Arte Latinoamericano Research Papers - Academia.edu (original) (raw)

US Central Americans are destabilizing, reconceiving, and revitalizing the US Latina/o canon, and in doing so, they are forcing us to reconsider hegemonic ideas about Latinidad. The cultural production of Latinos/as of Central American descent has engaged in a critical denunciation of the violence that characterizes not only the history, but also the current situation, of the Central American isthmus. This essay examines the strategies used by US Central American poet William Archila and visual artist Alma Leiva to (re)construct the past and memorialize the victims of violence across Central America. I argue that Archila’s poetry collection The Art of Exile and Alma Leiva’s installation-photography series Celdas are examples of the “art of witness.” As such, their works play a key role in the reconstruction of Central American collective memory from the diaspora.

- by
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- American Literature, Latino/A Studies, Latin American Studies, American Studies

Dossier que elaboré para la gran artista de manejo de Inconsciente Colectivo sanador en su arte, la guatemalteca Rocío HerCam

La propuesta de una estética de alteridad problematiza la concepción de representación y
su historia. Los conceptos de mimesis, formación y figuración serán aquí removidos del lugar
habitual que ocupan en la teoría estética y la práctica artística, buscando una etno-grafía y
estética de alteridad que permita una aproximación y ahondamiento de una relación vital con la
alteridad de la tierra. Tal relación se aborda desde las márgenes que permiten los conceptos de
la antropología pos-estructural propuestos por Eduardo Viveiros de Castro, multinaturalismo y
perspectivismo, referidos a experiencias chamánicas y del pensar amerindio, como trazo y rasgo
de modos de ser diferentes, de “procesos de alteración diferencial”, que tendrán en algunas
acciones artísticas su exposición y donación de sentido.

Esse livro faz uma análise do pensamento ocidental a partir das relações ambivalentes entre a religião e a liturgia cristã com o mundo da arte. Essas relações têm um histórico complexo, de amplas possibilidades, mas também de medos, preconceitos e falta de confiança que acabam por eliminar as possiblidades e criar um arcabouço de mútua negação, como se um mundo pudesse acabar com o outro. Algo real no mundo em que vivemos. Tentando desfazer essas relações de negação, o autor estabelece pontos de contato a partir de movimentos de transgressão e correlação e assim criar pontes entre esses mundos de modo que tanto a arte quanto a religião e sua liturgia se ampliem para além de suas fronteiras. Por fim, esse livro fala de uma estética de
vida mais plena, mais conectada, e por fim, mais livre.

- by Claudio Carvalhaes
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- Performance, Frida Kahlo, Teologia, Estética
- by Thais Montanari
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- History, Latin American Studies, Art History, Colonial Latin American History
- by Patricia M. Artundo
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- Abstract Art, Arte Latinoamericano

La traducción expresa de una manera distinta lo preexistente. Es mediar desde una subjetividad. Es suspender la distancia esperable en todo acto traductor e involucrarse en el interior del propio mecanismo. Algunas de estas cuestiones y otras más emergen con fuerza en la obra de Julieta Hanono. Nacida en Buenos Aires, detenida en Rosario durante la última dictadura cívico militar y radicada en París durante su exilio, compendia a partir del proceso de traducción una zona de su biografía. Hanono ha venido trabajando desde tiempo atrás con la comunidad qom que migró desde el Chaco. Los soportes materiales elegidos tienden a exacerbar la condición migrante, enlazando dimensiones simbólicas que provienen de su historia. Sus textos deconstruyen el sistema del lenguaje occidental a partir de la traducción, señalando tanto su destierro en circunstancias límites, como el destierro qom del Chaco originario. Como desafío los enunciados imperantes la traducción cultural adopta un sentido feminista, por la posición ética y política de la propia artista, incluyendo a poetas y realizadoras mujeres. En ese tejido social surge la sororidad, de soros, una fraternidad femenina. De este modo Julieta Hanono nos hace partícipes de una reflexión aguda sobre los vestigios ideológicos, culturales y políticos de la colonialidad, generando en contrapunto actos de resistencia. Su obra nos interpela, en razón de elaborar redes afectivas de consenso femenino, tejidos de intenciones creativas y sororidades que se dinamizan en las piezas que componen esta exhibición.
María Elena Lucero

- by María Elena Lucero and +1
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- Estudios de Género, Traducción, Arte Latinoamericano, Feminismos En America Latina

Le livre d'art intitulé Sistema Nervioso (« Système Nerveux »), publié en 1975, est issu d'un projet documentaire mené par la photographe Barbara Brändli sur la ville de Caracas au début des années soixante-dix. Le but était de montrer ce que la ville avait « de chaotique, d'improvisation, d'humour, de grotesque, de graphique », expliquait la photographe 2. Le livre résulte d'un travail de montage savamment orchestré, fruit de la collaboration de la photographe, du graphiste John Lange, et du dramaturge Román Chalbaud, qui écrivit de brefs commentaires, à la manière d'aphorismes, inspirés par les images et agencés à leurs côtés. Si nous parlons d'orchestration, c'est que le montage des images n'est pas laissé au hasard même si aucune table des matières ni division en chapitres ne vient déterminer des thématiques particulières ou décrire la géographie de la ville. Le regard orchestré par le livre sur Caracas montre que l'improvisation joue aussi un rôle dans la ville. Plus qu'une description de la ville-serait-elle d'ailleurs possible ?-, l'ouvrage présente, grâce au montage, un ensemble de propositions dont l'hétérogénéité et la distribution font apparaître des effets visibles d'improvisation dans l'espace urbain. La représentation de la ville élaborée dans le livre est promue par une expérience pragmatiste et interactionnelle de l'improvisation, et c'est à travers les nombreux usages de l'espace urbain par les Caraqueños qu'elle apparaît. Le support du livre permet une association des images qui redécrit la ville. Si l'improvisation s'effectue sans préparation, comment un livre peut-il en restituer le caractère spontané sans que la représentation constate ou décrive chronologiquement un enchaînement d'actions ? Quels moyens cet ouvrage met-il en oeuvre pour retraduire le caractère improvisé de la ville ? On tentera de comprendre comment la ville est représentée, et notamment le rôle de la photographie, en examinant quelques images et leur agencement dans le livre.

En este artículo se analizará el libro Antiestética,
publicado por Noé en 1965, en relación con sus
pinturas producidas en este mismo periodo. Este
libro resume las búsquedas estéticas del joven
pintor en su vertiginosa carrera y anticipa las contradicciones que encontrará Noé en su búsqueda
creativa durante el siguiente año, cuando deja los
pinceles. Tanto en sus textos, como en sus obras
se podrán encontrar reflexiones sobre las posibilidades que la pintura, como género artístico, tiene
para expresar preocupaciones de índole social. A
través de la contextualización de sus obras en el
campo artístico argentino del momento y un aná-
lisis de las ideas de Antiestética, se presentarán
las profundas contradicciones que Noé encontró al
buscar una función social para la pintura, al tiempo
que una libertad absoluta para el artista.

En un examen minucioso en torno a los modelos críticos con los cuales se piensa el arte en América Latina, Ruptura y continuidad otorga un amplio panorama acerca del devenir metateórico de lo latinoamericano desde su conformación durante las décadas de los treinta y cuarenta como modelo de identidad cultural integracionista, y su fórmula como «arte latinoamericano» entre los cincuenta y setenta, hasta la crítica de dicho modelo entre los ochenta y noventa.
Gabriela Piñero se centra especialmente en la transformación de una teoría crítica del sur que, pese a responder a la amenaza imperialista del norte en tanto avance de la modernidad occidental, había heredado las mismas premisas y nociones de su proyecto. Ramírez, Mosquera, Richard y Camnitzer formarán parte de esta «nueva crítica» que, para Piñero, apunta a reconsiderar la lógica de acción con la cual el arte latinoamericano se concibe políticamente, es decir, en miras a reconfigurar sus modelos de politicidad a partir de una compleja relación de ruptura y continuidad respecto de las conceptualizaciones, dicotomías y lógicas que atraviesan las discusiones en torno a lo latinoamericano.

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Sobre Arte, fue una revista fundada por los artistas Carlos Echeverry y Beatriz Jaramillo, en la ciudad de Medellín en 1980, quienes hicieron parte de la segunda generación de artistas conceptuales en Colombia. Con la publicación de esta revista impulsaron una ruptura con el monopolizado espacio institucional local. Su apuesta fue abrir un espacio a tendencias poco exploradas en Colombia, como la experimentación con los cruces gráficos entre imagen y palabra, el arte correo y la poesía visual. Sobre Arte tenía una línea editorial clara, relacionada con el pensamiento crítico y afirmativo que se había consolidado en las últimas décadas en el continente, comprometido con una nueva historiografía y unas prácticas del arte latinoamericano entendidas desde su contexto local, donde lo local era pensado como un espacio estratégico para construir un conocimiento antiacademista y contrahegemónico.

La pintora argentina Raquel Forner (1902-1988) ocupa un lugar destacado en la literatura histórica del arte nacional, donde su trabajo aparece regularmente desde la narrativa fundadora del crítico e historiador de arte José León Pagano a fines de la década de 1930. Su doble descripción como heroína de la vanguardia y como portadora de la bandera antifascista ha mantenido parcialmente velada su participación activa en la construcción de las diversas variantes de la iconografía de la mujer moderna, un tema relevante en el arte argentino de los años 1920 y 1930. Lejos de las mujeres dolorosas que han sostenido su entrada en las historias del arte nacional, sus mujeres modernas tienen cuerpos triunfantes y gestos poderosos. A partir de una serie de obras asociadas con la figura del bañista, pintadas en 1928 y 1929, exploraremos la construcción visual de una feminidad moderna, interesada en nuevas actividades y nuevos escenarios. Lejos de ser una peculiaridad de Raquel Forner, este tema impregna la producción de otras artistas que, en diversos medios, se dedicaron a desarrollar las características visuales de la nueva apariencia femenina y de los espacios sociales recientemente abiertos a las mujeres. Desde la célebre fotógrafa Annemarie Heinrich hasta la poco conocida pintora Lucrecia Moyano, la preocupación por este tema fue común para muchas mujeres artistas de las décadas de 1920 y 1930.

- by Georgina Gluzman
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- Latin American Art, Women Artists, Arte Latinoamericano, Mujeres Artistas

Reseña sobre el maestro Antonio Caro, quien llegó a ser uno de los artistas más respetados del arte colombiano y una de las figuras claves del llamado conceptualismo, asociado a las prácticas artísticas experimentales que surgieron en... more

- by Paola Peña Ospina
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- Arte Latinoamericano, Conceptualism, Arte Colombiano, Arte Y Lenguaje

Este artículo examina el rol estético, pedagógico, comunicativo, político que expresiones visuales como el dibujo, la fotografía, el video, la ilustración gráfica, entre otras formas visuales cumplen en relación a conflictos... more

- by Alex Schlenker
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- Cultural Studies, Latin American Studies, Art History, Natural Resources

Considerando que existen muchos libros sobre Historia del Arte que ilustran ejemplos del diseño de muebles desde los antiguos egipcios, pasando por las cortes europeas de Luis XIII, Luis XIV, Luis XV y Luis XVI entre otros de relevancia histórica; y que, por otro lado, también existen muchos libros de Historia del Diseño Industrial que ilustran ejemplos del diseño de muebles a partir de la Revolución Industrial del Reino Unido de Gran Bretaña de mitad del siglo XVIII en adelante. Se ha encontrado que estas dos áreas de estudio de las Ciencias Sociales (arte versus diseño) no están vinculadas por razones epistemológicas imposibles de discutir en tan breve espacio para un artículo. Razón por la cual, este ensayo nace de una idea innovadora sobre el análisis historiográfico del arte y el diseño (artesanal e industrial) de muebles. Habida cuenta de que en la revista ArtyHum nº 71, bajo el título “Breve historia occidental del diseño de muebles”, se abordó un estudio general del diseño de muebles y sus relaciones con la arquitectura. Aquí se pretende abordar un estudio pormenorizado del diseño de sillas, desde un enfoque mixto, híbrido y complejo del arte y el diseño artesanal e industrial (sin analizar sus vínculos con la Historia de la Arquitectura).

- by Ph.D., Ibar Federico Anderson
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- Arquitectura, Diseño Industrial, Artes, Historia del Arte

A medida que la tecnología se ha introduciendo en el arte y transformando la sociedad, hemos evolucionado en el desarrollo del conocimiento industrial, científico y artístico. Materias y materiales como el acero inoxidable que antes eran imposible de tratar, experimentar, y crear nuevas formas de expresión, ahora las tenemos al alcance de nuestro entorno, siendo significativo en la proyección de nuevos lenguajes culturales. De esta apertura se crea una necesidad de incluir una literatura del acero inox-color en el arte, que refleje los cambios y búsquedas artísticas que han emergido en las últimas décadas. Hemos visto transformar el urbanismo con el acero inoxidable, tras descubrir otras fronteras en la creación artística, Investigamos el pasado y presente de la evolución del metal para brindar a los estudiosos y personas interesadas en el arte información sobre la transformación del hierro (metal) en acero inoxidable (material) y su rol en las innovaciones de las vanguardias artísticas, su posterior desarrollo en la industria y la tecnología llegando a convertirse en Inox-color. Este estudio muestra toda una recopilación de información literaria y obras realizadas en inox-color.

- by Catalina Fara
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- Sculpture, Arte Latinoamericano, Museum Collections (Research), Museos y Patrimonio
- by Rodrigo Gutiérrez Viñuales
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- Arte Latinoamericano
- by Talía Bermejo and +1
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- Historia, Artes plásticas, Historia del Arte, Archivos

Gerardo Suter (Buenos Aires, 1957) es un creador argentino que ha desarrollado gran parte de su carrera artística en México, su país adoptivo, donde reside desde la década de 1970. Su formación como fotógrafo le ha permitido trabajar para diferentes instituciones culturales y científicas. Respecto a su producción artística, este medio fotográfico se ha convertido en el soporte fundamental, aunque también ha explorado en la instalación, la escultura, la fotografía electrónica y en el desarrollo de proyectos para sitios específicos. Suter siempre se ha mostrado interesado por la historia, la migración, la arquitectura y la ciudad, especialmente el DF se ha convertido tema neurálgico dentro de sus preocupaciones, una de las ciudades más pobladas del mundo y que en parte por ese motivo es una de las más contaminantes y productora de residuos. En este sentido me gustaría realizar un acercamiento a esa zona de la producción artística de Gerardo Suter en la que desde diferentes series y obras, explora, reconfigura y reconceptualiza dicha urbe, tranzando nuevos mapas cognitivos desde la imagen del detritus, el tugurio, el residuo.

- by Julienne López Hernández
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- Critical Theory, Estética, Historia del Arte, Arte contemporáneo
- by Cintia Cristia
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- Music, Visual Arts, Literatura Latinoamericana, Arte Latinoamericano
- by Igor simoes
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- Art History, Racialization, Arte Latinoamericano, Negros
- by rafael diazcasas
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- Latin American Studies, Art History, Art Theory, Contemporary Art

Crítica da exposição Mulheres Radicais: arte latino americana, 1960-1985.

"A través de la obra de Recinos comprendemos parte de la misión del artista de nuestro siglo. Para este, lo primordial no es rehacer la verdad de lo visible, sino acceder a una realidad que se extiende más allá de lo visible. Para comprender a cabalidad la obra de Recinos, hay dos posibilidades fundamentales: accedemos a ella con la fuerza de la intuición o con la fuerza del razonamiento, lo que no excluye la fantasía. En algunas de su obras se intuyen formas plásticas que más tarde utilizará en la decoración de su arquitectura o escultura. En estas formas llenas de audacia, vemos nuevas y originales concepciones plásticas que anuncian los dúctiles volúmenes de su escultura y la decoración de su arquitectura.
Con ojo inquisidor y mano obediente, Recinos trabaja generalmente en planos independientes y de esta forma va magnificando la naturaleza de las cosas, que en la mayoría de las veces surge en forma lúdica. Compone por planos que se entrelazan para luego separarse, formando un conjunto de tramas compactas. En otras ocasiones el paisaje de las formas se desenvuelve de manera por demás liviana, en donde el aire circula haciendo que estas floten en un ambiente de misterio con ritmos claros y precisos." I. de Luján

- by Pepo Toledo
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- Arte contemporáneo, Arte Latinoamericano, Cubismo, Arte Moderno

Catálogo bilingüe de la exposición homónima, pionera en la historia del Museo Nacional de Bellas Artes.

- by Georgina Gluzman
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- Latin American Art, Women Artists, Arte Latinoamericano, Lía Correa Morales

La representación ha sido inherente a las prácticas artísticas en general, es la condición del sentido en el arte, pues este se genera en las operaciones de referencialidad. Esta es la cuestión medular aquí: ¿puede el arte hoy pensar lo real? El artículo reflexiona el lugar de la representación en el arte, analizando obras de artistas chilenos, especialmente en relación a la fotoperformance.

- by Revista Kaypunku
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- Latin American Studies, Art History, Art Theory, Contemporary Art
- by James Oles
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- Arte Latinoamericano

Auge y apogeo de la primera generación de artistas modernos en Colombia. Marta Traba y la crítica que censuró y borró de la historia a este grupo generacional. Influencia de Rómulo Rozo y la Bachué en la primera modernidad en las... more

Este libro, resultado del VIII Premio de Curaduría Histórica otorgado por la Fundación Gilberto Alzate Avendaño en 2015, presenta la obra de tres artistas de la ciudad de Medellín: Adolfo Bernal, Jorge Ortiz y María Teresa Cano. Los tres hicieron parte de una nueva generación de artistas preocupada por encontrar nuevas posibilidades expresivas y discursivas en el campo artístico colombiano desde mediados de la década de 1970 y comienzos de la de 1980. Su obra, que se extiende por más de tres décadas, da cuenta de estrategias que inauguran una nueva concepción estética en el país, en la que el uso de acciones participativas, la exploración de formatos no convencionales, la cercanía con el arte de concepto y la arriesgada actitud experimental, dejan ver que el arte fue, ante todo, una práctica vital.

- by Jorge Lopera
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- Historia del Arte, Arte contemporáneo, Arte Latinoamericano, Arte Colombiano

Diálogo entre o escultor brasileiro Frans Krajcberg, 93 anos, e o escritor amazonense Thiago de Mello, 89 anos, na ensolarada tarde de seis de abril de 2011, em Salvador. Frans, um dos maiores escultores brasileiros, reconhecido... more

- by Joao C S Meirelles
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- Amazonia, Land Art, Amazonian Studies, ESCULTURA

La presente investigación parte de una inquietud sobre el estudio del campo intelectual latinoamericano (en general) y de las modulaciones de la teoría crítica latinoamericana (en particular), al igual que de las reflexiones sobre las artes visuales del continente. Al mismo tiempo, se propone revisitar la figura de Marta Traba como intelectual polémica de las décadas de los sesenta y setenta: gestora de museos, docente, crítica de arte, narradora. Indagar en su trayectoria, propongo, es una estrategia para mirar los cruces producidos –en el marco de los cambios de la cultura latinoamericana, desde la postguerra hasta los setenta– entre campo intelectual y campo artístico. ¿Cuáles fueron los abordajes teórico-críticos, cuáles las tomas de posición, cuáles los hitos históricos que marcaron un período turbulento y acelerado? ¿De qué manera procesó el campo intelectual las transformaciones de la plástica latinoamericana? ¿Cuáles fueron, dentro de dicho proceso, las posturas y desarrollos teóricos con los que Marta Traba contribuyó en específico?

En los años sesenta y setenta el cuerpo fue central en las prácticas artísticas, tomó el espacio público y, en el ámbito latinoamericano, desarrolló politicidades específicas.
A través de un estudio sobre trayectorias particulares de tres mujeres artistas uruguayas: Teresa Vila, Graciela Figueroa y Teresa Trujillo, y su trabajo en relación a las artes de acción, este libro brinda un estudio sobre diversos modos de conjugar experimentación artística desde la danza, las artes visuales y el teatro con formas de intervención en lo político, en el contexto cultural e intelectual de los sesenta y setenta latinoamericanos de proyección global.
Junto con la experimentación artística y sus relaciones con lo político se produjeron instancias de circulación por ciudades como Santiago de Chile, La Habana, París y Nueva York, además de Montevideo, que conectan momentos de cambio en lo cultural, artístico y político en el ámbito local, regional e internacional a partir de trayectorias particulares.

- by Elisa Perez Buchelli
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- Performance Studies, Uruguay, Arte Latinoamericano, Arte y política

En el ámbito de los estudios visuales y en el análisis cultural, las imágenes que organizan nuestras prácticas se modifican y nos modifican. Ese cambio permanente, constante y vertiginoso nos lleva a indagar y desentrañar cuáles son los móviles que provocan esas transformaciones. En este volumen reflexionamos acerca de aquellos procesos que interactúan en la conformación y circulación de las imágenes, vinculados a los recorridos urbanos, los registros de acciones, la transición de figuras en las artes plásticas, la fotografía, la literatura, las temporalidades audiovisuales, la comunicación visual, los espacios museográficos, los archivos, el género, la performance, los ritos populares o las alteridades culturales.

- by María Elena Lucero
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- Estudios Visuales, Cultura Visual, Arte Latinoamericano

Catálogo de la exposición De Aquí a la Modernidad que, a partir de la colección del MNBA (Chile), revisa críticamente las nociones de modernidad y progreso en el siglo XIX e inicios del siglo XX, como mecanismos de regulación social, económica y política. El rol de la educación pública y los movimientos estudiantiles, la memoria de las mancomunales y las organizaciones obreras, los desplazamientos territoriales, el desempleo y la desprotección de la niñez y las mujeres obreras, así como la violencia y el despojo sobre los territorios y cuerpos indígenas, son abordados desde diferentes perspectivas y sentidos críticos por las escenas del arte.

- by Gloria Cortés Aliaga and +1
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- Museología, Historia política y social siglos XIX y XX, Pintura, Arte Latinoamericano