Aarón de la Rosa | UNAM Universidad Nacional Autónoma de México (original) (raw)
Papers by Aarón de la Rosa
La magia de este rockumental reside en la descripción de cómo los músicos se relacionan con la cr... more La magia de este rockumental reside en la descripción de cómo los músicos se relacionan con la creación de tonos vocales en el estudio de la emblemática Björk. Dentro de las secuencias que componen esta película, podemos ver que la mayoría de los segmentos se encuentran enfocados en las locaciones de los diversos estudios de grabación donde interactúa la cantante con sus músicos invitados, secuencias del proceso de mezcla con su ingeniero de sonido con el que lleva más de diez años trabajando hasta ese momento.
El filme no tuvo el éxito esperado pero sí el álbum que Pink Floyd edito producto de este viaje c... more El filme no tuvo el éxito esperado pero sí el álbum que Pink Floyd edito producto de este viaje cinematográfico: “Obscure by clouds” en 1972. Ante la crítica, este álbum representa uno de los mejores pasajes sensoriales en la nueva etapa del grupo rockero. La psicodelia hizo su trabajo como materia prima. Al abonar a las secuencias del filme un matiz acaso místico y poco explorado en el cine de la época. A la manera del documentalista Jean Rouch, Schroeder y su legendario cinefotógrafo Néstor Almendros ficcionalizan a los exploradores adentrándolos a la vida cotidiana de las tribus de Nueva Guinea. Aquí se mezcla el idílico manifiesto hippie del amor carnal y sexual bajo el estado de los alucinógenos: la historia contrapone el mundo moderno y el mundo antiguo bajo la analogía melódica de los sonidos etéreos.
Pocas veces la buena televisión contemporánea ha podido abordar de buena forma los temas universa... more Pocas veces la buena televisión contemporánea ha podido abordar de buena forma los temas universales del hombre. Esa materia prima que todo artista emplea para expresar sus ideas sobre el entorno que lo rodea. La nostalgia podría ser uno de ellos. Aquí el creador de la serie Black Mirror, Charlie Brooker construye una paradisiaca ciudad llamada San Junipero donde relata una historia de amor entre dos chicas: Gugu Mbatha-Raw (Kelly) y Mackenzie Davis (Yorkie) quienes se conocen entre la ciencia bajo la era tecnológica futurista y la nostalgia, un pasado lleno de referentes icónicos de los ochentas y su cultura pop.
Qué existe ahora en la narrativa de Koreeda que no se haya visto en la vasta filmografía del gran... more Qué existe ahora en la narrativa de Koreeda que no se haya visto en la vasta filmografía del gran pensador nipón [Ozu]. Tal vez preservar la trascedencia de emplear historias familiares con un estilo naturalista y casi de corte documental. Sus historias han mostrado la versatilidad de conflictos en las diversas tramas intimistas, donde niños (en especial estos personajes) como madres y padres nos han llevado a experimentar fuertes conflictos emocionales en su obra. Hirokazu ahora, retoma el manga de Akimi Yashida (un fiel seguidor de este autor) y adapta su obra homónima al filme: Umimachi Diary (Nuestra pequeña hermana), que relata el encuentro de las tres hermanas Koda: Sachi, Yoshino y Chika con su medio hermana adolescente: Suzu Asano.
Mitsuha una chica pueblerina sueña con el amor de un guapo y joven chico. En sus fantasías se vin... more Mitsuha una chica pueblerina sueña con el amor de un guapo y joven chico. En sus fantasías se vincula con la vida de Taki, que vive en el centro de Tokyo. En sus sueños y al intercambiar sus vidas y cotidianidades, la película pareciera que reitera un explotado “conflicto” de las comedias románticas. Sin embargo, Shinkai no lo desarrolla de manera superficial sino complejiza los conflictos de cada protagonista y teje la trama con ciertos vacíos en el guión; tal vez esto desata el interés del público occidental por su incomprensión.
"Ruby Sparks": la comedia se torna drama en la fórmula anti-romántica, 2012
Desde la lejana "Little Miss Sunshine" el debut de los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris... more Desde la lejana "Little Miss Sunshine" el debut de los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris mostraron una veta interesante y alternativa del cine actual norteamericano cuyo destino fílmico, lejos de la meca hollywoodense, desarrolló una espléndida narrativa contemporánea cercana a los ideales del legendario Cassavettes. Con "Ruby Sparks" y su joven protagonista, el novelista exitoso Calvin Weir-Fields (Paul Dano) abordan el habitual conficto romántico: la relación de pareja.
"Drifters"/"Leviathan": del tiempo poético al tiempo sonoro del documental, 2012
Han pasado más de setenta años desde que Grierson, padre del documental había bosquejado uno de l... more Han pasado más de setenta años desde que Grierson, padre del documental había bosquejado uno de los pensamientos más vanguardistas en el terreno del lenguaje documental, ahora con la celeridad de la imagen en movimiento que ha marcado la tecnología y sus dispositivos móviles, no es raro pensar que las nuevas facturas de grabación de imagen en movimiento determinan las texturas y los nuevos lenguajes en el cine digital.
![Research paper thumbnail of We are the best![Vi är bäst!]: punk rock y la comedia sueca_anatomiadelaimagen](https://attachments.academia-assets.com/105147059/thumbnails/1.jpg)
](We are the best![Vi är bäst!]: punk rock y la comedia sueca, 2012
A inicios de la década de los ochentas, el punk rock británico de los Sex-pistols se consagraba a... more A inicios de la década de los ochentas, el punk rock británico de los Sex-pistols se consagraba alrededor del mundo, gracias la herencia musical de The Kinks, The Kingsmen y The Who, el rock nutrió las esferas del punk y sus subgéneros, que en muchos casos, doto de ideología de izquierda, anticapitalista y politizada a las bandas que terciaron sus riffs
![Research paper thumbnail of METALHEAD [MÁLMHAUS]: detrás del heavy metal en el nuevo cine islandés_anatomiadelaimagen](https://attachments.academia-assets.com/104850896/thumbnails/1.jpg)
](METALHEAD [MÁLMHAUS]: detrás del heavy metal en el nuevo cine islandés, 2015
Ragnar cobra notoriedad en el mundo del séptimo arte y la televisión islandesa con su trilogía se... more Ragnar cobra notoriedad en el mundo del séptimo arte y la televisión islandesa con su trilogía seriada sobre tres antihéroes llamada Næturvaktin (Turno de Noche) que gira en torno a la vida de tres empleados que trabajan en una estación de gasolina en Laugavegur, en Reikiavik. El supervisor Georg Bjarnfreðarson (Jón Gnarr, Alcalde de Reikiavik) es un excéntrico personaje, admirador de Suecia y su cultura y un comunista devoto. Ólafur Ragnar (Pétur Jóhann Sigfusson) es un empleado veterano, un tipo bastante simple y bien intencionado que quiere triunfar en el negocio de la música. Daniel (Jörundur Ragnarsson) acaba de abandonar sus estudios de medicina y recién empezó a trabajar en la estación. Es más bien tímido e introvertido y sufre de depresión.
Klip, 2012 (Maja Milos): la violencia distante de lo grotesco, 2012
La verdadera violencia es mucho más impresionante de lejos: una pelea en la calle es más violenta... more La verdadera violencia es mucho más impresionante de lejos: una pelea en la calle es más violenta que todo lo que vemos en el cine americano. BERTRAND BLIER
![Research paper thumbnail of Mexican fémina: el racismo en la comedia romántica y la esclavitud de la piel [Parte II]_Operación Marte](https://attachments.academia-assets.com/104823812/thumbnails/1.jpg)
](Mexican fémina: el racismo en la comedia romántica y la esclavitud de la piel [Parte II], 2016
depresión de los años treinta que sucedía en los Estados Unidos, el subgénero del screwball comed... more depresión de los años treinta que sucedía en los Estados Unidos, el subgénero del screwball comedy situaba a los personajes hombre y mujer, bajo una trama cómica focalizando su atención en el tema amoroso. Aquí los espectadores se mantenían al hilo de los enredos y las peripecias entre ambos para estar finalmente, juntos y enamorados. Estas películas mantenían un objetivo importante: llevar un mensaje positivo y esperanzador ante la evidente decadencia económica que se vivía en la época, así nace el género de la comedia romántica en el cine. Con el paso del tiempo, este discurso fue evolucionando y creando maneras más contrastantes en la trama amorosa, tanto por el avance de los valores sociales desde los setentas con la psicodelia, el hippismo como la emancipación de la mujer ante las relaciones afectivas menos conservadoras. Más tarde, llega el cambio de percepción sobre la independencia de la mujer de los años noventas. Con la transición de siglo, la soltería del macho alfa o el hombre lleno de hijos ayuda a comprender a la mujer sola y madre de familia del mundo contemporáneo. Las ficciones americanas comienzan a urgar en tramas donde la belleza de la mujer bella y exitosa, se empieza a alejar de la presencia del hombre. Ahora algunas de estas películas logran reinventar la misma historia de amor con sus actualizaciones de género, narrativas actuales donde no sólo los jóvenes o teenagers son parte del mercado meta sino los adultos jóvenes enmarcan nuevas historias que focalizan sus problemas amorosos en cuerpos bellos y tonificados como son los actores del mainstream del cine comercial. En este sentido, 500 days of summer (2009) de Marc Web con guión de Scott Neustadter y
![Research paper thumbnail of Mexican fémina: el racismo en la comedia romántica y su mitología de masas [Parte I]_Operación Marte](https://attachments.academia-assets.com/104823557/thumbnails/1.jpg)
](Mexican fémina: el racismo en la comedia romántica y su mitología de masas, 2016
nos habla de la mujer como El bello sexo (La tercera mujer, Anagrama. 2006) este concepto alude a... more nos habla de la mujer como El bello sexo (La tercera mujer, Anagrama. 2006) este concepto alude a una idiosincrasia milenaria donde los aspectos faciales, corporales y sociales fueron evolucionando desde la prehistoria hasta el siglo XXI. En este ensayo analiza desde la construcción de la mujer en las primeras civilizaciones mediante figuras talladas, luego con la imagen satanizada por su belleza durante la edad media hasta la revolucionaria femineidad de la mujer libre y trabajadora con la modernidad. Sin embargo, en nuestro tiempo la mujer ha sido objeto de violencia de muchas formas como en diversas latitudes del mundo. La religión, las normas culturales y la cultura de la imagen han contribuido a distorsionar la representación de la mujer contemporánea. Así el bello sexo de los medios de comunicación se encuentra más que alejado de la realidad.
La comedia romántica mexicana. De estereotipos, sororidad y nuevas masculinidades. REVISTA_ENPOLI, 2021
La comedia romántica mexicana. De estereotipos, sororidad y nuevas masculinidades [parte II] En M... more La comedia romántica mexicana. De estereotipos, sororidad y nuevas masculinidades [parte II]
En México, con el sexenio de José López Portillo aparecieron dos películas icónicas que dieron origen al cine de ficheras, el “Tívoli” (1974) de Alberto Isaac, con Alfonso Arau, Lyn May y Carmen Salinas, donde se retrata la vida nocturna del teatro de revista Tívoli. “Bellas de noche” (1975) de Miguel Delgado, con Sasha Montenegro y Jorge Rivero, muestra la vida nocturna del cabaret y el vedetismo. Ambos filmes se consideran pioneros en los argumentos urbanos donde la comedia, el amor y el sexo se verían reflejados en una industria que explotaba a la mujer como objeto sexual. Para los ochenta, este género degradó el clásico cine de rumberas a la bien conocida “sexicomedia mexicana”.
La telenovela y la educación sentimental del prieto mexicano., 2021
La telenovela mexicana idealizaba al “amor” siempre entre dos bellos protagonistas, que dependían... more La telenovela mexicana idealizaba al “amor” siempre entre dos bellos protagonistas, que dependían de librar diversos conflictos, astutamente establecidos para mantener a la audiencia fiel a la trama y, por supuesto, generando ganancias económicas para los anunciantes y Televisa. Sus historias se desarrollaban con elementos dramáticos traídos de la comedia con matices melodramáticos. La trama se desarrollaba principalmente por la lucha del poder económico, armados a base de torpes triángulos amorosos, con ridículos enfrentamientos de clase social de pobreza dramática en los diálogos, que regularmente, explotaban el clasismo y el racismo de ricos contra pobres.
Halley: la soledad y la muerte por Aarón de la Rosa © Publicado en revista operación marte 2016 N... more Halley: la soledad y la muerte por Aarón de la Rosa © Publicado en revista operación marte 2016 No hace mucho hablar de cine de terror en México era cosa rara pues no había una tradición reciente de cineastas que abordaran este tema. Además la cuota de películas realizadas en los últimos cinco o seis años no prevalecía una afición para este tema, salvo en años recientes con los festivales como Morbido o Macabro. También la carga a espaldas, que implica financiar uno de los géneros fílmicos más caros de producir, es parte fundamental de las complicaciones que se enfrenta quien se enamora y apasiona por contar una historia con temática de horror. A esto hace algunos años apareció Halley (2012) de Sebastián Hofman una de las propuestas filmicas más experimentales y existencialistas del cine mexicano. Tuvo gran repecursión en algunos festivales internacionales, lo que le valio gran atracción de nuevos espectadores alrededor del mundo, y de alguna forma el público mexicano también volteo los ojos a mirar una película que contaba la muerte de un antihéroe, un vigilante de un gimnasio cuya putrefacción en vida se ilustraba desde la cotidianeidad de nuestra inmensa e indiferente ciudad de México. Cosa fácil de describir en estas líneas pero que el filme guarda un mil de lecturas interpretativas por su naturaleza narrativa abstracta y simbólica del montaje. A diferencia de 007 Spectre (2015) de Sam Mendes donde la idea de la muerte se aborda colateralmente bajo la festividad del día de muertos y esto, sólo como parte del contexto del emblemático espía de la saga fílmica. Para el reciente cine mexicano el terror se desarrollo entre los remakes de películas clásicas y las nuevas posturas narrrativas como Kilometro 31 (2006) de Rigoberto Castañeda. Sin embargo es interesante pensar que en una época donde los zombies (como antes lo fue el cine asiático) son sinónimo de la muerte y su sociedad la narrativa donde se aborda el terror cinematográfico. El resultado es una expresión cultural que arraiga ideologías tanto de los países como de los realizadores que las cuentan. Por ello, qué hace de Halley una versión filmica acerca de la cosmovisión mexicana de la muerte en nuestros días. La naturaleza abstracta hace su mejor apuesta cinefotográfica, además su atractiva postura estética podría interpretarse como una forma autoral de observar el mundo que vivimos los mexicanos de la capital: la cotidianeidad de una muerte permanente. La muerte es un leitmotiv dramático atendida en el protagonismo de un Alberto enclenque, cansado de la vida, que a lo largo del largometraje evidencia una apatía y desolación de vivir. Los aspectos abstractos se basan tanto en los planos detalles de las moscas, los frascos donde Alberto pone las insectos que se pegan en su cuerpo producto de su putrefacción, las atmósferas urbanas del metro y el gimnasio donde trabaja cuya pesadumbre de ser vigilante. Esto contrasta con los asistentes que cultivan la belleza y la voluptuosidad del cuerpo. Es aquí donde se nos permite conocer una imagen sobria, llena de flares o halos de luz natural en el cuadro. La quietud y le silencio de las escenas abonan a la poca movilidad de cámara y esto da una armonía que causa extrañeza. Por ende, este simbolismo que podría carecer de conclusiones determinadas deja al espectador en una continua sensación de entender las acciones del protagonista. Lo simbólico es parte de las relaciones que se emplean entre el guión y el diseño de construcción del personaje tanto por relatarnos cómo es que un hombre cualquiera en la ciudad de México, muere en vida y su cuerpo se va descomoponiendo en una indiferencia total de su entorno. A esto la soledad de las secuencias son una representación metafórica de la sensación que muchos sentimos en la levedad del día a día y por ello, esta película contrasta al género del horror hollywoodense por
Wild (2016) Dir. Nicolette Krebitz Entre Bertrand Rusell y la nueva ola de cine alemán por Aarón ... more Wild (2016) Dir. Nicolette Krebitz Entre Bertrand Rusell y la nueva ola de cine alemán por Aarón de la Rosa © Publicado en Operación Marte revista digital 2016 En 1959 John Freeman tiene una cálida entrevista con el gran filósofo Bertrand Rusell para la BBC de Londres. Al final de esta conversación se le cuestiona al maestro Rusell, qué analogías de vida posee y quisiera dejar a la posteridad del hombre, digamos para unos cientos de años después. A lo cual, Bertrand secunda con una enigmática respuesta: desde la moral, debemos considerar los hechos existentes y no, los que conjeturamos que nos vendrían bien o de algún beneficio para nuestra vida. Desde lo intelectual es más simple, advierte, el amor es de sabios y el odio es de tontos. Rusell afirmaba que en un mundo donde vivimos cada vez más interconectados queda implícito aprender cualquer tipo de caridad o tolerancia para que en el planeta siga existiendo la raza humana. En estas sencillas palabras, se esconde una reflexión poco explorada en nuestros días por el cine contemporáneo desde los rodajes de Pasolini, Tarkovski o Fassbinder. Aquí reside una de las desoladoras búsquedas narrativas que nos presenta la bella actriz y cineasta alemana Nicolette Krebitz: la intolerancia. Su filme Wild (2016) metaforiza en su protagonista Ania, la gran interrogante que poco pensamos: en qué momento la posmodernidad de la tecnología, la soledad entre el tumulto de las grandes ciudades, la frivolidad de las relaciones hipócritas nos han dejado en la intolerancia y la apatía hacia lo más sencillo de la vida: el amor a la naturaleza y sus animales. Bertrand asumía a su entrevistador, entre líneas, que la intolerancia era un símil de la posible decadencia del hombre en el planeta tierra. Wild se inserta en una de las betas cinefotográficas y narrativa muy cercana al llamado extremismo social europeo, que ha caracterizado al cine experimental de corte documental o de arte en las última décadas de la cinematografía mundial. De colores opacos y sobrios, lleno de flares de luz incidental de los exteriores. La propuesta visual de este filme, se acerca a la descripción naturalista sin muchos movimientos de cámara. Esto contrasta muy bien con la experimentación de la puesta en escena de muchas de las secuencias de Ania. Para Krebitz su historia se centra en una antihéroe, personaje hermoso y complejo, llevado a escena por la actriz Lilith Stangenberg. Aquí, describe su personaje bajo una cotidianeidad sin padres cuya joven y alocada hermana le ha dejado el departamento por irse a vivir con el novio; su abuelo se encuentra hospitalizado. En una desoladora rutina de secretaria de un posible creativo de marketing. Éste la acosa y la hostiga laboralmente. Su vida transcurre entre la apatía de la rutina y la hipocresía de sus compañeros de trabajo. Ania representa el hombre posmoderno que alguna vez, todos padecemos. El giro de la historia comienza cuando Ania observa, de camino al trabajo, la presencia de un lobo. Aquella figura animal que muchas culturas europeas como la noruega, que la ha respetado en muchas expresiones artísticas. Le ha servido a Krebitz como leit motiv para desarrollar una reflexión del hombre industrializado frente al hombre salvaje. ¿Qué hace de este conflicto para Ania una epifanía trascendental de su pobre y miserable existencia?: la infelicidad. En las primeras páginas de La conquista de la felicidad (1959) Bertrand Rusell escribe que la infelicidad de los hombres sucede por la celeridad de la vida, llena de osbtáculos y prisas. En este sentido, a través de Rusell pensamos que los hombres padecen de la infelicidad de vivir al filo de obtener un bienestar material, nunca satisfecho por al trabajo cotidiano. Pues nunca se detienen a admirar la naturaleza viven en el anonimato del tumulto citadino y enamorados por su propio narcisismo
Fúsi (2015): entre Islandia y la montaña virgen por Aarón de la Rosa © Publicado en Operación Mar... more Fúsi (2015): entre Islandia y la montaña virgen por Aarón de la Rosa © Publicado en Operación Marte revista digital 2015 Islandia dejo ser un país de filmes menores con producciones que sólo se conocían en los festivales de cine dentro del medio cinematográfico mundial. Junto a cineastas, empedernidos críticos y periodistas del séptimo arte mundial salen a flote, entre tumultos hollywoodenses, por reseñas breves y críticas de algunos medios. Sin embargo, en años recientes algunas producciones como la ovacionada Metalhead (2013) de Ragnar Bragason, que además dividió pareceres con su atípico drama de una chica que se vuelve metalera tras la muerte de su hermano como la gran ganadora en la categoría "Un certain Regard" en Cannes, Rams (2015) de Grímur Hákonarson cuyo drama relata la vida de dos hermanos enemistados por más de cuarenta años que se unen para salvar su rebaño y con él sus diferencias. Entre muchos otros filmes, Islandia y sus realizadores han cobrado auge, cosechado críticas benevolentes gracias a su narrativa de cortes directos e historias simples. Islandia rejuvenece el panorama de un cine no comercial, muchas veces repetitivo, con interesantes narrativas que adquieren relevancia por su apuesta a la dirección de actores y la grandiosa escritura de sus guiones. Fúsi de Dagur Kári, la gran revelación del Tribeca Film festival del 2015, gana tres preseas: la de "mejor actor" para Gunnar Jónsson, como "mejor guión" y "mejor película". Filme de corte naturalista y a veces pesado hace preguntarnos, qué hace trascendente la historia de un hombre de cuarenta años, tímido y con sobrepeso cuya vida al lado de su madre refleja un miedo a madurar. Dagur Kári joven islandés de origen parísino egresa de la National Film School de Dinamarca. Con su debut cinematográfico Noi, el albino (2003) tuvo gran repercusión desde hace más de diez años, esta tragicomedia retoma la soledad del chico Noi, que vive en un valle alejado de Islandia cuya trama desarrolla la vida monótona de un joven que pasa sus días en un sobrio pueblo casi fantasma. Más tarde con Dark Horse (2007) mantiene su fijación con los personajes jóvenes, retoma la rebeldía en el artista Daniel, que trabaja pintando declaraciones de amor en las paredes de Copenhage libre de responsabilidades, hasta conoce a la joven Franc. Con mediana recepción en la crítica especializada, The good heart (2009) cuya coproducción con Estados Unidos une a Kari con Nueva York. Mantiene la comedia dramática y en Brooklyn, desarrolla la historia de Lucas, un vagabundo y al viejo Jacques, quien tiene los días contados por su quinto infarto al corazón, se conocen en el hospital que es propietario de un bar que deben sacar adelante. Lucas ayuda a Jacques en el bar, con el tiempo crece su amistad hasta la llegada de la joven April que los confronta.
Netflix y la pandemia. La prisión del streamimg americano parte III, 2021
Netflix y la pandemia. La prisión del american streaming [Parte III] Por Aarón de la Rosa PUBLICA... more Netflix y la pandemia. La prisión del american streaming [Parte III] Por Aarón de la Rosa PUBLICADO EN REVISTA ENPOLI 16 FEBRERO 2021 [http://www.enpoli.com.mx/cine/netflix-y-la-pandemia/] Durante los primeros años del siglo XXI, gracias a los avances digitales del internet se van transformando los hábitos de consumo de series y películas. La industria de la televisión americana cambiaría su modo de ofrecer productos audiovisuales. No solo con el broadcasting (televisión abierta) y el narrowcasting (televisión temática) sino la oferta se inclinaría por el consumo digital en dvd y blueray como al crecimiento de páginas web. Por otra parte, la economía de los estudios y los profesionales del medio, se nutrirían de nuevos formatos de venta para los anunciantes, desde diferentes nichos de mercado. Más tarde, con el nacimiento de las redes sociales cambiaría el paradigma de la publicidad televisiva con el marketing en redes sociales. No obstante, estos cambios fueron paulatinos y permitieron a algunas de las principales majors de la industria americana (ABC, CBS, NBC, HBO, FOX entre otras) apostar por nuevos formatos televisivos. Aunado a la necesidad de contar historias innovadoras con mezcla de los géneros clásicos. Habría una tendencia que daría fe a temáticas acordes a los cambios históricos, sociales y culturales que se vivían en Norteamérica como en algunas partes del mundo. En los primeros cinco años del nuevo milenio, las fronteras de distribución de contenidos audiovisuales se volvía más inmediata y global. La tradicional cita del "appointment tv" afianzada en los noventa desaparecería. El formato del dvd sería reemplazado por el hd dvd y luego por el blue-ray. También los avances digitales en la creación de pantallas caseras, para mantener los formatos nativos de filmación expresaban la necesidad de ofrecer mayor calidad visual para el televidente. Sin embargo, en Hollywood empezaba la guerra ideológica por la naciente industria del cine digital. Es el 14 de febrero de 2005 tres ex-empleados de la compañía de cobro digital Paypal: Steven Chen, Jawed Karim y Chad Hurley crean youtube como un portal online, para que la gente suba sus videos amateurs y sea consumido por una audiencia global. Al año siguiente es adquirida por la empresa Google por 1,650 millones de dólares. Gracias a youtube se abre un nuevo canal de consumo de contenido audiovisual casero desde computadoras, laptops y teléfonos
¿Cómo nace Netflix? Detrás del streaming americano II, 2020
¿Cómo nace Netflix? Detrás del american streaming [Parte II] Por Aarón de la Rosa © PUBLICADO EN ... more ¿Cómo nace Netflix? Detrás del american streaming [Parte II] Por Aarón de la Rosa © PUBLICADO EN REVISTA ENPOLI 19 NOVIEMBRE 2020 [http://www.enpoli.com.mx/cine/como-nace-netflix/] Durante la última década del siglo XX la industria de la televisión recibió al internet en los medios de comunicación. A mediados de los noventa, el desarrollo y cobertura de este servicio tendría una considerable expansión en los países desarrollados, sobre todo por la aparición de computadoras portátiles y páginas web donde se compartiría todo tipo de información. Mientras esto sucedía, la empresa Netflix se abría camino en el servicio de alquiler de dvd´s con el objetivo de ganarle mercado a Blockbuster. La industria del entretenimiento transformaba sus formatos televisivos y con ello, migraba del vhs al dvd, se abría una beta económica importante para los estudios y productoras, que buscaban expandir el consumo de sus historias y los estereotipos a una audiencia de escala global. Con el cambio de siglo, se auguraba un alcance mayor de la hegemonía ideológica de la televisión, pues desde el star system hollywoodense, la industria del entretenimiento tendría nuevos protagonistas que marcarían la transición al nuevo milenio. La tercera edad de oro: del sitcom a los dramas cinematográficos En mi artículo anterior señalé varios detalles de la primera y la segunda edad de oro de la televisión, cabe destacar que gracias a los cambios formales y tecnológicos de los medios de comunicación, nace la tercera edad de oro, que según Cornejo Stewart, vivimos hasta nuestros días con la consagración de las plataformas de streaming de la era digital. Uno de los puntos más notorios pudimos observar en las eras de la televisión el desarrollo de producciones televisivas, que desde finales de los cincuenta, pasaron de las adaptaciones literarias a los dramas médicos, de las primeras
¿Porqué existe Netflix? Detrás del streaming americano, 2020
¿Porqué existe Netflix?, detrás del streaming americano [Parte I] Por Aarón de la Rosa © PUBLICAD... more ¿Porqué existe Netflix?, detrás del streaming americano [Parte I] Por Aarón de la Rosa © PUBLICADO EN REVISTA ENPOLI 29 OCTUBRE 2020 [http://www.enpoli.com.mx/cine/por-que-existe-netflix/] En los últimos veinte años la industria del entretenimiento audiovisual transformo su formato de distribución de manera global. Ahora con los avances tecnológicos y con la actual pandemia del covid-19, que aqueja la salud pública del mundo, se consolidó con el streaming digital, el consumo de series y películas en los dispositivos portátiles como televisiones inteligentes liderado por la empresa Netflix entre otras. La creación de nuevos formatos audiovisuales comenzó a mutar durante la primer década del siglo XXI, gracias al nacimiento de las redes sociales en video con youtube y vimeo, las cuales, fueron la antesala para la era digital de la plataformización de la industria del entretenimiento. Netflix nace como una empresa especializada en alquiler de dvd´s a fines de los noventa, para fines del dos mil diez se volvió una de las mayores generadoras de productos audiovisuales a escala global. A consecuencia, la competencia no se hizo esperar con Hulu, Amazon prime, HBO Go, Plutotv entre otras. Ahora los creadores se enfrentan a un contexto histórico, político, económico y social de cambios constantes, producen para un público que demanda diversos productos audiovisuales. Sin embargo, a costa de un monopolio ideológico donde Netflix, parecería la punta de lanza de una nueva era que está transformando la industria del entretenimiento. En los últimos años, muchas de sus producciones han obtenido reconocimientos importantes en festivales como Cannes, Oscar, Globos de Oro y los Emmy´s entre muchos otros. Si bien las temáticas expresadas en sus series y películas poseen gran relevancia en las audiencias alrededor del mundo. Desde las comedias ligeras, las policiacas, las de romance idealizado, las ciencia ficción innovadora, que se emparejan con los dramas realistas y los documentales de denuncia histórica como de exploración social. ¿Será el nacimiento de una nueva ideología hegemónica, que se contrapone a los intereses
La magia de este rockumental reside en la descripción de cómo los músicos se relacionan con la cr... more La magia de este rockumental reside en la descripción de cómo los músicos se relacionan con la creación de tonos vocales en el estudio de la emblemática Björk. Dentro de las secuencias que componen esta película, podemos ver que la mayoría de los segmentos se encuentran enfocados en las locaciones de los diversos estudios de grabación donde interactúa la cantante con sus músicos invitados, secuencias del proceso de mezcla con su ingeniero de sonido con el que lleva más de diez años trabajando hasta ese momento.
El filme no tuvo el éxito esperado pero sí el álbum que Pink Floyd edito producto de este viaje c... more El filme no tuvo el éxito esperado pero sí el álbum que Pink Floyd edito producto de este viaje cinematográfico: “Obscure by clouds” en 1972. Ante la crítica, este álbum representa uno de los mejores pasajes sensoriales en la nueva etapa del grupo rockero. La psicodelia hizo su trabajo como materia prima. Al abonar a las secuencias del filme un matiz acaso místico y poco explorado en el cine de la época. A la manera del documentalista Jean Rouch, Schroeder y su legendario cinefotógrafo Néstor Almendros ficcionalizan a los exploradores adentrándolos a la vida cotidiana de las tribus de Nueva Guinea. Aquí se mezcla el idílico manifiesto hippie del amor carnal y sexual bajo el estado de los alucinógenos: la historia contrapone el mundo moderno y el mundo antiguo bajo la analogía melódica de los sonidos etéreos.
Pocas veces la buena televisión contemporánea ha podido abordar de buena forma los temas universa... more Pocas veces la buena televisión contemporánea ha podido abordar de buena forma los temas universales del hombre. Esa materia prima que todo artista emplea para expresar sus ideas sobre el entorno que lo rodea. La nostalgia podría ser uno de ellos. Aquí el creador de la serie Black Mirror, Charlie Brooker construye una paradisiaca ciudad llamada San Junipero donde relata una historia de amor entre dos chicas: Gugu Mbatha-Raw (Kelly) y Mackenzie Davis (Yorkie) quienes se conocen entre la ciencia bajo la era tecnológica futurista y la nostalgia, un pasado lleno de referentes icónicos de los ochentas y su cultura pop.
Qué existe ahora en la narrativa de Koreeda que no se haya visto en la vasta filmografía del gran... more Qué existe ahora en la narrativa de Koreeda que no se haya visto en la vasta filmografía del gran pensador nipón [Ozu]. Tal vez preservar la trascedencia de emplear historias familiares con un estilo naturalista y casi de corte documental. Sus historias han mostrado la versatilidad de conflictos en las diversas tramas intimistas, donde niños (en especial estos personajes) como madres y padres nos han llevado a experimentar fuertes conflictos emocionales en su obra. Hirokazu ahora, retoma el manga de Akimi Yashida (un fiel seguidor de este autor) y adapta su obra homónima al filme: Umimachi Diary (Nuestra pequeña hermana), que relata el encuentro de las tres hermanas Koda: Sachi, Yoshino y Chika con su medio hermana adolescente: Suzu Asano.
Mitsuha una chica pueblerina sueña con el amor de un guapo y joven chico. En sus fantasías se vin... more Mitsuha una chica pueblerina sueña con el amor de un guapo y joven chico. En sus fantasías se vincula con la vida de Taki, que vive en el centro de Tokyo. En sus sueños y al intercambiar sus vidas y cotidianidades, la película pareciera que reitera un explotado “conflicto” de las comedias románticas. Sin embargo, Shinkai no lo desarrolla de manera superficial sino complejiza los conflictos de cada protagonista y teje la trama con ciertos vacíos en el guión; tal vez esto desata el interés del público occidental por su incomprensión.
"Ruby Sparks": la comedia se torna drama en la fórmula anti-romántica, 2012
Desde la lejana "Little Miss Sunshine" el debut de los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris... more Desde la lejana "Little Miss Sunshine" el debut de los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris mostraron una veta interesante y alternativa del cine actual norteamericano cuyo destino fílmico, lejos de la meca hollywoodense, desarrolló una espléndida narrativa contemporánea cercana a los ideales del legendario Cassavettes. Con "Ruby Sparks" y su joven protagonista, el novelista exitoso Calvin Weir-Fields (Paul Dano) abordan el habitual conficto romántico: la relación de pareja.
"Drifters"/"Leviathan": del tiempo poético al tiempo sonoro del documental, 2012
Han pasado más de setenta años desde que Grierson, padre del documental había bosquejado uno de l... more Han pasado más de setenta años desde que Grierson, padre del documental había bosquejado uno de los pensamientos más vanguardistas en el terreno del lenguaje documental, ahora con la celeridad de la imagen en movimiento que ha marcado la tecnología y sus dispositivos móviles, no es raro pensar que las nuevas facturas de grabación de imagen en movimiento determinan las texturas y los nuevos lenguajes en el cine digital.
We are the best![Vi är bäst!]: punk rock y la comedia sueca, 2012
A inicios de la década de los ochentas, el punk rock británico de los Sex-pistols se consagraba a... more A inicios de la década de los ochentas, el punk rock británico de los Sex-pistols se consagraba alrededor del mundo, gracias la herencia musical de The Kinks, The Kingsmen y The Who, el rock nutrió las esferas del punk y sus subgéneros, que en muchos casos, doto de ideología de izquierda, anticapitalista y politizada a las bandas que terciaron sus riffs
METALHEAD [MÁLMHAUS]: detrás del heavy metal en el nuevo cine islandés, 2015
Ragnar cobra notoriedad en el mundo del séptimo arte y la televisión islandesa con su trilogía se... more Ragnar cobra notoriedad en el mundo del séptimo arte y la televisión islandesa con su trilogía seriada sobre tres antihéroes llamada Næturvaktin (Turno de Noche) que gira en torno a la vida de tres empleados que trabajan en una estación de gasolina en Laugavegur, en Reikiavik. El supervisor Georg Bjarnfreðarson (Jón Gnarr, Alcalde de Reikiavik) es un excéntrico personaje, admirador de Suecia y su cultura y un comunista devoto. Ólafur Ragnar (Pétur Jóhann Sigfusson) es un empleado veterano, un tipo bastante simple y bien intencionado que quiere triunfar en el negocio de la música. Daniel (Jörundur Ragnarsson) acaba de abandonar sus estudios de medicina y recién empezó a trabajar en la estación. Es más bien tímido e introvertido y sufre de depresión.
Klip, 2012 (Maja Milos): la violencia distante de lo grotesco, 2012
La verdadera violencia es mucho más impresionante de lejos: una pelea en la calle es más violenta... more La verdadera violencia es mucho más impresionante de lejos: una pelea en la calle es más violenta que todo lo que vemos en el cine americano. BERTRAND BLIER
Mexican fémina: el racismo en la comedia romántica y la esclavitud de la piel [Parte II], 2016
depresión de los años treinta que sucedía en los Estados Unidos, el subgénero del screwball comed... more depresión de los años treinta que sucedía en los Estados Unidos, el subgénero del screwball comedy situaba a los personajes hombre y mujer, bajo una trama cómica focalizando su atención en el tema amoroso. Aquí los espectadores se mantenían al hilo de los enredos y las peripecias entre ambos para estar finalmente, juntos y enamorados. Estas películas mantenían un objetivo importante: llevar un mensaje positivo y esperanzador ante la evidente decadencia económica que se vivía en la época, así nace el género de la comedia romántica en el cine. Con el paso del tiempo, este discurso fue evolucionando y creando maneras más contrastantes en la trama amorosa, tanto por el avance de los valores sociales desde los setentas con la psicodelia, el hippismo como la emancipación de la mujer ante las relaciones afectivas menos conservadoras. Más tarde, llega el cambio de percepción sobre la independencia de la mujer de los años noventas. Con la transición de siglo, la soltería del macho alfa o el hombre lleno de hijos ayuda a comprender a la mujer sola y madre de familia del mundo contemporáneo. Las ficciones americanas comienzan a urgar en tramas donde la belleza de la mujer bella y exitosa, se empieza a alejar de la presencia del hombre. Ahora algunas de estas películas logran reinventar la misma historia de amor con sus actualizaciones de género, narrativas actuales donde no sólo los jóvenes o teenagers son parte del mercado meta sino los adultos jóvenes enmarcan nuevas historias que focalizan sus problemas amorosos en cuerpos bellos y tonificados como son los actores del mainstream del cine comercial. En este sentido, 500 days of summer (2009) de Marc Web con guión de Scott Neustadter y
Mexican fémina: el racismo en la comedia romántica y su mitología de masas, 2016
nos habla de la mujer como El bello sexo (La tercera mujer, Anagrama. 2006) este concepto alude a... more nos habla de la mujer como El bello sexo (La tercera mujer, Anagrama. 2006) este concepto alude a una idiosincrasia milenaria donde los aspectos faciales, corporales y sociales fueron evolucionando desde la prehistoria hasta el siglo XXI. En este ensayo analiza desde la construcción de la mujer en las primeras civilizaciones mediante figuras talladas, luego con la imagen satanizada por su belleza durante la edad media hasta la revolucionaria femineidad de la mujer libre y trabajadora con la modernidad. Sin embargo, en nuestro tiempo la mujer ha sido objeto de violencia de muchas formas como en diversas latitudes del mundo. La religión, las normas culturales y la cultura de la imagen han contribuido a distorsionar la representación de la mujer contemporánea. Así el bello sexo de los medios de comunicación se encuentra más que alejado de la realidad.
La comedia romántica mexicana. De estereotipos, sororidad y nuevas masculinidades. REVISTA_ENPOLI, 2021
La comedia romántica mexicana. De estereotipos, sororidad y nuevas masculinidades [parte II] En M... more La comedia romántica mexicana. De estereotipos, sororidad y nuevas masculinidades [parte II]
En México, con el sexenio de José López Portillo aparecieron dos películas icónicas que dieron origen al cine de ficheras, el “Tívoli” (1974) de Alberto Isaac, con Alfonso Arau, Lyn May y Carmen Salinas, donde se retrata la vida nocturna del teatro de revista Tívoli. “Bellas de noche” (1975) de Miguel Delgado, con Sasha Montenegro y Jorge Rivero, muestra la vida nocturna del cabaret y el vedetismo. Ambos filmes se consideran pioneros en los argumentos urbanos donde la comedia, el amor y el sexo se verían reflejados en una industria que explotaba a la mujer como objeto sexual. Para los ochenta, este género degradó el clásico cine de rumberas a la bien conocida “sexicomedia mexicana”.
La telenovela y la educación sentimental del prieto mexicano., 2021
La telenovela mexicana idealizaba al “amor” siempre entre dos bellos protagonistas, que dependían... more La telenovela mexicana idealizaba al “amor” siempre entre dos bellos protagonistas, que dependían de librar diversos conflictos, astutamente establecidos para mantener a la audiencia fiel a la trama y, por supuesto, generando ganancias económicas para los anunciantes y Televisa. Sus historias se desarrollaban con elementos dramáticos traídos de la comedia con matices melodramáticos. La trama se desarrollaba principalmente por la lucha del poder económico, armados a base de torpes triángulos amorosos, con ridículos enfrentamientos de clase social de pobreza dramática en los diálogos, que regularmente, explotaban el clasismo y el racismo de ricos contra pobres.
Halley: la soledad y la muerte por Aarón de la Rosa © Publicado en revista operación marte 2016 N... more Halley: la soledad y la muerte por Aarón de la Rosa © Publicado en revista operación marte 2016 No hace mucho hablar de cine de terror en México era cosa rara pues no había una tradición reciente de cineastas que abordaran este tema. Además la cuota de películas realizadas en los últimos cinco o seis años no prevalecía una afición para este tema, salvo en años recientes con los festivales como Morbido o Macabro. También la carga a espaldas, que implica financiar uno de los géneros fílmicos más caros de producir, es parte fundamental de las complicaciones que se enfrenta quien se enamora y apasiona por contar una historia con temática de horror. A esto hace algunos años apareció Halley (2012) de Sebastián Hofman una de las propuestas filmicas más experimentales y existencialistas del cine mexicano. Tuvo gran repecursión en algunos festivales internacionales, lo que le valio gran atracción de nuevos espectadores alrededor del mundo, y de alguna forma el público mexicano también volteo los ojos a mirar una película que contaba la muerte de un antihéroe, un vigilante de un gimnasio cuya putrefacción en vida se ilustraba desde la cotidianeidad de nuestra inmensa e indiferente ciudad de México. Cosa fácil de describir en estas líneas pero que el filme guarda un mil de lecturas interpretativas por su naturaleza narrativa abstracta y simbólica del montaje. A diferencia de 007 Spectre (2015) de Sam Mendes donde la idea de la muerte se aborda colateralmente bajo la festividad del día de muertos y esto, sólo como parte del contexto del emblemático espía de la saga fílmica. Para el reciente cine mexicano el terror se desarrollo entre los remakes de películas clásicas y las nuevas posturas narrrativas como Kilometro 31 (2006) de Rigoberto Castañeda. Sin embargo es interesante pensar que en una época donde los zombies (como antes lo fue el cine asiático) son sinónimo de la muerte y su sociedad la narrativa donde se aborda el terror cinematográfico. El resultado es una expresión cultural que arraiga ideologías tanto de los países como de los realizadores que las cuentan. Por ello, qué hace de Halley una versión filmica acerca de la cosmovisión mexicana de la muerte en nuestros días. La naturaleza abstracta hace su mejor apuesta cinefotográfica, además su atractiva postura estética podría interpretarse como una forma autoral de observar el mundo que vivimos los mexicanos de la capital: la cotidianeidad de una muerte permanente. La muerte es un leitmotiv dramático atendida en el protagonismo de un Alberto enclenque, cansado de la vida, que a lo largo del largometraje evidencia una apatía y desolación de vivir. Los aspectos abstractos se basan tanto en los planos detalles de las moscas, los frascos donde Alberto pone las insectos que se pegan en su cuerpo producto de su putrefacción, las atmósferas urbanas del metro y el gimnasio donde trabaja cuya pesadumbre de ser vigilante. Esto contrasta con los asistentes que cultivan la belleza y la voluptuosidad del cuerpo. Es aquí donde se nos permite conocer una imagen sobria, llena de flares o halos de luz natural en el cuadro. La quietud y le silencio de las escenas abonan a la poca movilidad de cámara y esto da una armonía que causa extrañeza. Por ende, este simbolismo que podría carecer de conclusiones determinadas deja al espectador en una continua sensación de entender las acciones del protagonista. Lo simbólico es parte de las relaciones que se emplean entre el guión y el diseño de construcción del personaje tanto por relatarnos cómo es que un hombre cualquiera en la ciudad de México, muere en vida y su cuerpo se va descomoponiendo en una indiferencia total de su entorno. A esto la soledad de las secuencias son una representación metafórica de la sensación que muchos sentimos en la levedad del día a día y por ello, esta película contrasta al género del horror hollywoodense por
Wild (2016) Dir. Nicolette Krebitz Entre Bertrand Rusell y la nueva ola de cine alemán por Aarón ... more Wild (2016) Dir. Nicolette Krebitz Entre Bertrand Rusell y la nueva ola de cine alemán por Aarón de la Rosa © Publicado en Operación Marte revista digital 2016 En 1959 John Freeman tiene una cálida entrevista con el gran filósofo Bertrand Rusell para la BBC de Londres. Al final de esta conversación se le cuestiona al maestro Rusell, qué analogías de vida posee y quisiera dejar a la posteridad del hombre, digamos para unos cientos de años después. A lo cual, Bertrand secunda con una enigmática respuesta: desde la moral, debemos considerar los hechos existentes y no, los que conjeturamos que nos vendrían bien o de algún beneficio para nuestra vida. Desde lo intelectual es más simple, advierte, el amor es de sabios y el odio es de tontos. Rusell afirmaba que en un mundo donde vivimos cada vez más interconectados queda implícito aprender cualquer tipo de caridad o tolerancia para que en el planeta siga existiendo la raza humana. En estas sencillas palabras, se esconde una reflexión poco explorada en nuestros días por el cine contemporáneo desde los rodajes de Pasolini, Tarkovski o Fassbinder. Aquí reside una de las desoladoras búsquedas narrativas que nos presenta la bella actriz y cineasta alemana Nicolette Krebitz: la intolerancia. Su filme Wild (2016) metaforiza en su protagonista Ania, la gran interrogante que poco pensamos: en qué momento la posmodernidad de la tecnología, la soledad entre el tumulto de las grandes ciudades, la frivolidad de las relaciones hipócritas nos han dejado en la intolerancia y la apatía hacia lo más sencillo de la vida: el amor a la naturaleza y sus animales. Bertrand asumía a su entrevistador, entre líneas, que la intolerancia era un símil de la posible decadencia del hombre en el planeta tierra. Wild se inserta en una de las betas cinefotográficas y narrativa muy cercana al llamado extremismo social europeo, que ha caracterizado al cine experimental de corte documental o de arte en las última décadas de la cinematografía mundial. De colores opacos y sobrios, lleno de flares de luz incidental de los exteriores. La propuesta visual de este filme, se acerca a la descripción naturalista sin muchos movimientos de cámara. Esto contrasta muy bien con la experimentación de la puesta en escena de muchas de las secuencias de Ania. Para Krebitz su historia se centra en una antihéroe, personaje hermoso y complejo, llevado a escena por la actriz Lilith Stangenberg. Aquí, describe su personaje bajo una cotidianeidad sin padres cuya joven y alocada hermana le ha dejado el departamento por irse a vivir con el novio; su abuelo se encuentra hospitalizado. En una desoladora rutina de secretaria de un posible creativo de marketing. Éste la acosa y la hostiga laboralmente. Su vida transcurre entre la apatía de la rutina y la hipocresía de sus compañeros de trabajo. Ania representa el hombre posmoderno que alguna vez, todos padecemos. El giro de la historia comienza cuando Ania observa, de camino al trabajo, la presencia de un lobo. Aquella figura animal que muchas culturas europeas como la noruega, que la ha respetado en muchas expresiones artísticas. Le ha servido a Krebitz como leit motiv para desarrollar una reflexión del hombre industrializado frente al hombre salvaje. ¿Qué hace de este conflicto para Ania una epifanía trascendental de su pobre y miserable existencia?: la infelicidad. En las primeras páginas de La conquista de la felicidad (1959) Bertrand Rusell escribe que la infelicidad de los hombres sucede por la celeridad de la vida, llena de osbtáculos y prisas. En este sentido, a través de Rusell pensamos que los hombres padecen de la infelicidad de vivir al filo de obtener un bienestar material, nunca satisfecho por al trabajo cotidiano. Pues nunca se detienen a admirar la naturaleza viven en el anonimato del tumulto citadino y enamorados por su propio narcisismo
Fúsi (2015): entre Islandia y la montaña virgen por Aarón de la Rosa © Publicado en Operación Mar... more Fúsi (2015): entre Islandia y la montaña virgen por Aarón de la Rosa © Publicado en Operación Marte revista digital 2015 Islandia dejo ser un país de filmes menores con producciones que sólo se conocían en los festivales de cine dentro del medio cinematográfico mundial. Junto a cineastas, empedernidos críticos y periodistas del séptimo arte mundial salen a flote, entre tumultos hollywoodenses, por reseñas breves y críticas de algunos medios. Sin embargo, en años recientes algunas producciones como la ovacionada Metalhead (2013) de Ragnar Bragason, que además dividió pareceres con su atípico drama de una chica que se vuelve metalera tras la muerte de su hermano como la gran ganadora en la categoría "Un certain Regard" en Cannes, Rams (2015) de Grímur Hákonarson cuyo drama relata la vida de dos hermanos enemistados por más de cuarenta años que se unen para salvar su rebaño y con él sus diferencias. Entre muchos otros filmes, Islandia y sus realizadores han cobrado auge, cosechado críticas benevolentes gracias a su narrativa de cortes directos e historias simples. Islandia rejuvenece el panorama de un cine no comercial, muchas veces repetitivo, con interesantes narrativas que adquieren relevancia por su apuesta a la dirección de actores y la grandiosa escritura de sus guiones. Fúsi de Dagur Kári, la gran revelación del Tribeca Film festival del 2015, gana tres preseas: la de "mejor actor" para Gunnar Jónsson, como "mejor guión" y "mejor película". Filme de corte naturalista y a veces pesado hace preguntarnos, qué hace trascendente la historia de un hombre de cuarenta años, tímido y con sobrepeso cuya vida al lado de su madre refleja un miedo a madurar. Dagur Kári joven islandés de origen parísino egresa de la National Film School de Dinamarca. Con su debut cinematográfico Noi, el albino (2003) tuvo gran repercusión desde hace más de diez años, esta tragicomedia retoma la soledad del chico Noi, que vive en un valle alejado de Islandia cuya trama desarrolla la vida monótona de un joven que pasa sus días en un sobrio pueblo casi fantasma. Más tarde con Dark Horse (2007) mantiene su fijación con los personajes jóvenes, retoma la rebeldía en el artista Daniel, que trabaja pintando declaraciones de amor en las paredes de Copenhage libre de responsabilidades, hasta conoce a la joven Franc. Con mediana recepción en la crítica especializada, The good heart (2009) cuya coproducción con Estados Unidos une a Kari con Nueva York. Mantiene la comedia dramática y en Brooklyn, desarrolla la historia de Lucas, un vagabundo y al viejo Jacques, quien tiene los días contados por su quinto infarto al corazón, se conocen en el hospital que es propietario de un bar que deben sacar adelante. Lucas ayuda a Jacques en el bar, con el tiempo crece su amistad hasta la llegada de la joven April que los confronta.
Netflix y la pandemia. La prisión del streamimg americano parte III, 2021
Netflix y la pandemia. La prisión del american streaming [Parte III] Por Aarón de la Rosa PUBLICA... more Netflix y la pandemia. La prisión del american streaming [Parte III] Por Aarón de la Rosa PUBLICADO EN REVISTA ENPOLI 16 FEBRERO 2021 [http://www.enpoli.com.mx/cine/netflix-y-la-pandemia/] Durante los primeros años del siglo XXI, gracias a los avances digitales del internet se van transformando los hábitos de consumo de series y películas. La industria de la televisión americana cambiaría su modo de ofrecer productos audiovisuales. No solo con el broadcasting (televisión abierta) y el narrowcasting (televisión temática) sino la oferta se inclinaría por el consumo digital en dvd y blueray como al crecimiento de páginas web. Por otra parte, la economía de los estudios y los profesionales del medio, se nutrirían de nuevos formatos de venta para los anunciantes, desde diferentes nichos de mercado. Más tarde, con el nacimiento de las redes sociales cambiaría el paradigma de la publicidad televisiva con el marketing en redes sociales. No obstante, estos cambios fueron paulatinos y permitieron a algunas de las principales majors de la industria americana (ABC, CBS, NBC, HBO, FOX entre otras) apostar por nuevos formatos televisivos. Aunado a la necesidad de contar historias innovadoras con mezcla de los géneros clásicos. Habría una tendencia que daría fe a temáticas acordes a los cambios históricos, sociales y culturales que se vivían en Norteamérica como en algunas partes del mundo. En los primeros cinco años del nuevo milenio, las fronteras de distribución de contenidos audiovisuales se volvía más inmediata y global. La tradicional cita del "appointment tv" afianzada en los noventa desaparecería. El formato del dvd sería reemplazado por el hd dvd y luego por el blue-ray. También los avances digitales en la creación de pantallas caseras, para mantener los formatos nativos de filmación expresaban la necesidad de ofrecer mayor calidad visual para el televidente. Sin embargo, en Hollywood empezaba la guerra ideológica por la naciente industria del cine digital. Es el 14 de febrero de 2005 tres ex-empleados de la compañía de cobro digital Paypal: Steven Chen, Jawed Karim y Chad Hurley crean youtube como un portal online, para que la gente suba sus videos amateurs y sea consumido por una audiencia global. Al año siguiente es adquirida por la empresa Google por 1,650 millones de dólares. Gracias a youtube se abre un nuevo canal de consumo de contenido audiovisual casero desde computadoras, laptops y teléfonos
¿Cómo nace Netflix? Detrás del streaming americano II, 2020
¿Cómo nace Netflix? Detrás del american streaming [Parte II] Por Aarón de la Rosa © PUBLICADO EN ... more ¿Cómo nace Netflix? Detrás del american streaming [Parte II] Por Aarón de la Rosa © PUBLICADO EN REVISTA ENPOLI 19 NOVIEMBRE 2020 [http://www.enpoli.com.mx/cine/como-nace-netflix/] Durante la última década del siglo XX la industria de la televisión recibió al internet en los medios de comunicación. A mediados de los noventa, el desarrollo y cobertura de este servicio tendría una considerable expansión en los países desarrollados, sobre todo por la aparición de computadoras portátiles y páginas web donde se compartiría todo tipo de información. Mientras esto sucedía, la empresa Netflix se abría camino en el servicio de alquiler de dvd´s con el objetivo de ganarle mercado a Blockbuster. La industria del entretenimiento transformaba sus formatos televisivos y con ello, migraba del vhs al dvd, se abría una beta económica importante para los estudios y productoras, que buscaban expandir el consumo de sus historias y los estereotipos a una audiencia de escala global. Con el cambio de siglo, se auguraba un alcance mayor de la hegemonía ideológica de la televisión, pues desde el star system hollywoodense, la industria del entretenimiento tendría nuevos protagonistas que marcarían la transición al nuevo milenio. La tercera edad de oro: del sitcom a los dramas cinematográficos En mi artículo anterior señalé varios detalles de la primera y la segunda edad de oro de la televisión, cabe destacar que gracias a los cambios formales y tecnológicos de los medios de comunicación, nace la tercera edad de oro, que según Cornejo Stewart, vivimos hasta nuestros días con la consagración de las plataformas de streaming de la era digital. Uno de los puntos más notorios pudimos observar en las eras de la televisión el desarrollo de producciones televisivas, que desde finales de los cincuenta, pasaron de las adaptaciones literarias a los dramas médicos, de las primeras
¿Porqué existe Netflix? Detrás del streaming americano, 2020
¿Porqué existe Netflix?, detrás del streaming americano [Parte I] Por Aarón de la Rosa © PUBLICAD... more ¿Porqué existe Netflix?, detrás del streaming americano [Parte I] Por Aarón de la Rosa © PUBLICADO EN REVISTA ENPOLI 29 OCTUBRE 2020 [http://www.enpoli.com.mx/cine/por-que-existe-netflix/] En los últimos veinte años la industria del entretenimiento audiovisual transformo su formato de distribución de manera global. Ahora con los avances tecnológicos y con la actual pandemia del covid-19, que aqueja la salud pública del mundo, se consolidó con el streaming digital, el consumo de series y películas en los dispositivos portátiles como televisiones inteligentes liderado por la empresa Netflix entre otras. La creación de nuevos formatos audiovisuales comenzó a mutar durante la primer década del siglo XXI, gracias al nacimiento de las redes sociales en video con youtube y vimeo, las cuales, fueron la antesala para la era digital de la plataformización de la industria del entretenimiento. Netflix nace como una empresa especializada en alquiler de dvd´s a fines de los noventa, para fines del dos mil diez se volvió una de las mayores generadoras de productos audiovisuales a escala global. A consecuencia, la competencia no se hizo esperar con Hulu, Amazon prime, HBO Go, Plutotv entre otras. Ahora los creadores se enfrentan a un contexto histórico, político, económico y social de cambios constantes, producen para un público que demanda diversos productos audiovisuales. Sin embargo, a costa de un monopolio ideológico donde Netflix, parecería la punta de lanza de una nueva era que está transformando la industria del entretenimiento. En los últimos años, muchas de sus producciones han obtenido reconocimientos importantes en festivales como Cannes, Oscar, Globos de Oro y los Emmy´s entre muchos otros. Si bien las temáticas expresadas en sus series y películas poseen gran relevancia en las audiencias alrededor del mundo. Desde las comedias ligeras, las policiacas, las de romance idealizado, las ciencia ficción innovadora, que se emparejan con los dramas realistas y los documentales de denuncia histórica como de exploración social. ¿Será el nacimiento de una nueva ideología hegemónica, que se contrapone a los intereses