TEMPOREIDAD Y SER VERTICAL EN EL ARTE MODERNO (original) (raw)
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QUÉ ES ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO
Cada día crece más el interés por el arte contemporáneo, sin embargo, las ideas y los marcos teóricos que nos informan sobre su práctica pueden resultar extraños y de difícil comprensión. Centrándonos en una serie de planteamientos base, a partir del enunciado de los diferentes movimientos artísticos, desarrollaremos una reflexión que pretende proporcionar una abreviada visión general sobre algunos de los aspectos centrales y contenidos que definen y diferencian el Arte Moderno del Contemporáneo.
LA TEMPORALIDAD DE LA OBRA DE ARTE
2003
The work of art has its own temporality, as Phenomenology and Hermeneutics have shown. Among all the authors belonging to both philosophical movements, Gadamer has paid special attention to this phenomenon. In the present paper, I study his contribution to this particular topic, and I try to relate it to some other possibilities of approaching this subject.
El arte, en general, ha sido y sigue siendo una herramienta saciadora de necesidades tanto humanas como inhumanas. Su naturaleza también le permite servir al conocimiento, a la justicia y hasta a la felicidad. Es, básicamente, racional y emancipatoria. Es gracias a esa racionalidad que nos alejamos de las bestias, a pesar de que la definición de razón sea provisoria, dinámica y escurridiza; debemos buscarla, inventarla. El arte así pretende entregar sus razones, que sean reconocidas, aceptadas y/o rechazadas, en base a otras razones.
CONTEMPORÁNEOS EN TIEMPOS HETEROGÉNEOS: ARTE Y TEMPORALIZACIÓN
Quisiera empezar agradeciendo la invitación a las organizadoras y organizadores de esta actividad, además de felicitarlos y felicitarnos todos por este evento y por su motivo, que es este corte reflexivo a los 20 años de la apertura de esta institución. Celebrar instituciones es siempre un asunto paradójico, delicado, política y éticamente, por eso creo que ha sido un acierto de las organizadoras hacerlo con eventos como este, de índole reflexiva, crítica y creativa.
EL CUERPO Y MÁQUINA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO
Manipulación en imágenes visuales y sonoras en ficción y no ficción, 2023
El cuerpo y máquina en el arte contemporáneo. La figura humana tiene una tradición ancestral y un protagonismo indiscutible en el arte de todos los tiempos y culturas. Se trata de una búsqueda artística que guarda una estrecha relación con los avances tecnológicos de la humanidad, los cuales sin duda contribuyen a la revisión y sustitución de los paradigmas vigentes por otros mucho más acordes con la época en la que tienen lugar dichos avances. En este sentido, el arte se revisa y renueva continuamente de la mano de la tecnología. La investigación se plantea como objetivo poner de manifiesto las diversas maneras cómo ha sido abordado el cuerpo, en el sentido de material artístico, por parte del arte contemporáneo, así como las correspondientes repercusiones asociadas a los diferentes cambios, tanto conceptuales como tecnológicos. Desde un punto de vista metodológico, se trata por ello de plantear un estudio de casos que permitan poner de manifiesto la búsqueda de un hombre nuevo, asociado a las relaciones artísticas interdisciplinares del arte contemporáneo. Dicha búsqueda, iniciada en la primera mitad del siglo XX, supone además la apertura de nuevos horizontes culturales y de internacionalización en la génesis de la obra artística, lo que sin duda se traduce en un enriquecimiento recíproco de los artistas implicados. De esta forma, partiendo de las vanguardias históricas, encontramos ejemplos interdisciplinares como los diseños y escenografías teatrales del Constructivismo, el Futurismo o la Bauhaus, coexistiendo con nuevos medios técnicos como las fotografías de László Moholy-Nagy y Lucia Moholy. Dicha coexistencia tiene su continuación en otros contextos diferentes, como es el caso del Black Mountain College, que sigue los postulados de John Dewey, con el arte como principio de la educación y con artistas como Merce Cunningham, John Cage, Josef Albers o Richard Buckminster Fuller. Otros ejemplos revisionistas son el The Living Theatre, o teatro experimental de Julian Beck y Judith Malina, pero también la actual ciberdanza de Ricardo Barreto y Paula Perissinotto. En la misma argumentación, podría hablarse del cuerpo como concepto en Marcel Duchamp, e incluso de la importancia de la propia acción corporal, en artistas como Jackson Pollock y la Action Paiting, o de otros como Piero Manzoni e Ives Klein, así como de las implicaciones en arquitectura con Gordon Matta-Clark. En este sentido, en la Performance se hace ciertamente un uso claro del cuerpo, como es el caso del propio artista, ejemplificado sobre todo en Joseph Beuys, pero sucede lo mismo en el Happening, al utilizar como medio el cuerpo de los participantes del evento. Por ello, en el Body Art el cuerpo pasa a ser el máximo protagonista, al convertirse en el medio exclusivo, es decir, la materia prima de la obra artística. Cabe mencionar ejemplos como el del Accionismo vienés, con artistas como Hermann Nitsch, Günter Brus y Otto Muehl, o de artistas como Marina Abramovic, Vito Acconci, Chris Burden, Gina Pane o Lygia Clark. Como resultado, se constata en nuestros días un progresivo, pero imparable, predominio tecnológico, que conecta a las personas y ofrece oportunidades nuevas de interacción e inmersión sensorial, real y/o virtual. Este planteamiento tecnológico despliega, sin duda, nuevos canales de exploración y comunicación. Se trata, en algunos casos, de novedosos enfoques con fronteras diluidas y ejemplos como el del arte ciborg de Stelarc, que postula la obsolescencia del cuerpo, junto a otros como Mona Hatoum o Neil Harbisson. // The Body and Machine in Contemporary Art. The human figure has an ancestral tradition and an indisputable prominence in the art of all times and cultures. It is an artistic quest that is closely related to the technological advances of humanity, which undoubtedly contribute to the revision and replacement of the current paradigms with others much more in line with the time in which these advances take place. In this sense, art is continually revised and renewed hand in hand with technology. The aim of this research is to highlight the different ways in which the body has been approached in the sense of artistic material by contemporary art, as well as the corresponding repercussions associated with different changes, both conceptual and technological. From a methodological point of view, it is therefore a question of proposing a case study that allows us to highlight the search for a new man, associated with the interdisciplinary artistic relations of contemporary art. This search, which began in the first half of the 20th century, also entails the opening of new cultural horizons and internationalization in the genesis of the artistic work, which undoubtedly translates into a reciprocal enrichment of the artists involved. In this way, starting from the historical avant-gardes, we find interdisciplinary examples such as the theatrical designs and scenography of Constructivism, Futurism or the Bauhaus, coexisting with new technical media such as the photographs of László Moholy-Nagy and Lucia Moholy. This coexistence continues in other different contexts, such as Black Mountain College, which follows the postulates of John Dewey, with art as a principle of education and with artists such as Merce Cunningham, John Cage, Josef Albers or Richard Buckminster Fuller. Other revisionist examples are The Living Theatre, or experimental theatre by Julian Beck and Judith Malina, but also the current cyberdance by Ricardo Barreto and Paula Perissinotto. In the same argument, one could speak of the body as a concept in Marcel Duchamp, and even of the importance of bodily action itself, in artists such as Jackson Pollock and Action Paiting, or others such as Piero Manzoni and Ives Klein, as well as the implications in architecture with Gordon Matta-Clark. In this sense, in the Performance there is certainly a clear use of the body, as is the case of the artist himself, exemplified above all in Joseph Beuys, but the same happens in the Happening, when he uses the body of the participants of the event as a medium. For this reason, in Body Art the body becomes the main protagonist, becoming the exclusive medium, that is, the raw material of the artistic work. Examples include Viennese Actionism, with artists such as Hermann Nitsch, Günter Brus and Otto Muehl, or artists such as Marina Abramovic, Vito Acconci, Chris Burden, Gina Pane and Lygia Clark. As a result, there is a progressive, but unstoppable, technological predominance that connects people and offers new opportunities for interaction and sensory immersion, real and/or virtual. This technological approach undoubtedly opens up new channels of exploration and communication. These are, in some cases, novel approaches with diluted boundaries and examples such as Stelarc's cyborg art, which postulates the obsolescence of the body, along with others such as Mona Hatoum or Neil Harbisson.
LA CRISIS DE LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS Y EL DEBATE MODERNIDAD – POSMODERNIDAD
ARTE, INDIVIDUO Y SOCIEDAD, Revista Científica de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid – Año 2005 – Vol. 17. ISSN 1131-5598 , 2005
RESUMEN: En el debate modernidad – posmodernidad1 el arte tiene una posición sintomática: la crisis de las vanguardias ha sido una de las primeras señales de la deriva del proyecto moderno. Desde entonces el arte ha sido un organismo difuso, indeterminado y mutante, cuya curiosa consecuencia ha sido el derrumbe de las fronteras entre arte y vida, entre lo culto y lo popular -cultura de masas-. Lo que ha sido un fenómeno relevante no sólo para la crítica y la teoría estética, sino para la configuración de la episteme posmoderna, para dar cuenta del estado del arte y sus cruzas en este particular momento de cavilaciones. El saber aparece así indisolublemente ligado al estatuto del arte. Qué cosa sea arte y cual no, es una cuestión no sólo pertinente a las políticas culturales, sino al diagnóstico sociológico–identitario de nuestras sociedades posmodernas. - VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “La crisis de las Vanguardias artísticas y el debate Modernidad-Posmodernidad [The crisis of the artistic vanguards and the debat modernity-postmodernity] en ARTE, INDIVIDUO Y SOCIEDAD, Revista Científica de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid – Año 2005 – Vol. 17. ISSN 1131-5598 pp.133 – 154. Dr. Adolfo Vásquez Rocca
ARTE, POSMODERNIDAD VS MODERNIDAD
Hoy el metarrelato posmoderno se sintetizan en los preceptos teleológicos “el fin de las ideologías” Daniel Bell (1960), “el fin del trabajo” Jeremy Rifkin (1970), “el fin de la historia” Francis Fukuyama (1992), metarrelatos proféticos de la posmodernidad anunciando la venida inmediata, presente, de cambio social, sociedad sin clases sociales –solo existen ricos y pobres, pero todos felices-, con más tiempo libre para el ocio, -sin explotación laboral, pues prevalece el desempleo-; realidad antítesis de lo utópico o más preciso, del discurso teleológico de la modernidad; esas promesas ahora son netas aquí y ahora, en el hoy capitalista neoliberal.
Resumen: Toda teoría del arte debe atender de un modo especial a la cuestión del tiempo. Es un hecho que la obra de arte instaura diferentes temporalidades. En el presente artículo me propongo examinar cómo el arte forma una trama temporal, es decir, está temporalmente ...
La problemática de la periodización de la “contemporaneidad” en la historia del arte
Plurentes Artes Y Letras, 2014
La clasificación, como abstracción conceptual, es una herramienta necesaria en la construcción teórica en general y en historia del arte en particular, donde la mayoría de las clasificaciones ponen en relación recortes temporales con definiciones de rasgos estilísticos. En el presente trabajo abordamos el problema de la definición y denominación de la contemporaneidad artística a partir del estudio de las propuestas de periodización de dos autores: Arthur Danto (1924), filósofo y crítico de arte estadounidense, y Nicolas Bourriaud (1965), crítico de arte y curador francés.
BRUMAL, 2016
This article intends to make a tour through the art of the nineteenth and early twentieth centuries in search of the feminine aspects of divinity, particularly in the symbolist and surrealist movements. These movements, influenced by some currents opposed to dominant rationalism, opened the way for the exploration of the inner dimensions of nature and the human being beyond their immediate reality. To achieve this, the use of symbolic language and the creation of fantastic worlds were essential. However, the move away from tradition marked a break between the spiritual world and the material one. This split generated a misinterpretation of the feminine, which appeared in its most horrible aspect. When contemporary art regained a connection with authentic traditional thinking, the Eternal Feminine flourished again. In this respect Louis Cattiaux’s work is the exemplary model. Keywords: Eternal Feminine, Sophia, symbolism, tradition, fantastic art.