Ralf van Bühren | Pontificia Universitas Sanctae Crucis (original) (raw)

Papers by Ralf van Bühren

in: Church, Communication and Culture 9 (2024): 1-36

References to the divine have been frequent in the history of Christian art. As examples, this ar... more References to the divine have been frequent in the history of Christian art. As examples, this article surveys the symbolism of light and gold, the rhetoric of gesture, and the theatricality of the pictorial space. Sacred art is closely linked to biblical, liturgical and theological texts which are full of metaphorical expressions of transcendent realities. Since artists, patrons and viewers considered these texts authoritative, they must be consulted to interpret artworks correctly. This study argues that Catholic theology and the magisterium have constantly called for references to the divine. As a theoretical framework, this image theology helps to interpret the art-historical data with new questions that tourists and communicators today usually do not ask. This is because Christian art mediates the meaning of divine revelation, which is not self-explanatory. It needs to be decoded with a method interested in both images and texts. Erwin Panofsky has presented such a method. His ‘iconology’ consists of three steps for describing, analyzing and interpreting images. This article claims that the interpretation of Christian art is a prime example of the ongoing applicability of Panofsky’s method as a tool for decoding iconography in pastoral, academic and social media communications, and examines a selection of best practices in such communications.

in: Synodalis consonantia. Konziliengeschichte als Spiegelbild kirchlicher Diskussionskultur und Identitätsfindung. Johannes Grohe zum 70. Geburtstag, edited by Fillipo Forlani, Ansgar Frenken and Thomas Prügl, Münster: Aschendorff, 2024, pp. 495-519

Die Kanzel im Langhaus des Doms St. Peter in Trier ist ein bedeutendes Werk der deutschen Spätren... more Die Kanzel im Langhaus des Doms St. Peter in Trier ist ein bedeutendes Werk der deutschen Spätrenaissance. Sie wurde von Hans Ruprecht Hoffmann 1570–1572 geschaffen, wahrscheinlich im Auftrag des Trierer Domkapitels. Ihr Bildprogramm ist künstlerisch komplex und theologisch anspruchsvoll. Die Ikonographie der sieben „Werke der Barmherzigkeit“ an der Brüstung des Predigerkorbs war für die Ausstattung einer neuzeitlichen Kanzel ungewöhnlich. Die Klärung dieses kunst- und kirchenhistorischen Problems blieb lange ein Desiderat der Forschung, zumal viele Publikationen zur Kanzel des Trierer Doms über Regionalforschungen sowie über stilistische und ikonographische Einzelfragen kaum hinausgelangt sind. Dieser Beitrag bezieht die konziliengeschichtliche Methode ein, um die Komplexität wahrscheinlicher Ursachen für die aufwendige Ausstattung zu erfassen. Eine Kernfrage ist, ob sich an der Trierer Kanzel eine künstlerische Rezeption des Trienter Konzils (1545–1563) erkennen lässt.

Excerpt ‒ Full text in: Architettura e teologia nella costruzione di chiese, a cura di Arturo Cattaneo, con un contributo di Mario Botta, Siena: Cantagalli, 2023, pp. 87-101

Questo capitolo è la pubblicazione di una relazione durante il convegno “Architettura e teologia ... more Questo capitolo è la pubblicazione di una relazione durante il convegno “Architettura e teologia nella costruzione di chiese” presso la Facoltà di Teologia di Lugano (aprile 2022). Offre un panorama complessivo della situazione contemporanea. Dopo il 1920 l’architettura sacra in Francia e in Germania subì un profondo cambiamento estetico, causato dalla ricezione dell’architettura civile (funzionalismo formale, stile minimalista). Inoltre, il movimento liturgico in atto lavorava per una nuova disposizione liturgica delle chiese (centralità dell’altare). Il Concilio Vaticano II riprese queste innovazioni nei suoi insegnamenti sull’arte sacra (SC, 122−129) e mise in moto la riforma liturgica. La ricezione postconciliare di questa riforma, insieme alla preferenza per le nuove tecniche costruttive e l’uso di materiali e forme contemporanee (come il cemento a vista) per rinnovare l’architettura delle chiese, anche attraverso una riduzione della quantità di immagini per accentuare l’importanza dell’azione liturgica, dominarono la scena internazionale dell’architettura sacra sino alla fine degli anni ‘80. A partire dagli anni ‘90 assistiamo nuovamente ad un cambiamento estetico nella costruzione di chiese e, in particolare per quanto riguarda lo spazio liturgico, nella promozione artistica e mistagogica della liturgia. Quale sarà il futuro dell’architettura sacra? Questo capitolo mette in discussione alcune idee sulle tendenze attuali, tenendo presente il contesto storico, artistico e teologico.

in: The Oxford Handbook of Divine Revelation, edited by Balázs M. Mezei, Francesca Aran Murphy and Kenneth Oakes, 622-640. New York and Oxford: Oxford University Press, 2021

ABSTRACT. This chapter deals with visual artworks as media of divine revelation. Since the third ... more ABSTRACT. This chapter deals with visual artworks as media of divine revelation. Since the third century, Christianity as a religion of revelation is using images to transmit knowledge of God and His action in history. These pictures rate among the oldest communication media of revelation. Apse mosaics of late antique churches served anagogical purposes leading beyond the pictorial work to transcendent realities. Placed intentionally above the altar, Christ’s sacramental presence was given a visual form through his pictorial presence. In the Middle Ages, the perception of images could represent the beginning of anagogical ascent towards the transcendent divine. In the Renaissance occurred a rhetorical shift. Gazes and pointing gestures of the figures in a perspectival space draw the viewer’s attention to the stage-like performance of the divine. The Baroque rhetoric of visionary revelations deployed theatrical and illusionistic features. In contemporary history, the issue of revelation in art became frequently controversial because the concord between artistic self-expression and the Judeo-Christian understanding of revelation was no longer a given. Many vanguard artists shaped their work as aesthetical expression of their spiritual ideas (Kandinsky, Newman). At present, the individual responses to divine revelation continue (Lüpertz, Pawson).

in: »Liturgie als Bauherr«? Moderne Sakralarchitektur und ihre Ausstattung zwischen Funktion und Form, ed. by Hans Körner and Jürgen Wiener, Essen 2010, pp. 241-256

in: Church, Communication and Culture 2 (2017), pp. 63-87

ABSTRACT. The artistic heritage of the Catholic Church still attracts attention all over the worl... more ABSTRACT. The artistic heritage of the Catholic Church still attracts attention all over the world. For almost 2000 years it has provided aesthetic access to spiritual meaning, together with the Church’s text communication, both spoken and written. Christian art and architecture therefore rank among the oldest communication media. Even today they can empower a culture of reflection and high-content communication. This article explains why Christian art offers opportunities for religious correspondents, Church media relations, as well cultural and arts journalists.

Especially during major Church events, like the Jubilee Year of Mercy (2015‒2016), many media editorial boards will take an interest in art which refers to such events, fostering reader interest through current affairs. For the Jubilee Year proclaimed by Pope Francis, the communication of mercy seemed appropriate, because in God’s pardon and mercy people can find the core of the Gospel. The works of mercy (Mt 25, 31‒46) are a human response to this mercy of God. They are an important element of social responsibility for the poor in Christianity, and have also been depicted in art.

Readers of this article gain insights into the famous altarpiece by Caravaggio (1606/07) in Naples, which is a major example of the “acts of mercy” in art. Research has found out that Caravaggio’s light, amidst a dramatic chiaroscuro, can be decoded as a metaphor for mercy. It probably attests to the artist’s own desire to receive pardon after killing someone in Rome (1606) as the result of a duel. This study aims to build a cultural awareness that Christian art has a wide range of semantic meaning, and Caravaggio’s painting in a very personal way. These references to human life can help the media audience to explore mercy in their own lives. The multiple meaning of Christian art is one more reason why Church events continue to provide prime time for cultural journalism.

in: Liturgische Bücher in der Kulturgeschichte Europas (Bibliothek und Wissenschaft, 51), edited by Hanns Peter Neuheuser, 173-181. Wiesbaden: Harrassowitz, 2018

ABSTRACT. Among all the liturgical books of the Catholic Church, the Missale Romanum is of suprem... more ABSTRACT. Among all the liturgical books of the Catholic Church, the Missale Romanum is of supreme importance for liturgical practice and scholarly investigation. After the Second Vatican Council, the “Institutio generalis” of the Roman Missal incorporated significant statements on art in the liturgical space. Scholars have paid little attention, however, to the illustration of the new Missal itself. To add depth to this research, the present paper examines the pictorial programme of 22 Catholic missals dating between 1970 and 2011.
The purpose of images in missals is a complex question requiring an interdisciplinary response. Pictures can perform a decorative and a mystagogical function. As dividers they mark the beginning of major sections in the text. Here they can also guide the celebrant towards spiritual focus. Artists who draw on the metaphorical and kerygmatic language of the text will supply a reference to the liturgical celebration of the Paschal mystery. This mystagogical function of potential missal images remains important today.
Before the liturgical reform, Roman Missals contained many brightly coloured pictures inspired by the Historicist style. Since the new edition of the Missale Romanum by Pope John XXIII (1962), there has been a discernible aesthetic preference for black and white images and fewer of them. The Latin and vernacular versions of the Editio typica (1970) upheld this minimalist trend. In France (1974, 1978) and Germany (1975, 1988), missals were published without illustrations.
Since the “Editio typica tertia” (2002/08), new trends have emerged, especially since 2005 in the English-speaking world, where US publishers illustrated both Latin and vernacular editions with large, colourful reproductions. Almost all English editions of 2011 contain photographic reproductions from Christian art history, in one case more than 300 pictures. Only one missal features work by a contemporary artist.
Thus there have been two extreme trends since the Second Vatican Council: the “purist” textual edition and the opulent “picture book” seem to result from two diametrically opposed views of how to compose a missal for the present day. This finding poses a practical challenge to the editors of vernacular missals to be published in forthcoming years.
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ABSTRACT. Unter den Liturgiebüchern der katholischen Kirche ist das Missale Romanum von größter Bedeutung für die liturgische Praxis und wissenschaftliche Erforschung. Nach dem Zweiten Vatikanum enthielt die „Institutio generalis“ des Römischen Messbuchs wichtige Aussagen zur Kunst im liturgischen Raum. Jedoch fand die Bildausstattung des neuen Missales selbst in der Forschung kaum Beachtung. Um diese Fragestellung zu intensivieren, untersucht der vorliegende Beitrag das Bildprogramm von 22 katholischen Messbüchern zwischen 1970 und 2011.
Die Frage nach dem Zweck von Bildern im Missale ist komplex und interdisziplinär zu beantworten. Die Bilder können dekorative und mystagogische Aufgaben erfüllen. Als Gliederungselement markieren sie den Beginn wichtiger Textabschnitte. Hier können sie den Zelebranten auch zur Innerlichkeit führen. Ihr Bezug zur liturgischen Feier des Paschamysteriums ist gewährleistet, falls Künstler die bildhaft-kerygmatische Sprache des Textes aufgreifen. Diese mystagogische Funktion eventueller Messbuch-Bilder ist auch heute wichtig.
Vor der Liturgiereform enthielten die Römischen Messbücher viele, starkfarbige Bilder, die stilistisch am Historismus orientiert waren. Seit der Neuausgabe des Missale Romanum durch Johannes XXIII. (1962) ist eine ästhetische Präferenz für schwarz-weiße Bilder in reduzierter Zahl erkennbar. In den lateinischen und volkssprachlichen Ausgaben der Editio typica (1970) setzte sich diese minimalistische Tendenz fort. In Frankreich (1974, 1978) und Deutschland (1975, 1988) kamen Messbücher ohne Bilder zum Einsatz.
Nach der „Editio typica tertia“ (2002/08) sind neue Tendenzen feststellbar, besonders ab 2005 im englischen Sprachraum, wo US-Verlage ihre lateinischen und volkssprachlichen Ausgaben mit farbigen, großformatigen Reproduktionen ausstatteten. Fast alle englischen Ausgaben von 2011 enthalten fotografische Reproduktionen aus der christlichen Kunstgeschichte, in einem Fall sogar über 300 Bilder. Nur ein einziges Messbuch enthält Werke eines zeitgenössischen Künstlers.
Nach dem Zweiten Vatikanischen Konzil sind somit zwei extreme Tendenzen erkennbar. Das „puristische“ Textbuch und das opulente „Bilderbuch“ scheinen das Resultat zweier diametral entgegengesetzter Auffassungen zu sein, wie ein zeitgemäßes Messbuch aussehen soll. In der Praxis fordert dieser Befund auch die Redaktionsarbeit der volkssprachlichen Missalien heraus, die in den nächsten Jahren ediert werden.

in: Nobile semplicità. Liturgia, arte e architettura del Vaticano II. Atti dell’XI Convegno liturgico internazionale, Bose, 30th of May–1st of June 2013 (Liturgia e vita), ed. by Goffredo Boselli, Magnano 2014, pp. 141-178

ABSTRACT. Per quanto nella dimensione storica cinquant’anni costituiscano un periodo di tempo piu... more ABSTRACT. Per quanto nella dimensione storica cinquant’anni costituiscano un periodo di tempo piuttosto breve, possiamo senz’altro affermare che il concilio Vaticano II (1962-1965), nella storia della chiesa contemporanea, rappresenta un evento epocale. A questo proposito il tema “Architettura e arte nei testi del concilio Vaticano II” riveste un interesse particolare, soprattutto perché è essenziale per la vita liturgica e le attività culturali della chiesa. Trattandosi di una tematica molto ampia, nelle seguenti considerazioni occorre concentrare l’attenzione sulle questioni essenziali.

in: Operation am lebenden Objekt. Roms Liturgiereformen von Trient bis zum Vaticanum II, ed. by Stefan Heid, Berlin 2014, pp. 93-119

ABSTRACT. Ralf van Bühren geht dem Kirchenbau nach, wie er sich von der Renaissance zum Barock en... more ABSTRACT. Ralf van Bühren geht dem Kirchenbau nach, wie er sich von der Renaissance zum Barock entwickelt hat, und fragt nach dem Einfluss, den dabei das Konzil von Trient gespielt hat. Nicht jede Veränderung im Kirchenbau ist schon einer Reformabsicht geschuldet. Van Bühren kann aber an anschaulichen Beispielen zeigen, dass markante Veränderungen wenigstens indirekt auf die pastoralen Absichten des Trienter Konzils zurückgreifen. Dazu zählt anders als in den zahlreichen mittelalterlichen Stifts- und Klosterkirchen mit ihren Sichtbarrieren zwischen Klerus und Volk der helle Einheitsraum mit einem aus dem ganzen Kirchenschiff gut einsehbarem Altarbereich, der auf eine einheitliche Gottesdienstgemeinschaft zielt. Dazu zählt aber auch ein Hauptaltar, der durch seine künstlerische Ausstattung der zentrale Blickfang ist und sich sowohl für die liturgische Eucharistiefeier (Mensa) als auch für die devotionelle eucharistische Anbetung (Tabernakel) eignet. Die aktive Beteiligung aller Gläubigen (participatio actuosa) am Gottesdienst, die seit der Aufklärung als reformerische Forderung begegnet und dann von der Liturgischen Bewegung und dem Zweiten Vatikanischen Konzil aufgegriffen wurde, erfuhr bereits eine Vorwegnahme im barocken Kirchenbau durch die prominente Installation von Kanzel und Beichtstühlen im Langhaus, dem Raum für die Laiengläubigen. Insgesamt kann die gern diffamierte „Theatralität“ des barocken Kirchenraums als Ausdruck einer neuen Aufwertung der liturgischen Rolle der Laien gewürdigt werden.
(Stefan Heid, Vorwort)

in: Church, Communication and Culture 3 (2018), pp. 195-196

Editorial of the first section in the special issue on “Tourism, religious identity and cultural ... more Editorial of the first section in the special issue on “Tourism, religious identity and cultural heritage”, in: Church, Communication and Culture 3 (2018), pp. 195-196

Church, Communication and Culture, Sep 2, 2018

in: Anuario de Historia de la Iglesia 22, 2013, pp. 175-189

ABSTRACT. Die romanischen Türflügel der Kirche St. Maria im Kapitol zu Köln (1040–1065) sind die... more ABSTRACT. Die romanischen Türflügel der Kirche St. Maria im Kapitol zu Köln (1040–1065) sind die einzigen aus Holz, die nördlich der Alpen aus dem Mittelalter erhalten sind. Fast 900 Jahre lang standen die zwei Türflügel am Nordportal des Dreikonchenchors, der nach Vorbild der Geburtskirche in Betlehem errichtet wurde. Die erste Messe des Weihnachtsfestes zelebrierte der Kölner Erzbischof in St. Maria. Durch das Portal zogen im Mittelalter hochrangige Besucher ein, z. B. die gewählten deutschen Könige auf ihrem Weg zur Krönung in Aachen. Auch der Bevölkerung Kölns waren die 26 Bildreliefs der Holztür zugänglich, die das Leben und die Passion Christi darstellen. Die Tür öffnete den Zutritt zur Kirche, mystagogisch auch zum Glauben und zum Heil.
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The Romanesque door leaves of the church «St. Maria im Kapitol» in Cologne (1040-1065) pertain to the only wooden door north of the Alps preserved from the Middle Ages. For almost 900 years they stood in the north portal of the trefoil choir whose design is based on the floor plan of the choir construction of the Church of Nativity in Bethlehem. The Archbishop of Cologne used to celebrate the first of the three Christmas Masses in «St. Maria». During the Middle Ages, high-ranking personalities, such as the elected German kings on the way to their coronation in Aachen, would enter through this door. The people of Cologne also had access to the wooden door arrayed with 26 reliefs depicting scenes of the life and passion of Christ. The door was the gateway to the church, and mystagogically speaking, to faith and salvation.

Anuario de Historia de la Iglesia 20 (2011): 454-459

Annuarium Historiae Conciliorum

Annuarium Historiae Conciliorum

The Sistine Chapel in the Apostolic Palace of Vatican City, from the view of art history, is prob... more The Sistine Chapel in the Apostolic Palace of Vatican City, from the view of art history, is probably the most important assembly hall of the world. On November 21, 2009 more than 260 artists met there with Pope Benedict XVI. It was an extraordinary setting. The Vatican indicated that the reason for the meeting was its desire to continue the friendship, the dialogue and the cooperation between artists and Church. The address of Benedict XVI during the meeting was a challenging reflection about beauty. This concept had been critically questioned by artists and aestheticians in the 20th century. Historically speaking, the meeting of Benedict XVI with artists was not a new beginning in the Church’s pastoral care, but rather it continued the reforms after the Second Vatican Council (1962−1965) and, even more, the tradition of the Popes in the 20th century.

L‘Osservatore Romano. Weekly edition in German, 10.8.2012, p. 10

Annuarium Historiae Conciliorum

Giacomo Manzù (1908-1991), italienischer Bildhauer, Maler, Graphiker und Zeichner, setzte sich fa... more Giacomo Manzù (1908-1991), italienischer Bildhauer, Maler, Graphiker und Zeichner, setzte sich fast ausschließlich mit der menschlichen Figur auseinander. Meist arbeitete er in Bronze. Bereits vor dem Zweiten Weltkrieg zählte Manzù zu den führenden italienischen Künstlern gegenständlicher Stilrichtung. Stilistisch zählte er zu den modernen Künstlern der klassischen Formgebung, zumal sich Manzù bereits im Frühwerk an der florentinischen Plastik des Quattrocento orientierte, in Form und Raumauffassung des Reliefs besonders an Donatello. In Paris entdeckte Manzù die impressionistische Oberflächenbehandlung im skulpturalen Werk Auguste Rodins und Edgar Degas’. In der Folge verband er die flüchtige Lichtwirkungen und malerische Oberflächenbehandlung mit der reduzierten Formensprache. Auch sein späteres Werk war durch die italienische Romanik und Frührenaissance (Donatello) sowie durch die Moderne (Rodin, Maillol, Marini) geprägt. Giacomo Manzù orientierte seine figürliche Plastik und Rel...

Annales theologici 25 (2011): 305-315, 2011

ABSTRACT. Pope Benedict XVI’s meeting with artists in 2009 was not a new beginning in the Church’... more ABSTRACT. Pope Benedict XVI’s meeting with artists in 2009 was not a new beginning in the Church’s pastoral care. Rather, it continued the postconciliar reforms. Aware of the tensions between the Church and artists that marked the 20th century, the Second Vatican Council sought a mutual openness. Paul VI initiated the dialogue with artists, later continued by John Paul II. When Benedict XVI met with artists at the Sistine Chapel in 2009, he stressed the harmony between art and faith as well as between aesthetics and ethics. The Vatican will express its openness for dialogue once again at the Venice Biennale in 2013.
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ABSTRACT. Die Begegnung Papst Benedikts XVI. mit Künstlern 2009 war kein pastoraler Neuanfang der Kirche, sondern knüpfte an das nachkonziliare Reformwerk an. Angesichts der Spannungen zwischen Kirche und Kunst im 20. Jahrhundert wünschte das Zweite Vatikanische Konzil eine gegenseitige Öffnung. Im Dialog mit Künstlern leitete Paul VI. eine pastorale Wende ein, die Johannes Paul II. fortsetzte. Beim Künstlertreffen 2009 in der Sixtinischen Kapelle betonte Benedikt XVI. den Einklang zwischen Kunst und Glaube bzw. Ästhetik und Ethik. Der Vatikan wird auf der Biennale 2013 erneut Dialogbereitschaft signalisieren.

in: Church, Communication and Culture 9 (2024): 1-36

References to the divine have been frequent in the history of Christian art. As examples, this ar... more References to the divine have been frequent in the history of Christian art. As examples, this article surveys the symbolism of light and gold, the rhetoric of gesture, and the theatricality of the pictorial space. Sacred art is closely linked to biblical, liturgical and theological texts which are full of metaphorical expressions of transcendent realities. Since artists, patrons and viewers considered these texts authoritative, they must be consulted to interpret artworks correctly. This study argues that Catholic theology and the magisterium have constantly called for references to the divine. As a theoretical framework, this image theology helps to interpret the art-historical data with new questions that tourists and communicators today usually do not ask. This is because Christian art mediates the meaning of divine revelation, which is not self-explanatory. It needs to be decoded with a method interested in both images and texts. Erwin Panofsky has presented such a method. His ‘iconology’ consists of three steps for describing, analyzing and interpreting images. This article claims that the interpretation of Christian art is a prime example of the ongoing applicability of Panofsky’s method as a tool for decoding iconography in pastoral, academic and social media communications, and examines a selection of best practices in such communications.

in: Synodalis consonantia. Konziliengeschichte als Spiegelbild kirchlicher Diskussionskultur und Identitätsfindung. Johannes Grohe zum 70. Geburtstag, edited by Fillipo Forlani, Ansgar Frenken and Thomas Prügl, Münster: Aschendorff, 2024, pp. 495-519

Die Kanzel im Langhaus des Doms St. Peter in Trier ist ein bedeutendes Werk der deutschen Spätren... more Die Kanzel im Langhaus des Doms St. Peter in Trier ist ein bedeutendes Werk der deutschen Spätrenaissance. Sie wurde von Hans Ruprecht Hoffmann 1570–1572 geschaffen, wahrscheinlich im Auftrag des Trierer Domkapitels. Ihr Bildprogramm ist künstlerisch komplex und theologisch anspruchsvoll. Die Ikonographie der sieben „Werke der Barmherzigkeit“ an der Brüstung des Predigerkorbs war für die Ausstattung einer neuzeitlichen Kanzel ungewöhnlich. Die Klärung dieses kunst- und kirchenhistorischen Problems blieb lange ein Desiderat der Forschung, zumal viele Publikationen zur Kanzel des Trierer Doms über Regionalforschungen sowie über stilistische und ikonographische Einzelfragen kaum hinausgelangt sind. Dieser Beitrag bezieht die konziliengeschichtliche Methode ein, um die Komplexität wahrscheinlicher Ursachen für die aufwendige Ausstattung zu erfassen. Eine Kernfrage ist, ob sich an der Trierer Kanzel eine künstlerische Rezeption des Trienter Konzils (1545–1563) erkennen lässt.

Excerpt ‒ Full text in: Architettura e teologia nella costruzione di chiese, a cura di Arturo Cattaneo, con un contributo di Mario Botta, Siena: Cantagalli, 2023, pp. 87-101

Questo capitolo è la pubblicazione di una relazione durante il convegno “Architettura e teologia ... more Questo capitolo è la pubblicazione di una relazione durante il convegno “Architettura e teologia nella costruzione di chiese” presso la Facoltà di Teologia di Lugano (aprile 2022). Offre un panorama complessivo della situazione contemporanea. Dopo il 1920 l’architettura sacra in Francia e in Germania subì un profondo cambiamento estetico, causato dalla ricezione dell’architettura civile (funzionalismo formale, stile minimalista). Inoltre, il movimento liturgico in atto lavorava per una nuova disposizione liturgica delle chiese (centralità dell’altare). Il Concilio Vaticano II riprese queste innovazioni nei suoi insegnamenti sull’arte sacra (SC, 122−129) e mise in moto la riforma liturgica. La ricezione postconciliare di questa riforma, insieme alla preferenza per le nuove tecniche costruttive e l’uso di materiali e forme contemporanee (come il cemento a vista) per rinnovare l’architettura delle chiese, anche attraverso una riduzione della quantità di immagini per accentuare l’importanza dell’azione liturgica, dominarono la scena internazionale dell’architettura sacra sino alla fine degli anni ‘80. A partire dagli anni ‘90 assistiamo nuovamente ad un cambiamento estetico nella costruzione di chiese e, in particolare per quanto riguarda lo spazio liturgico, nella promozione artistica e mistagogica della liturgia. Quale sarà il futuro dell’architettura sacra? Questo capitolo mette in discussione alcune idee sulle tendenze attuali, tenendo presente il contesto storico, artistico e teologico.

in: The Oxford Handbook of Divine Revelation, edited by Balázs M. Mezei, Francesca Aran Murphy and Kenneth Oakes, 622-640. New York and Oxford: Oxford University Press, 2021

ABSTRACT. This chapter deals with visual artworks as media of divine revelation. Since the third ... more ABSTRACT. This chapter deals with visual artworks as media of divine revelation. Since the third century, Christianity as a religion of revelation is using images to transmit knowledge of God and His action in history. These pictures rate among the oldest communication media of revelation. Apse mosaics of late antique churches served anagogical purposes leading beyond the pictorial work to transcendent realities. Placed intentionally above the altar, Christ’s sacramental presence was given a visual form through his pictorial presence. In the Middle Ages, the perception of images could represent the beginning of anagogical ascent towards the transcendent divine. In the Renaissance occurred a rhetorical shift. Gazes and pointing gestures of the figures in a perspectival space draw the viewer’s attention to the stage-like performance of the divine. The Baroque rhetoric of visionary revelations deployed theatrical and illusionistic features. In contemporary history, the issue of revelation in art became frequently controversial because the concord between artistic self-expression and the Judeo-Christian understanding of revelation was no longer a given. Many vanguard artists shaped their work as aesthetical expression of their spiritual ideas (Kandinsky, Newman). At present, the individual responses to divine revelation continue (Lüpertz, Pawson).

in: »Liturgie als Bauherr«? Moderne Sakralarchitektur und ihre Ausstattung zwischen Funktion und Form, ed. by Hans Körner and Jürgen Wiener, Essen 2010, pp. 241-256

in: Church, Communication and Culture 2 (2017), pp. 63-87

ABSTRACT. The artistic heritage of the Catholic Church still attracts attention all over the worl... more ABSTRACT. The artistic heritage of the Catholic Church still attracts attention all over the world. For almost 2000 years it has provided aesthetic access to spiritual meaning, together with the Church’s text communication, both spoken and written. Christian art and architecture therefore rank among the oldest communication media. Even today they can empower a culture of reflection and high-content communication. This article explains why Christian art offers opportunities for religious correspondents, Church media relations, as well cultural and arts journalists.

Especially during major Church events, like the Jubilee Year of Mercy (2015‒2016), many media editorial boards will take an interest in art which refers to such events, fostering reader interest through current affairs. For the Jubilee Year proclaimed by Pope Francis, the communication of mercy seemed appropriate, because in God’s pardon and mercy people can find the core of the Gospel. The works of mercy (Mt 25, 31‒46) are a human response to this mercy of God. They are an important element of social responsibility for the poor in Christianity, and have also been depicted in art.

Readers of this article gain insights into the famous altarpiece by Caravaggio (1606/07) in Naples, which is a major example of the “acts of mercy” in art. Research has found out that Caravaggio’s light, amidst a dramatic chiaroscuro, can be decoded as a metaphor for mercy. It probably attests to the artist’s own desire to receive pardon after killing someone in Rome (1606) as the result of a duel. This study aims to build a cultural awareness that Christian art has a wide range of semantic meaning, and Caravaggio’s painting in a very personal way. These references to human life can help the media audience to explore mercy in their own lives. The multiple meaning of Christian art is one more reason why Church events continue to provide prime time for cultural journalism.

in: Liturgische Bücher in der Kulturgeschichte Europas (Bibliothek und Wissenschaft, 51), edited by Hanns Peter Neuheuser, 173-181. Wiesbaden: Harrassowitz, 2018

ABSTRACT. Among all the liturgical books of the Catholic Church, the Missale Romanum is of suprem... more ABSTRACT. Among all the liturgical books of the Catholic Church, the Missale Romanum is of supreme importance for liturgical practice and scholarly investigation. After the Second Vatican Council, the “Institutio generalis” of the Roman Missal incorporated significant statements on art in the liturgical space. Scholars have paid little attention, however, to the illustration of the new Missal itself. To add depth to this research, the present paper examines the pictorial programme of 22 Catholic missals dating between 1970 and 2011.
The purpose of images in missals is a complex question requiring an interdisciplinary response. Pictures can perform a decorative and a mystagogical function. As dividers they mark the beginning of major sections in the text. Here they can also guide the celebrant towards spiritual focus. Artists who draw on the metaphorical and kerygmatic language of the text will supply a reference to the liturgical celebration of the Paschal mystery. This mystagogical function of potential missal images remains important today.
Before the liturgical reform, Roman Missals contained many brightly coloured pictures inspired by the Historicist style. Since the new edition of the Missale Romanum by Pope John XXIII (1962), there has been a discernible aesthetic preference for black and white images and fewer of them. The Latin and vernacular versions of the Editio typica (1970) upheld this minimalist trend. In France (1974, 1978) and Germany (1975, 1988), missals were published without illustrations.
Since the “Editio typica tertia” (2002/08), new trends have emerged, especially since 2005 in the English-speaking world, where US publishers illustrated both Latin and vernacular editions with large, colourful reproductions. Almost all English editions of 2011 contain photographic reproductions from Christian art history, in one case more than 300 pictures. Only one missal features work by a contemporary artist.
Thus there have been two extreme trends since the Second Vatican Council: the “purist” textual edition and the opulent “picture book” seem to result from two diametrically opposed views of how to compose a missal for the present day. This finding poses a practical challenge to the editors of vernacular missals to be published in forthcoming years.
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ABSTRACT. Unter den Liturgiebüchern der katholischen Kirche ist das Missale Romanum von größter Bedeutung für die liturgische Praxis und wissenschaftliche Erforschung. Nach dem Zweiten Vatikanum enthielt die „Institutio generalis“ des Römischen Messbuchs wichtige Aussagen zur Kunst im liturgischen Raum. Jedoch fand die Bildausstattung des neuen Missales selbst in der Forschung kaum Beachtung. Um diese Fragestellung zu intensivieren, untersucht der vorliegende Beitrag das Bildprogramm von 22 katholischen Messbüchern zwischen 1970 und 2011.
Die Frage nach dem Zweck von Bildern im Missale ist komplex und interdisziplinär zu beantworten. Die Bilder können dekorative und mystagogische Aufgaben erfüllen. Als Gliederungselement markieren sie den Beginn wichtiger Textabschnitte. Hier können sie den Zelebranten auch zur Innerlichkeit führen. Ihr Bezug zur liturgischen Feier des Paschamysteriums ist gewährleistet, falls Künstler die bildhaft-kerygmatische Sprache des Textes aufgreifen. Diese mystagogische Funktion eventueller Messbuch-Bilder ist auch heute wichtig.
Vor der Liturgiereform enthielten die Römischen Messbücher viele, starkfarbige Bilder, die stilistisch am Historismus orientiert waren. Seit der Neuausgabe des Missale Romanum durch Johannes XXIII. (1962) ist eine ästhetische Präferenz für schwarz-weiße Bilder in reduzierter Zahl erkennbar. In den lateinischen und volkssprachlichen Ausgaben der Editio typica (1970) setzte sich diese minimalistische Tendenz fort. In Frankreich (1974, 1978) und Deutschland (1975, 1988) kamen Messbücher ohne Bilder zum Einsatz.
Nach der „Editio typica tertia“ (2002/08) sind neue Tendenzen feststellbar, besonders ab 2005 im englischen Sprachraum, wo US-Verlage ihre lateinischen und volkssprachlichen Ausgaben mit farbigen, großformatigen Reproduktionen ausstatteten. Fast alle englischen Ausgaben von 2011 enthalten fotografische Reproduktionen aus der christlichen Kunstgeschichte, in einem Fall sogar über 300 Bilder. Nur ein einziges Messbuch enthält Werke eines zeitgenössischen Künstlers.
Nach dem Zweiten Vatikanischen Konzil sind somit zwei extreme Tendenzen erkennbar. Das „puristische“ Textbuch und das opulente „Bilderbuch“ scheinen das Resultat zweier diametral entgegengesetzter Auffassungen zu sein, wie ein zeitgemäßes Messbuch aussehen soll. In der Praxis fordert dieser Befund auch die Redaktionsarbeit der volkssprachlichen Missalien heraus, die in den nächsten Jahren ediert werden.

in: Nobile semplicità. Liturgia, arte e architettura del Vaticano II. Atti dell’XI Convegno liturgico internazionale, Bose, 30th of May–1st of June 2013 (Liturgia e vita), ed. by Goffredo Boselli, Magnano 2014, pp. 141-178

ABSTRACT. Per quanto nella dimensione storica cinquant’anni costituiscano un periodo di tempo piu... more ABSTRACT. Per quanto nella dimensione storica cinquant’anni costituiscano un periodo di tempo piuttosto breve, possiamo senz’altro affermare che il concilio Vaticano II (1962-1965), nella storia della chiesa contemporanea, rappresenta un evento epocale. A questo proposito il tema “Architettura e arte nei testi del concilio Vaticano II” riveste un interesse particolare, soprattutto perché è essenziale per la vita liturgica e le attività culturali della chiesa. Trattandosi di una tematica molto ampia, nelle seguenti considerazioni occorre concentrare l’attenzione sulle questioni essenziali.

in: Operation am lebenden Objekt. Roms Liturgiereformen von Trient bis zum Vaticanum II, ed. by Stefan Heid, Berlin 2014, pp. 93-119

ABSTRACT. Ralf van Bühren geht dem Kirchenbau nach, wie er sich von der Renaissance zum Barock en... more ABSTRACT. Ralf van Bühren geht dem Kirchenbau nach, wie er sich von der Renaissance zum Barock entwickelt hat, und fragt nach dem Einfluss, den dabei das Konzil von Trient gespielt hat. Nicht jede Veränderung im Kirchenbau ist schon einer Reformabsicht geschuldet. Van Bühren kann aber an anschaulichen Beispielen zeigen, dass markante Veränderungen wenigstens indirekt auf die pastoralen Absichten des Trienter Konzils zurückgreifen. Dazu zählt anders als in den zahlreichen mittelalterlichen Stifts- und Klosterkirchen mit ihren Sichtbarrieren zwischen Klerus und Volk der helle Einheitsraum mit einem aus dem ganzen Kirchenschiff gut einsehbarem Altarbereich, der auf eine einheitliche Gottesdienstgemeinschaft zielt. Dazu zählt aber auch ein Hauptaltar, der durch seine künstlerische Ausstattung der zentrale Blickfang ist und sich sowohl für die liturgische Eucharistiefeier (Mensa) als auch für die devotionelle eucharistische Anbetung (Tabernakel) eignet. Die aktive Beteiligung aller Gläubigen (participatio actuosa) am Gottesdienst, die seit der Aufklärung als reformerische Forderung begegnet und dann von der Liturgischen Bewegung und dem Zweiten Vatikanischen Konzil aufgegriffen wurde, erfuhr bereits eine Vorwegnahme im barocken Kirchenbau durch die prominente Installation von Kanzel und Beichtstühlen im Langhaus, dem Raum für die Laiengläubigen. Insgesamt kann die gern diffamierte „Theatralität“ des barocken Kirchenraums als Ausdruck einer neuen Aufwertung der liturgischen Rolle der Laien gewürdigt werden.
(Stefan Heid, Vorwort)

in: Church, Communication and Culture 3 (2018), pp. 195-196

Editorial of the first section in the special issue on “Tourism, religious identity and cultural ... more Editorial of the first section in the special issue on “Tourism, religious identity and cultural heritage”, in: Church, Communication and Culture 3 (2018), pp. 195-196

Church, Communication and Culture, Sep 2, 2018

in: Anuario de Historia de la Iglesia 22, 2013, pp. 175-189

ABSTRACT. Die romanischen Türflügel der Kirche St. Maria im Kapitol zu Köln (1040–1065) sind die... more ABSTRACT. Die romanischen Türflügel der Kirche St. Maria im Kapitol zu Köln (1040–1065) sind die einzigen aus Holz, die nördlich der Alpen aus dem Mittelalter erhalten sind. Fast 900 Jahre lang standen die zwei Türflügel am Nordportal des Dreikonchenchors, der nach Vorbild der Geburtskirche in Betlehem errichtet wurde. Die erste Messe des Weihnachtsfestes zelebrierte der Kölner Erzbischof in St. Maria. Durch das Portal zogen im Mittelalter hochrangige Besucher ein, z. B. die gewählten deutschen Könige auf ihrem Weg zur Krönung in Aachen. Auch der Bevölkerung Kölns waren die 26 Bildreliefs der Holztür zugänglich, die das Leben und die Passion Christi darstellen. Die Tür öffnete den Zutritt zur Kirche, mystagogisch auch zum Glauben und zum Heil.
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The Romanesque door leaves of the church «St. Maria im Kapitol» in Cologne (1040-1065) pertain to the only wooden door north of the Alps preserved from the Middle Ages. For almost 900 years they stood in the north portal of the trefoil choir whose design is based on the floor plan of the choir construction of the Church of Nativity in Bethlehem. The Archbishop of Cologne used to celebrate the first of the three Christmas Masses in «St. Maria». During the Middle Ages, high-ranking personalities, such as the elected German kings on the way to their coronation in Aachen, would enter through this door. The people of Cologne also had access to the wooden door arrayed with 26 reliefs depicting scenes of the life and passion of Christ. The door was the gateway to the church, and mystagogically speaking, to faith and salvation.

Anuario de Historia de la Iglesia 20 (2011): 454-459

Annuarium Historiae Conciliorum

Annuarium Historiae Conciliorum

The Sistine Chapel in the Apostolic Palace of Vatican City, from the view of art history, is prob... more The Sistine Chapel in the Apostolic Palace of Vatican City, from the view of art history, is probably the most important assembly hall of the world. On November 21, 2009 more than 260 artists met there with Pope Benedict XVI. It was an extraordinary setting. The Vatican indicated that the reason for the meeting was its desire to continue the friendship, the dialogue and the cooperation between artists and Church. The address of Benedict XVI during the meeting was a challenging reflection about beauty. This concept had been critically questioned by artists and aestheticians in the 20th century. Historically speaking, the meeting of Benedict XVI with artists was not a new beginning in the Church’s pastoral care, but rather it continued the reforms after the Second Vatican Council (1962−1965) and, even more, the tradition of the Popes in the 20th century.

L‘Osservatore Romano. Weekly edition in German, 10.8.2012, p. 10

Annuarium Historiae Conciliorum

Giacomo Manzù (1908-1991), italienischer Bildhauer, Maler, Graphiker und Zeichner, setzte sich fa... more Giacomo Manzù (1908-1991), italienischer Bildhauer, Maler, Graphiker und Zeichner, setzte sich fast ausschließlich mit der menschlichen Figur auseinander. Meist arbeitete er in Bronze. Bereits vor dem Zweiten Weltkrieg zählte Manzù zu den führenden italienischen Künstlern gegenständlicher Stilrichtung. Stilistisch zählte er zu den modernen Künstlern der klassischen Formgebung, zumal sich Manzù bereits im Frühwerk an der florentinischen Plastik des Quattrocento orientierte, in Form und Raumauffassung des Reliefs besonders an Donatello. In Paris entdeckte Manzù die impressionistische Oberflächenbehandlung im skulpturalen Werk Auguste Rodins und Edgar Degas’. In der Folge verband er die flüchtige Lichtwirkungen und malerische Oberflächenbehandlung mit der reduzierten Formensprache. Auch sein späteres Werk war durch die italienische Romanik und Frührenaissance (Donatello) sowie durch die Moderne (Rodin, Maillol, Marini) geprägt. Giacomo Manzù orientierte seine figürliche Plastik und Rel...

Annales theologici 25 (2011): 305-315, 2011

ABSTRACT. Pope Benedict XVI’s meeting with artists in 2009 was not a new beginning in the Church’... more ABSTRACT. Pope Benedict XVI’s meeting with artists in 2009 was not a new beginning in the Church’s pastoral care. Rather, it continued the postconciliar reforms. Aware of the tensions between the Church and artists that marked the 20th century, the Second Vatican Council sought a mutual openness. Paul VI initiated the dialogue with artists, later continued by John Paul II. When Benedict XVI met with artists at the Sistine Chapel in 2009, he stressed the harmony between art and faith as well as between aesthetics and ethics. The Vatican will express its openness for dialogue once again at the Venice Biennale in 2013.
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ABSTRACT. Die Begegnung Papst Benedikts XVI. mit Künstlern 2009 war kein pastoraler Neuanfang der Kirche, sondern knüpfte an das nachkonziliare Reformwerk an. Angesichts der Spannungen zwischen Kirche und Kunst im 20. Jahrhundert wünschte das Zweite Vatikanische Konzil eine gegenseitige Öffnung. Im Dialog mit Künstlern leitete Paul VI. eine pastorale Wende ein, die Johannes Paul II. fortsetzte. Beim Künstlertreffen 2009 in der Sixtinischen Kapelle betonte Benedikt XVI. den Einklang zwischen Kunst und Glaube bzw. Ästhetik und Ethik. Der Vatikan wird auf der Biennale 2013 erneut Dialogbereitschaft signalisieren.