaleontico, votato all’interpretazione di ruoli e personaggi plurimi.
Da Spermini e Super-Noi di Maurizio Cattelan alle serie fotografiche di Cindy Sherman, dalle rappresentazioni moltiplicate di Vanessa Beecroft passando per gli autoritratti impossibili di Gillian Wearing, le interpretazioni artistiche del sé realizzate negli anni novanta offrono traccia di una profonda trasformazione nella concezione del soggetto e nelle sue modalità di rappresentazione.
Facendo perno sulla lettura critica delle immagini, il saggio affronta il tema dell’autoritratto inteso come proiezione dell’immagine soggettiva, come simbolo di individuazione, di scissione e di negazione dell’Io, adottando una prospettiva storico-culturale e antropologica (Hall 2014; Belting 2013; 2014) letta alla luce delle teorie sulla rappresentazione dell’identità postmoderna (Jameson 1984; Gergen 1991).
Art Style | Art & Culture International Magazine, Special Issue on the Postmodern Age, 2020
In 1984, the literary critic and philosopher Frederic Jameson theorized the replacement of the in... more In 1984, the literary critic and philosopher Frederic Jameson theorized the replacement of the individual subject of the modern era with the fragmented, decentered and multiple ego produced by the postmodern culture, absorbed in a continuous present that erases history and distinguished by a sort of emotional flatness.
As postmodern theorists debated contemporary identity, several visual artists produced self-portraits that multiplied, fractured or disguised their image, reflecting on the condition of the ego in contemporary society.
Subject to the cultural, aesthetic, social and anthropological transformations, the self-portrait has indeed changed form and symbology over the centuries, infusing the image of the artist with multiple meanings, focusing firstly on a question: how do I want you to see me? In the postmodern context, the answer to this question acquires many forms, as does the representation of the artist’s identity.
In order to understand the peculiarity of the self-portraits of this period, the essay will focus on several works, including Spermini (1997) by Maurizio Cattelan, The Book of Food (1985-1993) by Vanessa Beecroft, Untitled #193 (1988) by Cindy Sherman and the Cremaster Cycle (1994–2002) by Matthew Barney. Concerning this, the focus will be on the artistic production of the 1990’s because, as far as I can see, it seems to display a relevant maturation of the features that Jameson assigns to the postmodern ego. In the guise of self-projection, duplication and disguise, these and other self-portraits appear as the symbol of a multiple, evanescent and chameleonic ego, aimed at impersonating multiple roles and characters, assuming different self-concepts or a changing identity.
In order to analyse these artworks, I will use an interdisciplinary approach combining an art historical and anthropological perspective (Belting, Hall) with postmodern self theories (Jameson, Gergen).
Venezia Arti, 2019
Disguised, adorned, placed in space and obsessively controlled, the body exhibited in Vanessa Bee... more Disguised, adorned, placed in space and obsessively controlled, the body exhibited in Vanessa Beecroft’s performances, drawings and photographs, highlights several key themes of contemporary debate, such
as identity transformation, desire, gaze and obsession for perfection, shown from the artist’s perspective and
impressed on her models’ bodies. The present essay aims to deepen these topics through the works of Vanessa
Beecroft, with an emphasis on those realised in the early nineties – among which the drawings of deformed bodies
and the compulsive annotations of the Libro del Cibo – and relating them to the contemporary research of Italian
female artists, which reveal new declinations of art making, starting from the same subject: the female body and
its symbolism.
Words and Stars: percorsi di narrazione intermediale nell’opera di Grazia Toderi e Orhan Pamuk, 2019
In questo testo viene indagata la relazione tra parole e immagini a partire dal lavoro collettivo... more In questo testo viene indagata la relazione tra parole e immagini a partire dal lavoro collettivo di Orhan Pamuk e Grazia Toderi e dal suo esito più compiuto: la mostra "Words and Stars", presentata al Mart di Rovereto nel 2017. Il rapporto di collaborazione tra lo scrittore e l’artista nasce nel 2013, quando Pamuk invita Grazia Toderi a realizzare un’opera per il "Museo dell’Innocenza" a Istanbul. Da quel momento inizia un’intensissima corrispondenza che li porta a realizzare nel corso del 2016 due lavori dislocati, progettati ed esposti nelle sedi del Planetario e di Palazzo Madama di Torino. In queste mostre, così come al Mart di Rovereto, Pamuk e Toderi continuano la riflessione sul romanzo "Il Museo dell’Innocenza", dialogando con lo spazio in cui si trovano ad esporre. L’ istallazione "Words and Stars", in particolare, costituisce un modello esemplare per riflettere
sull’intermedialità nell’opera d’arte in quanto unisce due
linguaggi (parole e immagini), senza sintetizzarne le caratteristiche. Il risultato è una narrazione a doppio binario che consente al fruitore molteplici letture.
Testi brevi di accompagnamento. Linguistica, semiotica, traduzione, 2019
Nei lavori di Dorfman e Diamond la sospensione di giudizio genera ritratti idealizzati che sfidan... more Nei lavori di Dorfman e Diamond la sospensione di giudizio genera ritratti idealizzati che sfidano gli stereotipi e le convenzioni sociali, sollevando la questione di cosa significhi amare e di cosa sia degno di amore. Il potere di queste immagini risiede nella stridente difformità tra l’idea della mostra – ossia l’esplorazione di nuove tipologie di amore – e il disgusto che questo tipo di pratiche emotive e fisiche possono produrre, generando una sessualità disincarnata e disumanizzata e una maternità leggera, priva di vincoli e responsabilità.
Tre altoparlanti trasmettono a volume appena percepibile una fitta conversazione. A dialogare per... more Tre altoparlanti trasmettono a volume appena percepibile una fitta conversazione. A dialogare però non sono esseri umani ma entità virtuali, con termine tecnico chatbots, programmate per simulare il fluire casuale del parlato. I bracci robotici in movimento e i fili che li collegano accompagnano un dialogo da cui il visitatore risulta inesorabilmente escluso, incapace di intervenire o di coglierne i significati. L'installazione, dal titolo Do You Like Cyber?, apre la mostra Low Form in corso al Maxxi di Roma (a cura di Bartolomeo Pietromarchi, fino al 24 febbraio), incentrata sul rapporto tra ricerca artistica e intelligenza artificiale e nel titolo propone una delle domande attorno a cui ruotano le riflessioni dei sedici artisti invitati.
Senzamargine. Passaggi nell'arte italiana a cavallo del millennio, 2021
Dieci maestri dell'arte contemporanea sono i protagonisti della mostra senzamargine. Passaggi nel... more Dieci maestri dell'arte contemporanea sono i protagonisti della mostra senzamargine. Passaggi nell'arte italiana a cavallo del millennio, un'originale panoramica della geografia artistica tra XX e XXI secolo, posta sotto il segno della pluralità e della differenza. Attraverso i saggi di critici e studiosi internazionali questo volume offre un'approfondita introduzione all'opera dei dieci artisti, proponendo nuove letture e spunti di riflessione utili a una riscrittura del canone dell'arte degli ultimi decenni. Sullo sfondo la necessità di una nuova narrazione dell'esperienza italiana, anche al di là della sua continuità territoriale, capace di mettere in luce al suo interno la coesistenza di tradizioni, linee e vettori individuali non riducibili a una comune matrice o "identità". Un tratto pluralistico che costituisce non solo uno degli elementi più rilevanti della produzione artistica italiana ma anche il contributo vitale che essa può fornire allo scenario deterritorializzato della cultura contemporanea, considerata nella sua iperbolica simultaneità globale.
We live in the age of postmodernism. What does that mean? With this call for essays, we asked for... more We live in the age of postmodernism. What does that mean? With this call for essays, we asked for proposals for a better understanding. At the same time, we were looking for posts that show how the arts have processed and are still processing the change from the modern to the postmodern selfconception of man, which has been described by philosophy since the 1950s to today. This special issue thus demonstrates how architects, designers and artists have reacted to the new socio-politically relevant concepts of postmodernism with a new kind of flatness, diversity and ambiguity in contrast to the identitarian concepts of modernism. What is striking is that the new designs were hardly understood and the reactions to them were characterized by a certain blurriness and uncertainty, which ultimately culminated in the winged term “anything goes.” Yet even today, adherence to this negatively evaluated dictum actually hides the critical aspects of postmodern philosophy and the arts’ reactions to it, which recognized the limitation of individuality through socio-political paternalism and found an answer first in the rejection, then in the diversification of the individual. It was not until the 1990s that the critical and ethically relevant aspects that challenged active engagement with social constraints began to gain importance in the arts. Against the background of the ambivalent history of postmodernism in the visual arts, the uncertainty in dealing with their designs was already evident in the very prominent exhibition on contemporary architecture at the MoMA in New York in 1988, which was organized by Philip Johnson. It could not really explain what was actually meant by “Deconstructivist Architecture,” as Simone Kraft makes clear. It is Arianna Fantuzzi who shows the neuralgic point of the transition from modernism to postmodernism by comparing self-portraits of artists from the 1990s. With the variety of possible roles that each person can adopt, the designs of postmodernism are thus characterized by the withdrawal of a unique identity. This phenomenon can also be described as Stephan Schmidt-Wulffen does in his historical overview, stating that after an affirmative opportunistic attitude toward sign systems in the 1980s, the arts only took on critical traits in the 1990s. In other words, as soon as the challenge was taken up to find its own, more critical path against paternalistic social standards, the situation changed. In line with this critical approach, Anna Kristensson argues that designers have a duty to choose an open and fair course toward the users, not to manipulate them in the interest of sales, and customers must face the reality of
aesthetics and not be misled by supposedly clear advertising. It is Iris Laner, in her examination of postmodern theory and the work of Jeff Wall, who shows how alternative perspectives on our world are tested – permeable to the viewer, not only through the aesthetic, but also through epistemological and ethical gravity. Finally, I expressed myself in a similar way. The possibility of deconstructing our conventional understanding of reality, as postmodern theory made clear and as the artist Karin Kneffel shows, opens the possibility of freeing us from social pre-determinations. The magazine’s editor-in-chief also wrote an essay on the changing world of the arts and Jeff Koons.
To conclude, this special issue on postmodernism clearly shows that in the long run, postmodernism Illustrates a completely new view of the world and our being in it. We can no longer hide behind predetermined standardizations. Thus, with the term “anything goes,” postmodernism opens a path of liberation from supposedly individual, but socially normed standards. In a new way, we are all called upon to consider not only our own share in shaping reality, but also that of the stakeholders, and to assume responsibility.
Martina Sauer
Senior Editor