Marie-Dominique Gil | Institut national du patrimoine (INP) (original) (raw)

Books by Marie-Dominique Gil

MISS.TIC :À LA VIE À L’AMOR, Art dans la ville, poétique de la révolte (1985-2022), 2024

Corps au mur. Miss.Tic, une autre image des femmes dans l’espace public. Se présentant elle-mêm... more Corps au mur. Miss.Tic, une autre image des femmes dans l’espace public.
Se présentant elle-même comme une artiste, une poète et une plasticienne , Miss.Tic est un figure polymorphe, reconnue tant par les institutions que par le grand public. À partir d’images de magazines calquées, reproduites puis découpées pour produire un pochoir, elle détourne avec humour les stéréotypes féminins renvoyés par la publicité, la mode et plus généralement par les médias. Fines, la poitrine pleine et haute, souvent peu vêtues, les femmes représentées par Miss.Tic interpellent le public à l’aide d’assertions percutantes bombées à même le mur. Dès ses débuts, son œuvre interroge l’image des femmes dans l'art : elles sont aussi bien le « grand sujet » de la peinture que des figures figées, placardées dans la ville et assignées à la promotion d’un produit . À cette profusion de représentations s’articule paradoxalement un ensemble de difficultés matérielles pour les créatrices, comme le souligne Miss.Tic: « C'est un milieu très masculin où la peinture des femmes est dévalorisée. J'en suis victime, comme toutes les femmes plasticiennes. Je l'explique par le machisme ambiant et la domination masculine qui sévit toujours ! »
Pourtant, la dimension critique de son œuvre est teintée d’ambiguïté : en s’appuyant sur les stéréotypes, elle court le risque de reconduire un système de représentation qui participe de la réification des corps féminins. Cette ambivalence est par exemple illustrée par l'artiste Mass.Toc, qui bombe dans Paris des silhouettes aux formes amples pour remettre directement en question la normativité des silhouettes de La Miss. C’est pourtant dans la rencontre même entre la reconduction et la réappropriation du cliché que Miss.Tic donne forme à une corporalité féminine dissidente

Les archives du féminicide, 2022

En octobre 1965, le meurtre odieux de la jeune Sylvia Likens fait les gros titres de la presse ét... more En octobre 1965, le meurtre odieux de la jeune Sylvia Likens fait les gros titres de la presse étatsunienne. Les circonstances de la mort de l’adolescente, alors âgée d’à peine quinze ans, sont particulièrement choquantes. Confiée à la garde de Gertrude Baniesweski, Sylvia Likens est affamée, enfermée et torturée par l’ensemble des membres de sa famille d’accueil. Un détail macabre interpelle particulièrement le public : Sylvia Likens a été scarifiée par ses bourreaux, et les incisions sur son ventre forment la phrase « Je suis une prostituée et fière de l’être ». Ce meurtre, largement chroniqué par les médias, bouleverse profondément Kate Millett. En 1965, elle n’est pas encore la grande figure du féminisme étatsunien qu’elle deviendra cinq ans plus tard avec la publication de son célèbre ouvrage, Sexual Politics. Mais elle aborde déjà le féminicide de Sylvia Likens comme une métaphore des politiques du genre: « Ils l’ont tuée pour son sexe…parce qu’elle était nubile et qu’elle avait 16 ans, elle n’était que son sexe pour le monde qui l’entourait, et c’était en quelque sorte un crime » . Pendant douze ans, Kate Millett rassemble une somme considérable d’archives sur le meurtre de l’adolescente. Au terme de ce processus, à la fin des années 1970, elle fait de ces documents la matière même d’une œuvre protéiforme. Sa pratique prend ainsi une dimension plastique, avec l’installation environnementale The trial of Sylvia Likens qu’elle présente en 1978. Mais elle prend également une dimension littéraire lorsqu’elle publie, un an après l’exposition, l’ouvrage de semi-fiction, The basement : meditations on a human sacrifice. À la croisées des études de genre et de l’histoire de l’art, j’entends m’intéresser dans cet article à la manière dont l’œuvre de Kate Millett fait de l’archive le socle d’une approche transdisciplinaire et inédite du féminicide.

Médiatrice des arts. Pour une histoire des transmissions et réseaux féminins et féministes. , 2022

Begrenzungen, Überschreitungen - Limiter, franchir, 2021

Recherches féministes, 2021

Figure du féminisme états-unien, Kate Millett est surtout connue pour son activisme et son oeuvre... more Figure du féminisme états-unien, Kate Millett est surtout connue pour son activisme et son oeuvre littéraire. Cependant, un pan majeur de sa pratique reste très largement négligé, voire ignoré : sa carrière d’artiste. Ses créations plastiques doivent ainsi être comprises non seulement comme une phase constitutive de l’essai Sexual Politics (1970) mais aussi en tant que démarche active de résistance. Dans le présent article à la croisée des études de genre et de l’histoire de l’art, l’auteure cherche à voir la manière dont l’oeuvre de Kate Millett, centrée sur la représentation du corps, articule esthétiquement une critique des politiques du genre.
Kate Millett is best known for her activism and her literary work. However, a major part of her practice remains largely neglected, if not ignored: her career as an artist. Her work must therefore be understood not only as a constitutive phase of the essay Sexual Politics (1970) but also as an active process of resistance. In this article at the crossroads of gender studies and art history, the author explores how Kate Millett’s work focused on body representation aesthetically articulates a critique of sexual politics.

QueeRiser l'Esthétique, sous la direction de Cécile Croce et Bernard Lafargue, 2021

Dans un contexte artistique où le terme « queer » est devenu un lieu commun, il convient d’éprou... more Dans un contexte artistique où le terme « queer » est devenu un lieu commun, il convient
d’éprouver les outils méthodologiques susceptibles de mieux cerner ses contours. À la
croisée du champ des études visuelles, de l’histoire de l’art et des études de genre,
l’analyse de l’imagerie culturellement signifiante de l’encagement est envisagée dans
cet article comme un « pas de côté » propre à aborder une création profondément
hermétique à toute tentative de rationalisation conceptuelle.

On ne se souvient que des photographies, 2013

Conference Presentations by Marie-Dominique Gil

Women ins abstraction. Another History of abstraction. Colloque international organisé en collaboration avec Aware et le Centre Pompidou, 2021

Née en 1937 en Inde, Zarina Hashmi décline une œuvre abstraite tout à la fois géométrique et orga... more Née en 1937 en Inde, Zarina Hashmi décline une œuvre abstraite tout à la fois géométrique et organique qui s’inspire des motifs décoratifs musulmans de son enfance. Résolument originale, sa pratique questionne profondément les canons tant de l’histoire de l’art traditionnelle que ceux érigés par les nouvelles théories féministes américaines depuis le début des années 1970.

VIIIe Journée des jeunes chercheurs, Musée Rodin. Groupe sculpté, composition, performance partagée: mettre ensemble , 2021

Kate Millett : autour d’une pratique collective et féministe de la sculpture Kate Millett est u... more Kate Millett : autour d’une pratique collective et féministe de la sculpture

Kate Millett est une figure majeure du féminisme américain de la seconde vague. Son livre Sexual Politics, publié en 1970, pose les bases théoriques du Women’s Liberation Movement. Largement reconnue pour son activisme politique et ses ouvrages autobiographiques, Kate Millett était pourtant avant tout une sculptrice. Bien qu’elle n’ait eu de cesse de répéter son statut d’artiste, un silence assourdissant a entouré et entoure encore aujourd’hui non seulement son œuvre mais aussi les pratiques collectives féminines qu’elle a mis en place. En effet, consciente de la complexité et de la diversité des mécanismes sexistes à l’œuvre dans le relatif anonymat de sa propre carrière, elle décide d’intervenir directement auprès des femmes. En mettant en place des ateliers exclusivement féminins, elle propose une œuvre qui constitue un pas de côté vis à vis des canons énoncés principalement par Clément Greenberg qui gouvernent encore la sculpture dans les années 1960 et 1970. Dans le cadre de cette communication, je m’intéresserai à l’action collective de l’atelier féminin initié par Kate Millett pour l’exposition Naked ladies organisée en 1977 au Woman’s Building de Los Angeles.
Dans une première partie, je montrerai pourquoi ces œuvres figuratives, monumentales et paradoxalement composées de matériaux périssables, constituent esthétiquement une critique d’un contexte artistique dominé par la sculpture abstraite. Dans une seconde partie, je m’intéresserai aux enjeux de la mise en place de cet atelier en terme de transmission technique exclusivement féminine. Je montrerai aussi comment cette configuration agit en miroir avec les œuvres, rassemblement de femmes géantes aux physiques dénués de toute idéalisation et prises au piège dans des actions banales et ordinaires. Enfin dans une dernière partie, je m’intéresserai à la réception critique mitigée de cette exposition, plus encline à s’attaquer au physique de sa conceptrice qu’à proposer une analyse théorique. Une telle approche permettra, à la croisée des études de genre et de l’histoire de l’art, de saisir les enjeux d’une mise en commun féministe en sculpture dans le contexte spécifique des années 1970.

The 4th World Conference on Women’s Studies, 2018

In 1971, Linda Nochlin famously wondered « Why have there been no great Women Artists? ». In her ... more In 1971, Linda Nochlin famously wondered « Why have there been no great Women Artists? ». In her groundbreaking essay, she analyzed a systemic situation, which prevented women from competing with male artists. In my presentation, I plan to analyze how Sri Lankan woman artists are representing the female bodies. Through Art history, representing women bodies was male artists’ privilege, leading to an all-masculine outlook on women. This is why representing themselves is a way for women to reclaim their own history, image and identity.
I first intend to study how these artists are showing the female body interacting in a public space. Women bodies are undeniably focusing points of tension involving conventions, religions, and culture altogether. Besides, I will look through the way they show the female body evolving in domestic spaces. This practice allows female artists to criticize gender disparities in both public and domestic spaces. Then, I will focus my research on their attempt at representing their « post-war bodies». As a matter of fact, women are the most vulnerable population in wartimes. When they aesthetically represent them, male artists alternatively depict them as soothing allegories or war allegories. When representing themselves, female artists bring non-idealized and suffering women bodies to the public eye. To conclude, I will show how a range of Sri-Lankan women artists are confronting the effect of colonialism with their work. Showing so called "ethnic" women bodies and representing gender fluidity can then be seen as a restorative force against oppression.

Körper_Grenze. Über den Zusammenhang von Körperlichkeit, Raum und Gewalt. Corps_frontière. Les relations entre corporéité, espace et violence., 2018

Avides d’être à l’origine de leur représentation, traditionnellement modelée par les artistes ma... more Avides d’être à l’origine de leur représentation, traditionnellement modelée par les
artistes masculins , les artistes femmes investissent le genre de la performance à partir
des années 1970. Par leur engagement physique, elles interrogent et dépassent leur
corporéité. Cette mobilisation manifeste incontestablement un au delà de la simple
anatomie en invoquant le « corps psychique, corps social, surface de projection et
d’inscription » (Creissels, 2013). Pour engager cette pluralité de sens et interroger leur
place dans la société, les femmes recourent à des objets signifiants. La cage, parce qu’elle
matérialise les frontières invisibles qui les limitent tant physiquement
qu’intellectuellement et socialement, endosse cette fonction. Cet objet construit un
espace paradoxal qui manifeste esthétiquement le genre comme processus social de
construction identitaire et symbolique hiérarchisant.
Je me propose donc d’interroger les performances de « femmes en cages » en tant que
matérialisation esthétiques de frontières invisibles produites par les discriminations
genrées. À la croisée des études de genre et de l’histoire de l’art, ma réflexion portera
dans un premier temps sur l’espace clos mis en scène par la cage. J’étudierai ensuite le
geste artistique consistant à mettre en scène la violence de la réclusion. Enfin, je
m’attacherai à montrer qu’en établissant des frontières qui séparent deux surfaces, la
cage construit un espace de visibilité particulier pour les femmes.
Liste des artistes : Tomaso Binda, Rebecca Horn, Lydia Schouten, Jana Sterback, Romina
de Novellis

Papers by Marie-Dominique Gil

Hermann eBooks, Aug 26, 2022

GLAD!, 2022

Kate Millett est une figure iconique du féminisme états-unien. Si elle est restée célèbre po... more Kate Millett est une figure iconique du féminisme états-unien. Si elle est restée célèbre pour son œuvre littéraire, sa pratique artistique et corrélativement les stratégies de transmission qu’elle a élaboré spécifiquement à destination des jeunes femmes sculptrices, peintres ou encore vidéastes sont restées dans l’ombre. Pour Kate Millett, le film Three Lives (1971), réalisé par une équipe exclusivement féminine, constitue l’application concrète d’un enseignement féministe des arts cinématographiques. En considérant que les femmes qui ont pris part à ce projet participent à la naissance d’une constellation artistique, cet article s’intéresse aux mécanismes socio-historiques à l’œuvre dans l’invisibilisation des rapports entre Kate Millett et ses collaboratrices. Revenir sur les fondements théoriques du film, sur les récits de la dégradation des relations au sein de l’équipe ainsi que sur les effets croisés de la critique féministe et de la critique dominante sur la réception, permettra de cerner l’enjeu théorique que constitue la prise en compte des silences de l’historiographie pour penser, ou repenser, l’histoire de l’art des femmes.

Kate Millett is an iconic figure of American feminism. If she has remained famous for her literary work, her artistic practice and correlatively the transmission strategies that she organized specifically for young women sculptors, painters or even videographers have remained in the shadows. For Kate Millett, the film Three Lives (1971), directed by an exclusively female team, constitutes the concrete application of a feminist teaching of the cinematographic arts. By considering that the women who took part in this project participated in the birth of an artistic constellation, this article focuses on the socio-historical mechanisms at work in the invisibilization of the relationship between Kate Millett and her collaborators. Examining the theoretical genesis of the film, the stories of the deterioration of relations within the team as well as the cross-effects of feminist criticism and mainstream criticism of its reception, will take into account the silences of historiography as a way to think, or rethink, the history of women’s art.

Les Cahiers de l'École du Louvre, 2020

Kate Millett est une figure majeure du féminisme américain. Célèbre pour son engagement politique... more Kate Millett est une figure majeure du féminisme américain. Célèbre pour son engagement politique, elle se considérait cependant avant tout comme une sculptrice. Son œuvre est profondément marquée par la lecture d’un article consacré à l’assassinat d’une jeune fille, un crime d’une violence inouïe qui la conduit, entre 1967 et 1996, à mobiliser avec obsession un objet dans son travail plastique : la cage. Son œuvre tisse un lien organique avec le système symbolique bâti par ce dispositif d’enfermement. En explorant tour à tour ses possibilités dans des installations immersives, à travers des performances et des sculptures, elle déploie simultanément son potentiel esthétique mais aussi son potentiel social. Son œuvre révèle toute la violence générée autant qu’occultée par un champ érotique fondé sur un système de signes genrés.

Les chantiers de la création, 2020

La résistance à l’oppression caractérise fondamentalement les actions menées par les artistes fem... more La résistance à l’oppression caractérise fondamentalement les actions menées par les artistes
femmes dans le contexte des années 1970. Pour combattre un système de domination sexiste,
elles investissent le genre de la performance, art du corps par excellence. Parmi les imageries
populaires qu’elles abordent pour en dévoiler la dimension stéréotypée, l’une d’elles est
convoquée avec constance : les représentations de femmes en cage. Cet article propose
d’examiner les actions en cage de Lydia Schouten, Tomaso Binga et Rebecca Horn afin d’établir le
lien qu’elles tissent avec la situation politique et sociale des femmes durant la seconde vague
féministe. A la croisée des études de genres, de l’histoire de l’art, de la littérature et de la
philosophie, l’exploration du motif des femmes en cages permet de révéler un processus social de
construction identitaire et symbolique hiérarchisant selon les sexes.
Activism was definitely a trademark of the 1970’s feminist phase, and against this background,
major feminist artists chose to perform in cages. Among others, Tomaso Binda, Lydia Schouten
and Rebecca Horn conjured the romanticized “caged women” figure widely displayed in Western
visual culture. These cage performances materialized the invisible limitations and restrictions
binding women, thus tackling the extensive issues triggered by sexism. This article intends to
look into a range of artistic performances to highlight how the pattern of caged performances,
despite building up two different aesthetics, draws up a shared feminist strategy. Through the
lens of the methodological tools provided by gender studies and art history, it shall strive to
determine the underlying process at stake beneath this pattern.

Talks by Marie-Dominique Gil

Arts, Culture et Activisme LGBTI & Queer, 2020

Ce que performer en cage veut dire : une discussion avec Selogadi Mampane autour de l'action Chro... more Ce que performer en cage veut dire : une discussion avec Selogadi Mampane autour de l'action Chromotherapie (2013) L'imagerie populaire que constitue les représentations de femmes emprisonnées dans des cages est un trope culturel répandu, rarement questionné par la réception sur l'oppression systémique qu'elle cristallise. Incontestablement tributaire de sa construction historique, l'imaginaire attaché à « l'encagement » féminin s'est vu mobilisé à des fins critiques à l'orée des années 1970 dans des actions artistiques indépendantes tant formellement et esthétiquement que conceptuellement. Cependant, au sein du système de représentation sexiste que ces performances dénoncent, la perception spécifique qui hypersexualise, réifie et présume l'hétérosexualité des femmes noires est peu interrogée. Cette carence constitue pour l'artiste et activiste noire sud-africaine Selagodi Mampane le socle même d'une performance critique qui croise les biais d'une réception concurremment androcentrée, raciste et hétéronormée: Chromotherapie. Pour le colloque Arts, Cultures et Activismes LGBTI et Queer, Selogadi Mampane évoque avec Marie-Dominique Gil les enjeux de sa performance en cage à l'égard de l'enchevêtrement des constructions racistes, sexistes et anti-LGBTI caractéristiques du système de représentation dominant. Pour cette action présentée pour la première fois en 2013, elle apparaît partiellement vêtue de cuir au sein d'une cage dans laquelle elle a placé une échelle. Si elle peut s'en extraire, les chaînes qui la lient à la structure l'empêchent irrémédiablement de s'en défaire. Au cours de cet entretien Selagodi Mampane évoquera sa volonté d'investir l'esthétique spécifique que la cage convoque dans le champ de l'érotisme queer, lui-même profondément intégré à

Compte rendu by Marie-Dominique Gil