Louis-Paul Willis | Université du Québec en Abitibi-Témiscamingue (original) (raw)

Books by Louis-Paul Willis

Thesis by Louis-Paul Willis

La présente thèse étudie l’hypersexualisation des jeunes filles en tant que phénomène culturel co... more La présente thèse étudie l’hypersexualisation des jeunes filles en tant que phénomène culturel contemporain. En mettant à profit une approche conceptuelle psychanalytique et féministe, la thèse tente de comprendre le rôle joué par le regard, le désir et le fantasme dans ce phénomène. S’éloignant volontairement des discours critiques existant sur le sujet, l’objectif est de voir comment le cinéma peut mener son spectateur à confronter les dimensions plus radicales (incestueuse, pédophile et œdipienne) de l’image d’une jeune fille hypersexualisée. Le parcours argumentaire se divise en trois parties. La première partie effectue un inventaire sommaire des études portant sur l’hypersexualisation des jeunes filles. Tout en constatant l’actuelle pornographisation du paysage médiatique contemporain, le lecteur est amené à prendre connaissance de la nature alarmiste et foncièrement iconophobe de ces discours critiques, qui accordent peu d’attention à la dimension fantasmatique du phénomène. ...

Papers by Louis-Paul Willis

Intermédialités, 2022

This paper examines the relation between Stranger Things (Netflix, 2016–) and the omnipresence of... more This paper examines the relation between Stranger Things (Netflix, 2016–) and the omnipresence of nostalgic tropes within current mediascapes. Nostalgia for the 1980s is already a well-examined subject within film and media studies, yet there remains much to say about the ties between nostalgia and desire. As with any desire considered from a psychoanalytic standpoint, nostalgia is focused on an impossible object that is conceived in retrospect. After comparing the object of nostalgia with the functioning of the object-cause of desire as it is conceptualized in psychoanalytic thought, this paper argues that the nostalgic desire expressed within the series is situated around the very shift from the analog to the digital. It is argued that nostalgia within Stranger Things emerges from the remediation of analog media and technologies, and that its relation to desire emanates from the very lack that is retrospectively situated at the heart of digital media.

Cygne noir, 2020

Le rapport entre la théorie du cinéma et la psychanalyse demeure trouble, tant sur le plan concep... more Le rapport entre la théorie du cinéma et la psychanalyse demeure trouble, tant sur le plan conceptuel qu’épistémologique, et ce, depuis les toutes premières études psychanalytiques du cinéma. Ce rapport se trouve complexifié par des avancées distinctes dans les cercles savants francophones et anglophones. Voulant faire le pont entre les réflexions françaises et anglo-saxonnes, cet article se propose de relire les fondements de l’ouvrage Le signifiant imaginaire en articulant les enjeux soulevés par Christian Metz aux relectures lacaniennes offertes par des penseurs contemporains tels que Joan Copjec, Todd McGowan, Elizabeth Cowie et Slavoj Žižek – des penseurs qui prennent acte de certaines lacunes largement présentes dans la théorie des années 1970. Il en ressort une réflexion voulant repenser le régime de signification opérant au cinéma, puis- qu’à l’époque de Metz, certains concepts lacaniens (le fantasme, le désir, l’objet a, le Réel) demeuraient absents des discours théoriques en études cinématographiques. Il s’agira donc de redéfinir le désir spectatoriel en l’articulant à une « réelle » pensée lacanienne, le tout afin de resituer la place du signifiant cinématographique en le liant au rôle du fantasme. De nature avant tout programmatique, cet article ne consolidera pas son propos par le biais d’analyses filmiques, mais s’attardera plutôt à des enjeux théoriques afin de plaider pour l’approche mise de l’avant par l’américain Todd McGowan dans l’ouvrage The Real Gaze. Si le fantasme joue un rôle central dans l’articulation du désir spectatoriel, il nous appartiendra de voir comment ce rôle se rapporte au regard, au Réel et au fameux signifiant cinématographique.

Nouvelles vues, 2019

Résumé Cet article propose une analyse comparée des films Les Bons Débarras (Mankiewicz, 1980) e... more Résumé
Cet article propose une analyse comparée des films Les Bons Débarras (Mankiewicz, 1980) et Tadoussac (Laroche, 2017); les réflexions qu’inspire le premier film servent à l’articuler au deuxième. À travers un parcours conceptuel alliant psychanalyse et féminisme, il s’agit de prendre acte des postures spectatorielles engendrées par Les Bons Débarras et de les mettre en relation avec celles qui se dégagent de Tadoussac, le tout afin d’amorcer une réflexion actuelle sur des films dont le discours propose une remise en question évidente du traitement social et mythologique de la féminité et de la maternité à travers une réécriture du mythe fondateur œdipien.

Abstract
This article offers a comparative analysis of the films Les Bons Débarras (Mankiewicz, 1980) and Tadoussac (Laroche, 2017); the ideas inspired by the first film serve to articulate it with the second. Through a conceptual process combining psychoanalysis and feminism, the article examines the spectatorial postures engendered by Les Bons Débarras and puts them in relation with those which emerge from Tadoussac in order to initiate a current reflection on films whose discourse proposes an obvious questioning of the social and mythological treatment of femininity and motherhood through a rewriting of the Oedipal founding myth.

Génération(s) au féminin et nouvelles perspectives féministes. , Jun 2018

The Philosophy of Christopher Nolan (Eds. Jason T. Eberl & George A. Dunn), 2017

Much has been written on the increasing use of avant-garde narrative and filmic devices within p... more Much has been written on the increasing use of avant-garde narrative and filmic devices within popular mainstream cinema. Indeed, since the mid-1990s, there is a growing complexity within popular film and media production and spectatorship; this complexity seems to indicate a radical shift in spectator expectations with regards to the films they view (and re-view). Along with filmmakers such as Quentin Tarantino, Michel Gondry and Spike Jonze (to name but a few), Christopher Nolan can be seen as one of the main contributors to this tendency within contemporary film production. In this respect his first feature film, Following, seems to set the table for his numerous experiences with film spectatorship. Through various filmic devices, Nolan indeed creates a filmic experience that echoes contemporary tendencies that confront spectators to the various facets of media spectatorship-such as desire, the gaze, and the filmic expression of cultural fantasies. Following can thus be perceived as a prototypical film that demonstrates the filmmaker's wish to engage and provoke us, rather than comfort us in our position as spectators.
Given Nolan's position as a contemporary and engaging filmmaker, as well as the thematic, conceptual and narratological importance of Following within his early career, this paper aims to present a reading of the film articulated around notions of subjectivity and Otherness. Upon tracing the contemporary filmic tendency for complex, multiform and multi-strand narratives that compel viewers to the re-viewing and deciphering of the films they consume, the paper will situate Nolan's first film within this context. Attention will then be drawn on specific aspects of the film's deployment of the gaze, filmic desire, and the ensuing reception grounded around the filmic intrigue's intimate ties to questions of identity and subjectivity. Specific aspects of the film that engage with the spectator's position towards subjectivity and Otherness will be recalled, thus allowing to fully grasp their importance in the process of filmic reception. This proposed reading will be grounded in an overview of recent writings on psychoanalytic film theory, more specifically questions related to desire and its object, as well as the subjective look and its opposition to an objective gaze-questions that have been addressed over the last two decades by thinkers and philosophers such as Joan Copjec, Todd McGowan and Slavoj Žižek. With these concepts made available, the proposed paper's ultimate aim will be to provide an in-depth philosophical understanding of Nolan's attempt to rethink contemporary filmic spectatorship as it is deployed in his first film.

Can Philosophy Love? Reflections and Encounters (Eds Cindy Zeiher and Todd McGowan), 2017

Spike Jonze's Her (2013) problematizes contemporary questions related to desire and the gaze in a... more Spike Jonze's Her (2013) problematizes contemporary questions related to desire and the gaze in an age of growing complexities within the interfacing of desire and its associated fantasies. Indeed, the film invites us to rethink our growing dependence on various interfaces, as well as their impact on our intersubjective relations and their reliance on desire and Otherness. But most of all, through its representation of these questions, it seems to problematize the limits of love on an ontological plane. With this premise in mind, the proposed paper will aim to think Her through its highly unusual depiction of love, desire, and the external gaze that triggers these affects. Grounded in the notion of interface developed by André Nusselder in Interface Fantasy: A Lacanian Cyborg Ontology (2009) and in The Surface Effect: The Screen of Fantasy in Psychoanalysis (2013), I will explore how Her confronts us with a certain form of technological dematerialization of love through the gaze, as Theodor's wish to be seen is obviously unresolvable-at least in a traditional sense. While reading into the film's aesthetic and thematic aspects as they relate to love, desire, and the gaze, the paper's ultimate aim will be to decipher the immanent discourse on the rethinking of the traditional gaze that Jonze proposes.

Everything You Always Wanted to Know about Literature But Were Afraid to Ask Zizek (Ed. Russell Sbriglia)

Parmi les nombreuses références à la philosophie qui se déclinent au sein de son univers narratif... more Parmi les nombreuses références à la philosophie qui se déclinent au sein de son univers narratif, Lost est notamment traversé par une thématique prédominante pouvant être rattachée à la pensée de Michel Foucault, la dynamique du regard et de la surveillance marquant l’un des aspects les plus notoires de la série. Les thèmes propres au panoptisme et aux sociétés disciplinaires fondent effectivement plusieurs pans cruciaux de l’intrigue, et plusieurs analyses de la série en font aisément la démonstration. Cet article se propose pour sa part d’examiner les répercussions spectatorielles liées à cette thématique, qui traverse les six saisons de Lost, en tissant des liens entre le regard panoptique et le regard dans sa conception psychanalytique, élaborée par Jacques Lacan. En analysant ces deux regards déployés au champ de l’Autre, il est ensuite possible d’aborder Lost comme un discours télévisuel qui explore la nature même de l’existence subjective à l’ère du panoptisme. En explorant l’importance et le déploiement de ces concepts dans la série, il s’avère possible de constater la radicalité qu’elle articule autour de la notion de l’altérité, ainsi que son expression par le biais de la médiation du regard.

De nombreux auteurs ont souligné la coïncidence entre la naissance de la psychanalyse et celle du... more De nombreux auteurs ont souligné la coïncidence entre la naissance de la psychanalyse et celle du cinéma. Comme le rappelle Barbara Creed (1998, p. 77) : « Psychoanalysis and the cinema were born at the end of the nineteenth century. They share a common historical, social, and cultural background shaped by the forces of modernity. » Au fil des décennies, et à mesure que l'étude du cinéma a pris de l'importance, les discours critiques et théoriques se sont naturellement tournés à plusieurs reprises vers la psychanalyse afin de mieux comprendre l'expérience qu'offre le cinéma à son spectateur. Or, on ne retient généralement de la psychanalyse du cinéma que son orientation lacanienne, née au cours des années 1970 -moment où certains penseurs se tournent résolument vers les réflexions de Jacques Lacan, dont le séminaire annuel vise à relire Freud à la lumière du structuralisme (Saussure, Lévi-Strauss, Jakobson 1 ). Ce courant lacanien prend de l'ampleur, produisant des réflexions théoriques qui présentent le cinéma comme un « dispositif » idéologique (Baudry 1975) façonnant un « signifiant imaginaire » (Metz 1977) où le spectateur -par ailleurs considéré comme foncièrement masculin, guidé par un voyeurisme lui fournissant un « plaisir visuel » objectivant (Mulvey 1975) -se pose dans le cadre d'une dynamique identificatoire comme sujet « toutpercevant » (Metz 1977). Au coeur de cette théorie lacanienne du cinéma se manifeste l'influence de ce que Lacan (1949) a appelé le « stade du miroir » ; ce concept relatif à la formation du moi par le biais de l'image spéculaire suggère qu'au moment où l'enfant se perçoit dans le miroir, sa vision lui permet d'imaginer une maîtrise qu'il ne possède pas encore sur son corps ; les théoriciens lacaniens du cinéma ont largement fondé leur approche sur cette dimension imaginaire de la spectature filmique 2 , voyant le dispositif cinématographique comme une illusion servant à rendre invisible la structure symbolique (et idéologique) sous-jacente. Bref, la psychanalyse de Lacan joue un rôle central dans la

Alors que le cinéma pornographique a longtemps existé en marge — et souvent à l’insu — du... more Alors que le cinéma pornographique a longtemps existé en marge — et souvent à l’insu — du cinéma et de la culture popu- laires, les frontières entre ces univers tendent aujourd’hui à s’ef- friter et à se perméabiliser, de sorte qu’on assiste à l’envahisse- ment de plusieurs discours visuels par des codifications propres à la pornographie. Prenant ce contexte culturel comme point de départ, cet article aborde la monstration du désir au sein de l’érotisme cinématographique — ce que Linda Williams (1989) appelle « la frénésie du visible » — à partir de l’idée selon laquelle la logique culturelle pornographisante se trouve aux prises avec le problème de ne jamais pouvoir en montrer assez. En relisant le propos foucaldien formulé par Williams dans la perspective d’une logique lacanienne contemporaine, l’auteur examine ces enjeux à travers l’analyse des films Shame (La honte, Steve McQueen, 2011) et La vie d’Adèle (Abdellatif Kechiche, 2013). Il s’agit ultimement de montrer comment le rapport entre le désir, le fantasme et la pornographisation culturelle peut être (re)pensé dans le contexte d’une spectature cinématographique contemporaine.

This paper aims to propose a tentative consolidation of Baudrillardʼs notion of the Real as that ... more This paper aims to propose a tentative consolidation of Baudrillardʼs notion of the Real as that which is inaccessible through its status as always-already reproduced, and Žižekʼs development of Lacanʼs notion of the Real as that which resists symbolic signification and imaginary representation. While both notions (as well as their authors) bear obvious variances, they also share similarities insofar as they designate an unapproachable beyond that can only be apprehended in retrospect. Through the analysis of The Matrix and its criticized ties to Baudrillardʼs ontological stance on simulacra and simulation, that I tie to a Žižekian ontology, I venture a Baudrillardian/Žižekian/Lacanian frame that is then used to discuss The Thirteenth Floor, a film that appears much more radical in its problematization of the Real. By proposing a parallel conception of the Real through Baudrillard and Žižek, the aim of this paper is first and foremost the opening of Žižekian media studies to Baudrillardʼs theoretical framework.

La quadrilogie Alien a déjà fait l’objet de nombreux constats, notamment en lien avec la forte sy... more La quadrilogie Alien a déjà fait l’objet de nombreux constats, notamment en lien avec la forte symbolique sexuelle qui traverse les films. On peut aisément y déceler des conflits à teneur psychanalytique, plus spécifiquement entre la figure de la mère abjecte et l’ordre symbolique patriarcal, tout comme entre les archétypes parentaux et leurs spécificités – l’ordinateur du Nostromo (Mother) et celui du USM Auriga (Father) fournissent des exemples intéressants ici. À travers une lecture plus typique alliant psychanalyse et féminisme, la quadrilogie apparaît d’emblée comme une confrontation entre le monde structuré et aseptisé de l’homme et celui, organique et instinctuel, de la femme; cette confrontation se déroule autour et à travers le personnage de Ellen Ripley, qui se pose alors comme la quintessence du héros féminin, menant de front le récit et l’action des quatre films à travers une temporalité qui s’étire au-delà de 250 ans.

La lecture proposée de la série Alien visera à examiner ce positionnement de Ripley comme héros féminin au sein des nombreux conflits de nature psychanalytique qui parsèment le discours des films. Tout en poursuivant les réflexions brièvement évoquées ci-haut, la lecture proposée s’attardera donc plus longuement au déploiement du héros féminin : il sera question de voir comment les notions de regard et de désir cinématographiques sont réorganisées lorsque le héros d’une saga de l’envergure de Alien est campé dans un personnage féminin. Si la lecture proposée aura recours aux quatre films, elle s’attardera néanmoins plus longuement au premier (Scott, 1979) et au dernier (Jeunet, 1997), qui fournissent des pistes de réflexion plus poussées sur les questions de l’abjection, du corps maternel horrifiant, et de l’autorité du Nom-du-Père qui est sérieusement ébranlée par Ripley. L’approche théorique puisera avant tout dans la psychanalyse lacanienne et le féminisme, tout en gardant à l’esprit les spécificités de ces approches en lien avec les études filmiques.

This article aims to put forward possible reflections on the role of metalepsis within the growin... more This article aims to put forward possible reflections on the role of metalepsis within the growing narrative complexity manifested in contemporary mainstream cinema. As a trope largely discussed inside the field of narratology, the study of metalepsis within the field of film studies is somewhat rare, despite its important role in the elaboration of complex narrative strategies developed by avant-garde cinema, and gradually recuperated by mainstream cinema. Therefore the goal of this article is twofold: firstly it aims to define characteristics and manifestations of metalepsis within the cinema; it then also tries to establish the pertinence of a cinematic study of metalepsis, as well as its (sometimes) problematic relation to reflexivity.

Flyer for the paperback edition of Zizek and Media Studies: A Reader - out November 5th, 2015.

Dans un contexte culturel marqué par l’exploration constante des tabous au sein des discours médi... more Dans un contexte culturel marqué par l’exploration constante des tabous au sein des discours médiatiques, il paraît crucial de s’interroger sur la relation du spectateur avec les fantasmes transmis par le paysage médiatique contemporain. Dans cette optique, le présent article propose deux types de cinéma qui se distinguent par le rapport qu’ils entretiennent avec le fantasme : le cinéma fantasmatique, typiquement réactionnaire et idéologique, et le cinéma analytique, qui génère une forme radicale de spectature par le biais de la traversée des fantasmes qu’il met en scène. Après avoir étayé cette distinction par le biais d’un recentrement autour de notions lacaniennes contemporaines issues des études cinématographiques et médiatiques, l’article se tourne vers une analyse du film American Beauty (Mendes, 1999) afin de démontrer la capacité du cinéma de générer une spectature analytique fondée sur la traversée du fantasme culturel de la jeune fille hypersexualisée.

Zizek and Media Studies: A Reader

Intermédialités, 2022

Cygne noir, 2020

Nouvelles vues, 2019

Génération(s) au féminin et nouvelles perspectives féministes. , Jun 2018

The Philosophy of Christopher Nolan (Eds. Jason T. Eberl & George A. Dunn), 2017

Can Philosophy Love? Reflections and Encounters (Eds Cindy Zeiher and Todd McGowan), 2017

Everything You Always Wanted to Know about Literature But Were Afraid to Ask Zizek (Ed. Russell Sbriglia)

Flyer for the paperback edition of Zizek and Media Studies: A Reader - out November 5th, 2015.

Zizek and Media Studies: A Reader

In today’s highly sexualized visual culture, the young girl as object of desire has become ubiqui... more In today’s highly sexualized visual culture, the young girl as object of desire has become ubiquitous, resulting in a decidedly questionable and problematic fantasy of femininity. In this context, the following paper aims to question the fantasy of girlhood as it is conveyed by certain contemporary popular films, while at the same time approaching the topic from the perspective of contemporary Lacanian film studies. As such, focus is drawn on the theoretical standpoints offered by Slavoj Žižek, as well as by Joan Copjec, Elizabeth Cowie and Todd McGowan, all of whom approach film and its gaze not as a tool of objectification and mastery, but as an objet a. Fantasy is therefore presented as the veil that conceals a repressed desire that emerges through the perverted gaze implied by the young girl.

Upon demonstrating the pertinence of present-day Lacanian film theory in the study of the aforementioned fantasy, an analysis of Sam Mendes’ American Beauty problematizes this very fantasy and its hidden, traumatic kernel. The ultimate aim is to determine how a certain cinema attempts to defy the mainstream ideology of sexualization by showing that which the symbolic cannot explain, namely the young girl as object of desire, and as a contemporary, inverted and perverted form of Oedipal fantasy. In so doing, it will be shown how this type of film demonstrates cinema’s potential in triggering reflections on complex social and cultural phenomena.

The relation between Film Studies and Lacanian psychoanalysis is complex to say the least. When A... more The relation between Film Studies and Lacanian psychoanalysis is complex to say the least. When American film theorists proposed a cognitive approach to study film reception, they did so through a virulent critique of psychoanalytic film theory – a critique that, as Todd McGowan (2003) aptly showed, missed the mark just as much as early Lacanian film theory did. But the core argument for cognitive film theory was focused on bringing back the infamous “missing spectator” through empirical research. And while the idea of submitting theoretical assumptions to the test of empirical research is commendable, it turns out that over the past decades, very little has been done in the field of film studies (including cognitive film theory) in order to develop pragmatic methodologies that can lead to reproducible results in understanding filmic reception.

Based on these forethoughts, this paper will present a research design that is currently being developed at the Université du Québec with regards to pragmatic psychoanalytic film and media studies. Contemporary Lacanian film studies have largely addressed many criticisms that were aptly directed towards 1970s psychoanalytic film theory, not the least of which is the redeployment of the gaze along the lines of Lacan’s own conception of this fundamental notion. Contemporary Lacanian film theory is interested in manifestations of an objective gaze – a gaze that is directed at the looking subject from an elided perspective. Film deploys the gaze around the tension between what is shown and what is seemingly absent. Filmic desire emerges from this tension; or as Elizabeth Cowie (1997) puts it, “desire here is not the wish to see some particular thing, or even just to see, but to see what is being shown, what I cannot yet see but know is there to see”. It is our assumption that contemporary media apparatuses such as virtual reality environments and 360-degree images place the spectator in a different relation to the gaze insofar as these images no longer rely on a tension between what is shown and what is off-screen. As these apparatuses do not include a space beyond the screen, they necessarily resort to other forms of visual tension in order to tell stories while creating suspense. The project that is currently underway will bring MA students to shoot a short film with a 360-degree camera in order to present it to viewers through a VR headset. The film will aim to contain themes that are deemed uncomfortable for a majority of viewers. With an eye-tracking device inserted in the headset, and through qualitative surveys completed after the viewing, data will be collected in order to assess how viewers relate to this content, and how their reaction can point to the functioning of the gaze in VR environments. The proposed paper presentation will aim to present the methodology and progress of this contemporary experiment in psychoanalytic media studies. It will focus on the project’s two main objectives: to study manifestations of the gaze in today’s mediascapes, and to attempt to reconcile psychoanalytic film studies with pragamatic modes of inquiry.

Le film Tadoussac (Laroche, 2017) remet à l’avant-plan de façon retentissante la relation mère-fi... more Le film Tadoussac (Laroche, 2017) remet à l’avant-plan de façon retentissante la relation mère-fille par le biais d’une quête des origines articulée autour de réflexions culturelles contemporaines. Par le biais d’un scénario centré de façon quasi-exclusive sur des personnages féminins, Martin Laroche – dont le film précédent (Les manèges humains [2008]) explorait le drame de l’excision – porte un intérêt manifeste envers la féminité, la maternité et la filiation mère-fille. Dans cette optique, et à travers un parcours conceptuel alliant psychanalyse et féminisme, il s’agira de prendre acte des postures spectatorielles engendrées par Tadoussac afin de dégager une réflexion actuelle sur les discours filmiques mettant de l’avant le traitement social et mythologique de la féminité et de la maternité. Au final, cette contribution voudra faire la lumière sur la démarche de ces réalisateurs masculins qui se permettent de penser la féminité, la maternité et la filiation mère-fille.

Jouissant d’une popularité instantanée dès sa sortie en 2016, la série Stranger Things se pose co... more Jouissant d’une popularité instantanée dès sa sortie en 2016, la série Stranger Things se pose comme un objet culturel à la fois sériel et unique. D’ailleurs, à sa sortie, un nombre important d’interlocuteurs a tenté de faire l’inventaire des innombrables références intertextuelles enchâssées dans les 8 épisodes de la première saison. Mais au-delà du plaisir référentiel offert par la série, force est de constater que cette dernière s’inscrit dans une logique narrative fondée sur la nostalgie. À cet effet, il est possible d’affirmer qu’elle participe à une certaine rétromanie, décrite par Simon Reynolds (2011) comme le phénomène culturel à travers lequel la culture populaire contemporaine demeure retournée sur les artéfacts associés à son passé récent.

Dans cette veine, cette communication se donne pour but d’explorer les manifestations de la nostalgie et de la rétromanie au sein des deux saisons de Stranger Things, plus particulièrement par le biais de la trame musicale mise de l’avant dans la série. Il s’agira dans un premier temps de situer les discours culturels populaires contemporains par rapport à la distinction proposée par Svetlana Boym (2002) entre ce qu’elle nomme la nostalgie réflexive et la nostalgie restorative. En se fondant par la suite sur la notion de rétromanie développée par Reynolds, il s’agira de voir la série des frères Duffer comme une forme de fictionnalisation nostalgique fondée sur des références musicales et intertextuelles. Nous serons ainsi à même de constater que Stranger Things assoit une part importante de sa trame narrative – et du sens que le spectateur est amené à construire en la recevant – sur des références musicales explicites et implicites (pièces connues vs musique originale), en plus des références filmiques largement recensées. Ces aspects de la série participent à la situer au sein d’une certaine logique de la reprise qui marque la culture populaire contemporaine.

Film studies have garnered a long-standing tradition in universities around the world, with the f... more Film studies have garnered a long-standing tradition in universities around the world, with the first US Film Studies department founded in 1915. And with the more recent interest in the broader area of media studies, as well as with the growing attention towards the development of media literacy competencies in today’s youth, film studies as an analytical and critical academic discipline has started to make its way into the K-12 curriculum in many Western countries. Even in the province of Quebec (Canada), cinema has timidly entered the Visual Arts Québec Education program 10 years ago, in an option called Visual Arts and Multimedia (MELS, 2007).

But, in universities and high schools, theory and practice does not often share the same bench when it comes to cinema. In high schools, when it comes to cinema in the visual arts classroom, production occupies more than 90% of classroom time (Martin, 2017). At the university level, different authors (Polan, Tomasulo), but also associations (Association of American Colleges and Universities, University Film and Video Association), recommend and advocate for a combination of theory and practice in production programs. When one considers that as low as « 15–20 percent of total required courses in film history, theory, and criticism [are required] for an MFA film production and film studies » (Bukalski et al., p.38), it seems obvious that theory is largely overlooked and, in fact, that many programs fall short (Tomasulo, p.324). In Europe, authors who are both film practitioners and scholars are attempting to fight for this position too. Alain Bergala, a filmaker, critic and educator, published L’hypothèse cinéma: Petit traité du cinema à l’école et ailleurs in 2006, and in which he states that he truly believes that students need to feel as much as the director during creation than as the spectator in deep identification with the characters. (p.)

With this context in mind, we are proposing a co-authored double paper presentation that will attempt to propose pedagogical ideas on how to reconcile theory and practice in film studies, showing how they need and nourish each other along the process of creating a short movie. The objective of this paper is to present those short movie projects but also to make a stance for a philosophy of teaching cinema. This paper presentation will start with a succinct summary of some of the conclusions of a doctoral research conducted in visual arts classrooms in Québec in 2016-2017. The conclusions discussed here will be about the theoretical and practical challenges faced by visual art teachers and their students when it comes to producing a short movie. The causes of those challenges and the possible solutions are also going to be discussed, all with regards to the ties between film theory and practice.

Fort d’une franchise bien établie au fil des décennies, l’univers narratif de Psycho s’est vu lar... more Fort d’une franchise bien établie au fil des décennies, l’univers narratif de Psycho s’est vu largement étendu avec l’arrivée de la série télévisée Bates Motel en 2013. Contrairement au roman éponyme de Bloch (1959) et à son adaptation iconique par Hitchcock (1960), ainsi qu’aux suites (sequels) littéraires et filmiques qui ont vu le jour depuis, Bates Motel situe son action avant les événements de l’œuvre initiale, donnant ainsi l’occasion d’y voir un antépisode (prequel) centré sur l’adolescence de Norman Bates et le développement de son trouble psychotique. Même si plusieurs éléments de la série télévisée en viennent à problématiser son rapport à l’œuvre source – le spectateur attentif pourra déceler dès les premiers épisodes les germes d’une continuité rétroactive (retcon) –, et malgré la présence d’objets technologiques propres à notre époque qui viennent en brouiller la temporalité, il demeure effectivement plausible de voir les premières saisons de la série comme un antépisode au sens plus classique.

En gardant à l’esprit cette typologie narratologique, la communication proposée se donnera comme objectif de situer la cinquième et dernière saison de Bates Motel en lien avec la notion de sérialité et de recyclage culturel. En effet, au cours du déploiement narratif de cette saison, l’antépisode empiète sur l’œuvre d’origine, et il s’en dégage des événements analeptiques appartenant plutôt à l’univers du reboot, voire même du remake. Les créateurs de la série, Carlton Cuse en tête, vont jusqu’à réécrire certaines séquences iconiques du film de Hitchcock, dont le meurtre de Marion Crane sous la douche. À la recherche de la nature de cette série, qui se joue visiblement des frontières entre remake, reboot, prequel et retcon, cette communication en viendra à situer Bates Motel et sa saison ultime au sein des diverses typologies narratologiques, tout en constatant sa sérialité inventive qui revisite une œuvre culte afin d’y ajouter une perspective résolument contemporaine.

Seemingly tapping into contemporary and growing concerns over post-2001 authoritarianism, the tel... more Seemingly tapping into contemporary and growing concerns over post-2001 authoritarianism, the televised adaptation of Philip K. Dick’s The Man in the High Castle (1962) offers both a highly notable literary reappropriation and a dystopic visual reflexion based in current social and cultural preoccupations. Perhaps the incredibly strong reactions to Amazon’s ad campaign for the show, where a New York City subway train was covered in Nazi and imperial Japanese symbols, can be seen as the expression of a high degree of sensitivity to what lies within the visual rendering of this Dickian dystopy. As hinted by the images of war and destruction that are projected onto highly symbolic American monuments in the opening credits of the show, this televisual adaptation has the obvious intent to place viewers in the midst of a certain underside of the socio-political fantasies that structure American and Western cultures.

With these remarks in mind, the proposed paper aims to examine various elements that are reappropriated in the adaptation of Dick’s novel, not the least of which is the translational change of The Grasshopper Lies Heavy as mise-en-abyme: indeed, the novel-within-the-novel becomes a collection of films-with-the-series, thus opening major changes in the reception of the story. Initially starting from Barthes’ declaration that the photographic image claims a certain “this-has-been” (“ça a été”), I will turn to the Lacanian-Žižekian concept of fantasy in order to closely examine the implications of this consequential change. When added to the introduction of new main characters such as American-soldier-turned-Nazi-Obergruppenführer John Smith, it seems that Amazon’s flagship series aims to echo certain cultural and political preoccupations, such as the rise of right-wing ideologies within populist discourses. As such, while staying true to its Dickian source and its characteristic dystopia, the series turns to the political valence of fantasy in order to supplement its narrative arcs with highly provocative images that, in turn, emphasize the role nostalgia plays within the structure of political fantasies. This is perhaps most notable in one of the narrative arcs that was added, where all-American family values are set against the backdrop of fascism and its reliance on a fantasmatic figure that threatens the cohenrence of the social structure – an idea Žižek takes up as early on as The Sublime Object of Ideology. As Susan Stewart (1992) aptly remarks, “[the] point of desire which the nostalgic seeks is in fact the absence that is the very generating mechanism of desire”; rather than revealing this absence, the turn to fantasy in The Man in the High Castle uses the dystopian clash between authoritarian ideology and its necessary resistance to point out the fantasmatic and nostalgic ideals that underscore current political trends.

One of the most notable aspects of the contemporary Lacanian framework that has influenced media ... more One of the most notable aspects of the contemporary Lacanian framework that has influenced media studies recently remains its focus on the incompleteness of signification and, of course, the radical and traumatic manifestations related to this incompleteness. Slavoj Žižek is widely credited for spawning a renewed interest for Lacan in media and cultural studies, and his work is very much focused on this incompleteness at the heart of signifying systems. In fact, Žižek’s use of psychoanalysis for the analysis of cultural and media artefacts lies in this simple yet important account of the actual potential of Lacanian theory: “For Lacan, psychoanalysis at its most fundamental is not a theory and technique of treating psychic disturbances, but a theory and practice that confronts individuals with the most radical dimension of human existence” (Žižek 2007: 3). This radical dimension, precisely, is the emergence of the Real within our symbolically mediated reality. Žižek brings to our attention the fact that what we call ‘reality’ is in fact an illusory realm founded on the intangible act of signification.
On the other hand, and given his interest in what he also calls the Real, the quasi-absence of Jean Baudrillard’s theoretical contribution to media studies from Žižek’s opus is somewhat surprising. Indeed, both thinkers have provided media studies and cultural studies with a theoretical model allowing the understanding of our everyday reality as a virtual fiction based on the act of signification, but have done so in a mutually uninfluenced way. And while Baudrillard’s emphasis is mostly maintained on the media and their role with regards to our perception of the world surrounding us, rather than on everyday signification and its relation to subjectivity, it is most interesting to note that his work is punctuated with nomenclatures that are familiar to Lacanian- and Žižekian-inclined media and cultural theorists: terms such as the symbolic order, the Imaginary, and the Real, all of which are also key concepts for the psychoanalytically inclined theorist.
This paper aims to propose a tentative consolidation of Baudrillard’s notion of the Real as that which is inaccessible through its status as always-already reproduced, and Žižek’s development of Lacan’s notion of the Real as that which resists symbolic signification and imaginary representation. While both notions (as well as their authors) bear obvious variances, they also share similarities insofar as they designate an unapproachable beyond that can only be apprehended in retrospect. Through the analysis of The Matrix and its criticized ties to Baudrillard’s ontological stance on simulacra and simulation, that I tie to a Žižekian ontology, I venture a Baudrillardian/Žižekian/Lacanian frame that is then used to discuss The Thirteenth Floor, a film that appears much more radical in its problematization of the Real. By proposing a parallel conception of the Real through Baudrillard, Lacan and Žižek, the aim of this paper is first and foremost the opening of psychoanalytic media studies to Baudrillard’s theoretical framework.

Contemporary deployments of desire and fantasy within film and television call for a continued in... more Contemporary deployments of desire and fantasy within film and television call for a continued investigation into modes of visual pleasure. In this vein, there is still much to be said with regards to Laura Mulvey’s initial foray into these questions. Indeed, more than four decades after its initial publication in Screen, Mulvey’s “Visual Pleasure and Narrative Cinema” remains one of the most cited and controversial texts within the field of film studies, to the point where Todd McGowan (2007) writes that “the many books and essays written in the wake of Mulvey’s essay nearly constitute a minor industry within film studies.” Turning to what was then considered a Lacanian approach to thinking filmic reception and the gaze that sustains it, Mulvey attempts to situate the dynamics of pleasure in looking as they are deployed within mainstream popular film. However, as it has been pointed out since, Mulvey’s idea of the gaze is in fact tied to a misreading of certain psychoanalytic concepts within 1970s film theory. Indeed, her conceptualization of a visual pleasure grounded in the subject’s desire for mastery in fact neglects Freud’s (1905) insight regarding “the impulses for looking and showing off”. In other words, there are two facets to the scopic drive: an active desire to see (“looking”), and a passive desire to be seen (“showing off”). The main shortcoming in Mulvey’s argument is that its focus is solely on the active desire to look, which leads us to wonder how we should consider the passive inflection of the scopic drive within contemporary film and television reception. Curiously enough, this question has yet to be explored by feminist film theorists.

This paper will therefore focus on a more complete feminist reading of the visual dynamics present within visual culture. Mulvey’s concept of an active visual pleasure will be supplemented with its passive underside, a scopic enjoyment where the deployment of the gaze triggers a much more radical relation to desire and fantasy. Attention will then turn to Charlie Brooker’s Black Mirror in order to offer an indepth reading the season 1 episode The Entire History of You. In this episode, technology supplements the inherent lack within any given visual field, allowing the subject to access the reverse side of the visible. This drastically changes the viewer’s relation with the gaze, and brings upon a highly radical relation to desire and fantasy as they shape media reception today.

Semblant puiser au cœur des inquiétudes croissantes face à l’autoritarisme des sociétés occidenta... more Semblant puiser au cœur des inquiétudes croissantes face à l’autoritarisme des sociétés occidentales de l’ère post-2001, l’adaptation télévisuelle du roman The Man in the High Castle de Philip K. Dick propose à la fois une réappropriation importante et une réflexion marquée de contemporanéité face à l’ouvrage adapté. Sans doute les fortes réactions devant la campagne publicitaire où un métro new-yorkais s’est retrouvé tapissé de symboles nazis témoignent-elles d’une certaine sensibilité face à un tel discours, sensibilité qui est exploitée dans le générique de la série alors que des images belliqueuses sont projetées sur des monuments américains à très forte symbolique. La présente communication se propose de revenir sur un des éléments les plus importants de l’adaptation produite par Amazon, soit le passage d’un roman mis en abyme aux films mis en abyme, afin d’étudier l’ancrage de la série télévisuelle dans une mouvance culturelle marquée par un fort sentiment dystopique. Partant de l’idée barthésienne voulant qu’une image captée proclame un certain « ça a été », nous en viendrons à constater que le discours central de la série fait écho à certaines préoccupation pop-culturelles d’aujourd’hui.
Plus qu’un simple acte de translation, cette réappropriation ancre la série dans position critique fancfortiste face à la logique culturelle de la nostalgie.

« De Fonzie à Barney : mutation de la virilité dans les sitcoms américaines » La figure du tombeu... more « De Fonzie à Barney : mutation de la virilité dans les sitcoms américaines » La figure du tombeur occupe une place potentiellement sous-estimée dans l'analyse de la culture visuelle populaire. On pourrait même dire que le tombeur occupe une place beaucoup plus importante que l'attention que nous lui prêtons. Dans le domaine des études cinématographiques et médiatiques, on tend (avec raison) à s'attarder avant tout aux questions de la représentation de la féminité. Mais au-delà des problématiques entourant la construction de la féminité médiatique, je crois qu'il importe de questionner les masculinités qui sous-tendent la dynamique des rapports entre les genres. C'est dans cette optique que j'ai choisi de m'attarder à cette figure qui, somme toute, a su traverser les décennies tout en s'adaptant à elles. Il y a bien entendu des films et des séries télévisées qui posent des réflexion critiques sur ce type de personnage—on peut par exemple penser à la série Mad Men ou au film Shame. Ces deux exemples récents problématisent la figure du tombeur et, surtout, son lien avec les rapports entre les genres, ainsi que les fantasmes qui sous-tendent ces rapports. Mais ces exemples se situent dans une production sans doute plus originale, moins mainstream, par rapport à ce qui est produit plus couramment au sein de la culture populaire visuelle. Dans le monde télévisuel, les « situation comedies », ou sitcoms, témoignent d'une forme beaucoup plus conservatrice et, surtout, beaucoup plus réactionnaire dans la représentation des stéréotypes de genres—plus particulièrement, ici, dans la représentation de la figure du tombeur. La popularité de cette figure traverse les sictoms des dernières décennies, et rares sont les émissions qui n'en comptent pas un. Par ailleurs, la représentation même de ce personnage a grandement évolué, tant sur le plan physiologique que psychologique. Cette évolution peut fournir des indices précieux pour une étude novatrice des rôles genrés au sein de la culture populaire contemporaine. Dans cette optique, mon objectif aujourd'hui est de proposer une étude

L’histoire du cinéma montre bien la persistance du spéculaire dans la forme même du médium et ce,... more L’histoire du cinéma montre bien la persistance du spéculaire dans la forme même du médium et ce, depuis ses tous débuts. Alors que le fonctionnement du zoopraxiscope de Muybridge (1879) reposait parfois sur le miroir afin de créer l’illusion du mouvement, l’arrivée du cinéma narratif quelques décennies plus tard permet l’apparition de la thématique du double et du flou identitaire au sein même des récits filmiques. Depuis ces moments fondateurs, le cinéma est souvent considéré (à tort) comme simple reflet de la réalité, ou comme miroir de la société, alors qu’il entretient plutôt avec la spécularité des liens qui à ce jour façonnent autant sa forme que son discours, son énonciation, sa réception et sa médiation.

Ces liens entre cinéma et miroir s’inscrivent résolument au cœur même du film Black Swan (Aronofsky 2010). La présente communication a comme objectif premier d’explorer l’articulation de la spécularité dans le récit et la mise en forme du film, à la fois dans le but d’étudier son effet sur le dispositif cinématographique, et d’interroger cet effet sur sa réception par le spectateur. Par sa recherche d’une perfection inatteignable, Nina – un personnage principal dont le nom-même renvoie directement à l’enfance par son homonyme espagnol (niña) – incarne une lutte violente entre le moi, l’idéal du moi (articulé dans les exigences sociales) et le moi idéal (situé dans le rapport problématique au miroir). À travers ce combat, elle en viendra à comprendre que la perfection se situe ultimement dans la perte de soi dans le réel, et non dans la rigueur tyrannique du surmoi—une compréhension qui lui coûtera sa vie. Une lecture psychanalytique du film de Aronofsky permettra de situer le rôle du miroir et de l’image spéculaire dans un film qui, de toute évidence, questionne le fondement-même du rapport entre, d’un côté, le spectateur et, de l’autre, le filmique, le miroir, l’alter et l’égo. Loin de se limiter à une analyse freudo-lacanienne plus traditionnelle, cette communication compte mettre de l’avant un édifice théorique contemporain qui réarticule les notions psychanalytiques aux divers courants théoriques issus du structuralisme et des théories de la réception. Ainsi, en plus de situer Black Swan dans la filmographie particulière de Darren Aronofsky, filmographie qui mise sur le dispositif spéculaire comme élément d’énonciation, il sera également possible de proposer des pistes de réflexion conceptuelles sortant des paradigmes plus couramment associés à ce qu’on conçoit généralement comme l’exercice d’une psychanalyse du cinéma.

Spike Jonze’s Her (2013) problematizes contemporary questions related to desire and the gaze in a... more Spike Jonze’s Her (2013) problematizes contemporary questions related to desire and the gaze in an age of growing complexities within the interfacing of desire and its associated fantasies. Indeed, the film invites us to rethink our growing dependence on various interfaces, as well as their impact on our intersubjective relations and their reliance on desire and Otherness. But most of all, through its representation of these questions, it seems to problematize the limits of love on an ontological plane. With this premise in mind, the proposed paper will aim to think Her through its highly unusual depiction of love, desire, and the external gaze that triggers these affects. Grounded in the notion of interface developed by André Nusselder in Interface Fantasy: A Lacanian Cyborg Ontology (2009) and in The Surface Effect: The Screen of Fantasy in Psychoanalysis (2013), I will explore how Her confronts us with a certain form of technological dematerialization of love through the gaze, as Theodor’s wish to be seen is obviously unresolvable—at least in a traditional sense. While reading into the film’s aesthetic and thematic aspects as they relate to love, desire, and the gaze, the paper’s ultimate aim will be to decipher the immanent discourse on the rethinking of the traditional gaze that Jonze proposes.

Paru à l’automne 1975, l’article « Visual Pleasure and Narrative Cinema » de Laura Mulvey demeure... more Paru à l’automne 1975, l’article « Visual Pleasure and Narrative Cinema » de Laura Mulvey demeure à la fois un des textes les plus cités et controversés au sein des études cinématographiques. Puisant dans une pensée psychanalytique d’influence lacanienne, Mulvey tente de situer les axes du plaisir et du regard qui guident la réception du cinéma populaire hollywoodien. Critiqué à la fois par les détracteurs de l’approche psychanalytique du cinéma et par ses collègues féministes, ce texte continue néanmoins à teinter les réflexions sur la représentation filmique et médiatique de la femme et ce, malgré son fondement autour de certaines méconceptions ayant marqué la pensée lacanienne du cinéma au cours des années 1970.

Cette communication se donne comme objectif de relire la pensée mulveyenne à la lumière d’une psychanalyse contemporaine du cinéma, qui prend en compte la conception lacanienne du désir, du fantasme, de la jouissance et du regard comme objet a. En travaillant avec des objet filmiques contemporains qui se distancient de la représentation typiquement fantasmatique de la féminité (La vie d’Adèle [Kechiche, 2013]; Shame [McQueen, 2011]), il sera possible de repenser la notion de plaisir visuel pour la réarticuler autour de celle d’une jouissance scopique.

Louis-Paul Willis (Université du Québec en Abitibi-Témiscamingue) La monstration de l’érotisme... more Louis-Paul Willis (Université du Québec en Abitibi-Témiscamingue)

La monstration de l’érotisme au cinéma a grandement évolué depuis l’époque du code Hays. Alors que le cinéma pornographique a longtemps existé en marge—et souvent à l’insu—du cinéma et de la culture populaires, les frontières entre ces deux univers tendent aujourd’hui à s’effriter et à se perméabiliser. On assiste alors à l’invasion de codifications visuelles propres à la pornographie au sein de plusieurs discours visuels, un phénomène que Brian McNair (2002) qualifie de « pornographication of the mainstream », et que Richard Poulin (2008) qualifie de pornographisation, « c’est à dire le recyclage d’archétypes pornographiques dans la culture » (p. 55).
Prenant ce contexte culturel comme point de départ, cette communication abordera la monstration du désir au sein de l’érotisme cinématographique—ce que Linda Williams (1989) nomme « the frenzy of the visible »—à partir de l’idée selon laquelle la pornographie vise à représenter et à rendre accessible un objet de désir impossible (l’objet a lacanien) par le biais de l’excès. Puisque la pornographie commet l’erreur de considérer cet objet impossible comme un objet visible et discernable, la logique culturelle pornographisante se trouve aux prises avec le problème qu’il n’est jamais possible d’en montrer assez afin de satisfaire le désir spectatoriel. En relisant le propos foucaldien proposé par Williams à travers une logique lacanienne contemporaine, cette communication proposera une analyse de ces enjeux au sein d’un certain cinéma qui coexiste avec la pornographisation culturelle tout en la problématisant. En abordant les films Shame (McQueen, 2011) et La vie d’Adèle (Kechiche, 2013), cette communication visera ultimement à démontrer comment le rapport entre le désir, le fantasme et la pornographisation culturelle peut être (re)pensé au sein d’une spectature cinématographique contemporaine. Il sera ainsi possible de proposer que la distinction entre érotisme et pornographie se situe dans la prise en charge du désir et de son rapport à l’objet impossible.

"La série Lost demeure à ce jour un exemple de déploiement narratif complexe, riche en revirement... more "La série Lost demeure à ce jour un exemple de déploiement narratif complexe, riche en revirement actantiels divers, et regorgeant de dispositifs renvoyant à la postmodernité. La série met également en place des références philosophiques cruciales qui viennent largement teinter sa réception auprès du téléspectateur averti. Allant du simple nom des personnages jusqu’aux réflexions existentialistes plus complexes, cette série semble résolument aller au-delà du simple divertissement afin de mettre de l’avant de véritables questionnements sur l’humain et sa relation avec l’Autre.

Dans cette optique, les références à la philosophie de Michel Foucault marquent un des aspects les plus notoires de la série. Les thèmes propres au panoptisme et aux sociétés disciplinaires (mis de l’avant dans Surveiller et Punir) fondent effectivement plusieurs pans cruciaux de l’intrigue. On peut certes penser au logo de DHARMA, qui renvoie au Panoptique – cette prison imaginée par le philosophe Jeremy Bentham, fondamentale pour la réflexion de Foucault –, mais on peut aussi penser aux questions liées plus largement à la surveillance, déployées tout au long de la série. Ultimement, on peut questionner l’importance d’un regard provenant du champ de l’Autre, regard qui assure le fondement même du panoptisme tout en instaurant le sentiment d’altérité. En insistant sur les yeux qui s’ouvrent, et en plaçant éventuellement les personnages devant une forme très accentuée d’altérité (les autres, les chuchotements, l’impression constante de surveillance), la série déploie sans relâche une tension axée sur le regard panoptique.

Cette communication veut examiner les répercussions spectatorielles liées à cette thématique, qui traverse les six saisons de Lost. Il sera d’abord question de mettre en rapport le regard panoptique foucaldien avec le regard dans sa conception psychanalytique, élaborée par Jacques Lacan. En tissant des liens entre ces deux regards déployés au champ de l’Autre, il sera ensuite possible d’aborder Lost comme un discours télévisuel qui explore la nature même de l’existence subjective à l’ère du panoptisme. Tel le Panoptique de Bentham, l’île se révèle à la fois un « lieu privilégié pour rendre possible l’expérimentation sur les hommes », et un « laboratoire du pouvoir » (Foucault, 1975, p. 238). En explorant l’importance de ces concepts dans la série, il sera possible de constater la radicalité qu’elle articule autour de la notion de l’altérité, ainsi que son expression par le biais du regard médiatique. La communication se donnera ainsi comme objectif ultime de penser la série autour de sa réception par le spectateur, lui-même confronté avec une existence subjective marquée par l’altérité. "

As it is well known today, the political decision to raise university tuition fees in Quebec led ... more As it is well known today, the political decision to raise university tuition fees in Quebec led to a massive student uprise in the spring of 2012. As it is often the case, mainstream media played a major role in defining the student crisis, regularly portraying student unions and protestors as dangerous left-wing anarchists whose actions threatened a stable social equilibrium. All the while, these fantasmatic representations of the student movement shaped the public debate around vague questions that side-tracked the actual core of the students’ opposition to the tuition hike. In a Žižekian perspective, it appears obvious that the media representation of student protestors outlined a cultural fantasy that allowed to veil the core of the actual problem.

Although the Quebec student movement is analogous to various contemporary student protests worldwide, this presentation aims to study the specificities of media representations that marked the Quebec student crisis. It will be argued that the figure of the student played out as a fantasy for mainstream media—a fantasy that allowed the symbolic rendering of an evasive socio-ideological antagonism similar to the often-noted Žižekian example of the fantasy of the Jew for the anti-Semite. By relying on Žižek’s rereading of Lacan, the ideological concept of the student as fantasy will be traced around the role media representations played in defining the public debate around media fantasies.

Since the early 1970s, film, media, and cultural theorists have appealed to Lacanian psychoanalyt... more Since the early 1970s, film, media, and cultural theorists have appealed to Lacanian psychoanalytic theory in order to discern processes of subjectivization, representation, and ideological interpellation. However, the contemporary philosopher and cultural critic, Slavoj Žižek, has popularized a political-philosophical re-interpretation of Lacan that has spawned a whole new wave of Žižekian film, media, and cultural theory that shows a marked difference from an early Lacanian approach.

In this book talk, Matthew Flisfeder and Louis-Paul Willis will introduce and discuss their edited book, "Žižek and Media Studies: A Reader" (Palgrave Macmillan, 2014). The book includes chapters on Žižek and Žižekian media studies and is divided into four sections: media, ideology, and politics; popular culture; film and cinema; and social media and the Internet. This is the first book to take account of the emerging field of Žižekian (as opposed to Lacanian) media studies. It includes chapters written by key figures in Žižekian media studies, including Jodi Dean, Todd McGowan, Paul A. Taylor, and Fabio Vighi, and concludes with a new chapter written by Žižek.

La décision politique prise par le gouvernement libéral du Québec d’augmenter les frais de scolar... more La décision politique prise par le gouvernement libéral du Québec d’augmenter les frais de scolarité a mené, c’est bien connu, à un soulèvement étudiant massif durant le printemps 2012. Ponctuée par d’importantes manifestations mensuelles au niveau provincial, ainsi que des manifestations nocturnes quotidiennes dans les rues de Montréal, la crise étudiante a été marquée par une opinion publique incroyablement divisée sur des questions centrales, telles la place que doit occuper l’institution universitaire au sein du paysage socioculturel québécois. Comme cela est souvent le cas, les médias de masse ont joué un rôle majeur dans la définition même de la crise étudiante, relayant régulièrement une représentation des associations étudiantes et des étudiants eux-mêmes comme de dangereux anarchistes dont les actions mettaient en péril l’équilibre social. Parallèlement, ces représentations fantasmatiques du mouvement étudiant ont servi à façonner le débat public autour de questions vagues qui ont fait dévier l’attention des vrais enjeux. Dans une perspective žižékienne, il paraît évident que la représentation médiatique des manifestants étudiants a servi à structurer un fantasme culturel permettant de camoufler le noyau du problème « réel » : alors que les étudiants étaient démonisés, et que leurs dirigeants incroyablement articulés étaient décrits comme de dangereux radicaux de gauche, représentation elle-même a obscurci un système politique et d’éducation dysfonctionnels à plusieurs égards.

Bien que la crise estudiantine québécoise demeure analogue à divers soulèvements étudiants et populaires de par le monde, cette communication se penchera sur les spécificités des représentations médiatiques qui ont marqué ce qu’on nomme aujourd’hui le « printemps érable ». À travers l’analyse de divers discours médiatiques, à la fois corporatistes et indépendants, nous démontrerons que la figure de l’étudiant s’est interposée comme un fantasme pour les médias de masse – un fantasme qui a permis la représentation symbolique d’un antagonisme socio-idéologique évasif similaire à l’exemple, récurrent chez Žižek, du fantasme du Juif pour l’antisémite. En nous rapportant à la relecture que fait Žižek de certains concepts lacaniens, une relecture qui a permis une articulation des notions psychanalytiques à des phénomènes sociaux, culturels et politiques, le concept idéologique de l’étudiant comme fantasme sera tracé autour du rôle que les représentations médiatiques ont joué dans la définition d’un débat public qui a généré plusieurs antagonismes sociaux. Au final, cette communication aura deux objectifs : démontrer la pertinence de la critique žižékienne de l’idéologie pour les études médiatiques, et proposer une analyse approfondie d’un débat socioculturel contemporain, défini par des fantasmes médiatiques hautement idéologiques.

In a cultural context where taboos are continuously explored within the public arena, the analysi... more In a cultural context where taboos are continuously explored within the public arena, the analysis of screen fantasies appears not only pertinent, but of vital importance. Indeed, the relentless probing of cultural prohibitions leads to a threshold, where spectators are brought dangerously close to the trauma that lies beyond the fantasies that saturate current mediascapes. Interestingly enough, this contemporary cultural context has made possible the advent of a cinematic tendency where spectators are brought to traverse a given fantasy, providing certain radicality to contemporary cinemas.

Following in the steps of Lacanian thinkers such as Slavoj Žižek, Elizabeth Cowie and Todd McGowan, this paper presentation aims to explore the cultural sexualisation of girlhood through Žižek’s notion of the traversal of the cultural fantasy in order to illustrate cinema’s radical potentiality. Drawing on the analyses of American Beauty (Mendes, 1999) and Exotica (Egoyan, 1994), as well as on conclusions from my recently defended doctoral thesis, the presentation will demonstrate how the traversal of cultural fantasies allows for a form of analytical and emancipatory spectatorship, where audiences are confronted to the radical underside of widely diffused desires and fantasies.

Depuis l'invention de la photographie au milieu du 19 ème siècle, la reproduction technique de l'... more Depuis l'invention de la photographie au milieu du 19 ème siècle, la reproduction technique de l'oeuvre d'art a largement bouleversé la relation de l'individu occidental avec le discours culturel et artistique. Par le fait même, cette reproduction technique en est également venue à profondément modifier la relation de ce même individu avec la réalité du monde qui l'entoure. Ces deux relations modifiées -l'individu et l'art ; l'individu et la réalité -sont à la base de plusieurs questionnements pouvant aujourd'hui être dirigés à l'endroit du discours massmédiatique. Qui plus est, dans le contexte médiatique actuel où les discours se font de plus en plus envahissant, il s'avère impératif d'examiner l'importance, et la crédibilité, que nous prêtons à ces médias. Ce sont ces questionnements qui susciteront notre intérêt dans le cadre de ce cours.

Notre monde se complexifie à un rythme de plus en plus effréné, presque exponentiel. Cette comple... more Notre monde se complexifie à un rythme de plus en plus effréné, presque exponentiel. Cette complexification se manifeste dans des sphères variées, tant sur le plan social que politique, économique et culturel. Mais, à la base de cette complexité, la technologie se montre tributaire de plusieurs changements drastiques ayant marqué le 20 ème et le début du 21 ème siècle. Depuis les révolutions industrielles, il est donc plausible (comme nous le verrons) de proposer que la technologie porte la responsabilité de ces bouleversements multiples, qui ne cessent de s'accroître.

Depuis quelques années, voire depuis quelques décennies, la violence dans l'univers des jeunes es... more Depuis quelques années, voire depuis quelques décennies, la violence dans l'univers des jeunes est devenue une source considérable d'inquiétude. Certes, cette inquiétude semble prendre racine dans les tristes événements qui se sont déroulés dans plusieurs écoles nord-américaines depuis décembre 1989; par ailleurs, il appert que les conséquences de l'immersion de la violence dans l'univers des jeunes prend des formes diverses qui ne se limitent pas aux fusillades dans les écoles -on peut penser ici aux gangs de rues, aux intrusions de domicile, aux crimes sexuels et au phénomène de taxage dans les écoles, pour ne nommer que quelques exemples. De plus, la croyance généralisée voulant que ces comportements violents des jeunes soient dus à leur exposition à la violence dans les médias de masse, bien que répandue, peut sembler quelque peu simpliste. La violence dans les médias a des effets indéniables, mais une recherche plus approfondie saurait sans doute exposer des causes plus implicites et des liens plus complexes entre l'univers violent des jeunes et leur comportement parfois troublant. De plus, la violence dans les médias ne se veut que la réverbération d'une société cherchant toujours des sensations plus fortes. Après tout, la culture n'est-elle pas le reflet de la société?