Izabella Pluta | University of Lausanne (original) (raw)

Papers by Izabella Pluta

Les récits du posthumain, 2023

ASTASA, 2024

Les nouvelles technologies font aujourd'hui partie de nos vies quotidiennes de plus en plus sophi... more Les nouvelles technologies font aujourd'hui partie de nos vies quotidiennes de plus en plus sophistiquées. Le théâtre s'inscrit également dans cette évolution et intègre des dispositifs immersifs, interactifs et robotiques. Il accorde une place importante aux propositions issues des laboratoires technologiques, médiatiques, de recherche, comme en témoignent les créations de plusieurs metteurs en scène et compagnies de théâtre. Dans le cadre de la présente étude, nous souhaitons analyser ce type de création, qui se fait à mi-chemin entre le plateau de théâtre et le laboratoire technologique et qui se définit comme projet interdisciplinaire Art-Science-Technologie (AST). À partir d'exemples concrets, comme le Mixed Reality Lab (Nottingham), le KònicLab (Barcelone) et les Laboratoires ATR (Kyôto), nous étudierons leur organisation pour analyser les modes collaboratifs entre les différents acteurs d'un projet AST et la manière dont une oeuvre originale se réalise à travers l'art, la science et la technologie.

DOAJ (DOAJ: Directory of Open Access Journals), Oct 1, 2014

L'analyse du travail scénique de Krystian Lupa est quasiment inévitable, si on soulève la questio... more L'analyse du travail scénique de Krystian Lupa est quasiment inévitable, si on soulève la question de la mise en scène contemporaine européenne et ses caractéristiques. Non seulement, il s'agit de l'artiste emblématique du théâtre polonais qui a su garder son autonomie créatrice durant les différentes périodes politiques de ce pays, mais également du porteur d'une parole universelle écoutée et comprise à l'étranger. Lupa est également un metteur en scène d'une grande curiosité créatrice pour qui la notion d'expérimentation n'est pas étrangère. Il serait difficile d'oublier dans ce contexte son travail de formation en mise en scène : il est un pédagogue remarquable à l'Ecole nationale supérieure de théâtre (PWST) de Cracovie et a déjà formé plusieurs artistes. En effet, ayant aujourd'hui 71 ans, Lupa aime toujours le défi, la provocation, la transgression de soi et une incessante négation de ce qu'il a figé comme esthétique, comme image artistique. Nous avons envie de dire qu'il se nourrit de cette permanente oscillation entre la création d'un univers et son passage vers le chaos. Piotr Skiba, son acteur le plus fidèle, énonce une remarque intéressante à ce propos : « [Lupa] évitait toujours d'être fixé, parqué en tant qu'artiste, de se pétrifier dans une manière ou un vieux « trait » bien travaillé. Il se fuyait alors lui-même, il fuyait les tendances naturelles d'un artiste à succès. Ce qu'il a fait […] dans 'Factory 2' est justement une révolte inouïe contre soi-même, extrêmement courageuse, presque sauvage. » En suivant cette perspective de son travail, nous souhaitons étudier dans cet article une nouvelle composante que Lupa introduit dans ses derniers spectacles et qui est le dispositif vidéo. En rappelant d'abord quelques caractéristiques de sa mise en scène, nous nous concentrerons ensuite sur l'impact de l'utilisation de la caméra et de l'image vidéo, notamment dans 'Factory 2', 'Persona. Marylin' et 'Salle d'attente. Nous proposons une thèse selon laquelle Lupa, en introduisant le dispositif de captation d'image, crée un dialogue esthétique avec l'art vidéo, mais surtout revisite le travail sur le monologue intérieur, le fondement de sa mise en scène en le confrontant avec le screen test. Il propose ainsi un processus d'hybridation, proche de l'intermédialité qui donne une nouvelle dimension à sa mise en scène. Mise en scène d'après Lupa : les constances Le metteur en scène polonais a une vision multiple de la scène et il conçoit souvent un spectacle sur plusieurs niveaux. Il adapte le texte choisi et parfois même le traduit, il élabore le projet de la scénographie, souvent minutieusement, à travers les dessins, les notes. Il voit également de cette manière le personnage qu'il esquisse, annote ce qu'il imagine déjà en costume. Durant le processus de création, il dessine et écrit beaucoup, ce qui constitue un témoignage précieux des répétitions. Il est alors un metteur en scène qui rassemble plusieurs compétences scéniques et crée une perspective multidimensionnelle d'un spectacle vivant. Il est également le créateur d'une Utopie, cet univers qui se trouve en chacun de nous, composé des sensations, des rêves, et qui peut surgir sur scène à travers l'acteur. Lupa se demandait dans les années 1990 : « Comment créer une réalité autonome, une vraie Utopie, qui commencerait à parler à travers l'acteur ? Comment la garder, comment la conserver en soi-même, comment l'apporter à la maison, comment l'inciter de nouveau à l'existence ? »

Théâtre du monde, 2023

ENGLISH below L’époque actuelle déterminée par les technologies de pointe interroge notre rappro... more ENGLISH below

L’époque actuelle déterminée par les technologies de pointe interroge notre rapprochement de plus en plus important avec le monde informatique et par conséquent la problématique des frontières entre l’humain et le technologique. Le théâtre fait sa contribution également dans ce débat en travaillant des dispositifs numériques. Le corps de l’interprète embrasse des postures variées et ces démarches lui permettent de traverser métaphoriquement les métamorphoses corporelles que vit ou subit son personnage. Dans notre réflexion, nous allons nous intéresser à l’artiste suisse Simon Senn qui crée des formes hybrides étendues entre forme scénique, installation et performance. Nous souhaitons étudier son travail Be Arielle F (2020). Simon Senn achète en ligne la réplique numérique d’un corps féminin et il l’incarnera dans son spectacle à travers la figure de l’avatar. À travers ces dispositifs, l’artiste pose les questions du pouvoir, de l’identité et de l’effacement des frontières entre le public et l’intime.

English abstract

Today's high-tech age is raising questions about our ever closer relationship with the computer world, and consequently about the boundaries between the human and the technological. The theatre is also making its contribution to this debate by working with digital devices. The performer's body embraces a variety of postures, and these approaches allow his/her to metaphorically traverse the bodily metamorphoses that his/her character experiences or undergoes. For my purposes, I will be looking at the Swiss artist Simon Senn, who creates hybrid forms that are part stage, part installation and part performance. I want to study his work "Be Arielle F" (2020). Simon Senn buys a digital replica of a female body online and embodies it in his performance through the figure of the avatar. Through these devices, the artist raises questions about power, identity and the blurring of boundaries between the public and the private.

The interview conducted by Cynthia Gani with Izabella Pluta on the subject of the publication of ... more The interview conducted by Cynthia Gani with Izabella Pluta on the subject of the publication of the book "Quels rôles pour le spectateur à l'ère numérique?", Broadcast "Forum"

ENGLISH below A travers notre formation inédite, nous souhaitons sensibiliser les artistes de th... more ENGLISH below
A travers notre formation inédite, nous souhaitons sensibiliser les artistes de théâtre (professionnels et amateurs actifs): acteurs, metteurs en scène, performeurs, scénographes et le corps technique: techniscénistes aux aspects technologiques dans une création scénique. Nous proposons une formation de sensibilisation sur la question du spectacle vivant et des enjeux transdisciplinaires induits par des démarches et des dispositifs technologiques : les découvertes, les adaptations d’anciennes techniques mais également les difficultés et les pièges rencontrés par une équipe de création. Chaque participant pourra travailler sur la base d’une scénarisation pré-définie sans se soucier de disposer de compétences numériques préalables.

English
Through our unique training programme, we aim to raise awareness among theatre artists (both professional and active amateurs): actors, directors, performers, set designers and technical staff: stage technicians, of the technological aspects of stage creation. We are offering a course to raise awareness of the issue of live performance and the cross-disciplinary issues raised by technological approaches and devices: the discoveries and adaptations of old techniques, but also the difficulties and pitfalls encountered by a creative team. Each participant will be able to work on the basis of a pre-defined script without having to worry about having any prior digital skills.

Quels rôles pour le spectateurs à l'ère numérique?, 2024

Quels rôles pour le spectateur à l'ère numérique ? explore les notions capitales du champ théâtra... more Quels rôles pour le spectateur à l'ère numérique ? explore les notions capitales du champ théâtral que sont la perception, l'immersion, la participation, l'interactivité ou l'émancipation. Il examine également la relation du spectacle vivant avec des techniques ou des formes médiatiques spécifiques telles que l'intelligence artificielle ou les jeux vidéo. Il propose l'analyse de multiples figures du spectateur tel qu'un 'spectateur-immersant' ou un 'spectateur-joueur'. Plusieurs spectacles internationaux sont analysés ici, signés par Blast Theory, CREW, machina eX, Signa, Or Normes, IN VIVO, RGB Project, Extraleben, Cie Yan Duyvendak, entre autres. Ce livre est destiné autant à des chercheurs en études théâtrales, à des analystes de l'arts contemporains, à des spécialistes en sociologie de l'art qu'à des étudiants en théâtre, en lettres et ceux qui étudient les jeux vidéo. Un spectateur passionné par le théâtre contemporain y trouvera également plusieurs informations et repères. Le livre est publié dans la Série Questions de théâtre chez Épistémé : n.f. Ensemble des connaissances scientifiques, du savoir d'une époque et ses présupposés. Fruit d'une collaboration entre les institutions académiques de Suisse occidentale et les PPUR « ÉPISTÉMÉ », une marque éditoriale destinée aux sciences humaines et sociales. Ses domaines de publication sont les suivants : Arts, Études des civilisations, Histoire,

Book: Ecrire l’inouï. La critique dramatique dépassée par son objet, XIXe-XXIe siècles, 2022

ENGLISH below Le spectacle vivant qui intègre des dispositifs et démarches technologiques a-t-il... more ENGLISH below
Le spectacle vivant qui intègre des dispositifs et démarches technologiques a-t-il
aujourd’hui son champ critique spécifique ? Question facile et difficile à la fois : d’une part, avec l’expansion des Humanités numériques il est difficile d’imaginer cette activité théâtrale sans que son attention ne lui soit accordée par un analyste ; d’autre part, y a-t-il réellement des outils analytiques consolidés permettant de saisir de manière détaillée ces travaux scéniques hybrides ? Tout d’abord, de quel objet parlons-nous ? On peut constater qu’un spectacle à composante technologique (puisque tel est son nom générique) s’est spécialisé aujourd’hui selon deux notions principales : le spectacle intermédial qui se focalise sur les interdépendances entre les médias intégrés (Ch. Kattenbelt, J-M. Larrue) et la Digital Performance qui se penche sur l’application de la technologie numérique (S. Dixon). Un œil attentif est porté sur ces créations dans les pages des revues dédiées à l’art et aux nouvelles technologies telles que 'Leonardo' ou plus spécifiquement au spectacle vivant et à la technologie, débattu dans 'l’International Journal of Performance Arts and Digital Media', par
exemple. En effet, le développement du journalisme numérique a beaucoup facilité la réception de ce type de spectacle. Les blogs, les plateformes open edition (https://hypotheses.org/), les colloques en ligne (Fabula), permettent aujourd’hui un échange immédiat sur ce thème spécifique sans que le Comité de rédaction prenne le temps de qualifier un article à la publication ou pas. Néanmoins, la situation ne s’est pas toujours présentée de cette manière. A la fin des années 1990, cet objet d’analyse était confronté à plusieurs questions. D’un côté, celles concernant les paradigmes fondamentaux du théâtre, jugés par certains critiques « en danger » ou « en disparition », d’un autre côté le manque d’outil permettant l’analyse nuancée de ces enjeux. Cette situation touchait d’ailleurs d’autres domaines artistiques intégrant le numérique. En 2000, Edmond Couchot publie l’article 'La critique face à l’art numérique : une introduction à la question', dans lequel il constate que la critique de l’art numérique préoccupe peu le monde de la critique artistique, il qualifie cette situation de la « conspiration du silence ». L’analyse du spectacle à composante technologique présente aujourd’hui un autre paysage qui précise de plus en plus ses propres concepts de travail : l’écran et sa fonction sur le plateau, l’image confrontée au texte, le jeu d’acteur, la scénographie virtuelle/augmentée. Kati Röttger parle de l’analyse du spectacle intermédial comme « discipline hybride » pour laquelle l’idée clé devient la notion de « l’entre-deux » (in-between). Soulignons que certains critiques de théâtre, en forgeant leur outil provisoire de travail, proposent finalement un concept qui permet la saisie fondamentale d’un phénomène scénique technologique, comme c’est le cas du Game-Theatre émergeant (Christian Rakow sur les pages de Nachtkritik.de). En ayant un double regard sur cet objet analytique (de critique de théâtre ayant exercé cinq ans et puis de chercheuse universitaire), nous souhaitons étudier dans notre article la question de la confrontation du critique de théâtre à un champ interdisciplinaire du spectacle à composante technologique et sa recherche des concepts de travail.

Abstract
Does live performance that incorporates technological devices and approaches now have its own specific critical field? This is both an easy and a difficult question: on the one hand, with the expansion of 'digital humanities', it is difficult to imagine this theatrical activity without it being given attention by an analyst; on the other hand, are there really any consolidated analytical tools for grasping these hybrid stage works in detail? First of all, what object are we talking about? We can see that a performance with a technological component (since that is its generic name) has today become specialised according to two main notions: the intermedia performance, which focuses on the interdependencies between integrated media (Ch. Kattenbelt, J-M. Larrue) and the Digital Performance, which looks at the application of digital technology (S. Dixon). A close eye is kept on these creations in the pages of journals dedicated to art and new technologies such as 'Leonardo', or more specifically to live performance and technology, debated in the 'International Journal of Performance Arts and Digital Media', for example. The development of digital journalism has made it much easier to receive this type of show. Blogs, open edition platforms (https://hypotheses.org/) and online symposia (Fabula) now enable immediate exchange on this specific theme, without the Editorial Committee taking the time to qualify an article for publication or not. However, this has not always been the case. At the end of the 1990s, this subject of analysis was confronted with several questions. On the one hand, those concerning the fundamental paradigms of theatre, judged by some critics to be 'in danger' or 'disappearing', and on the other, the lack of a tool for nuanced analysis of theatre. This situation also affected other artistic fields that incorporate digital technology. In 2000, Edmond Couchot published the article 'La critique face à l'art numérique : une introduction à la question', in which he noted that criticism of digital art was of little concern to the world of art criticism, describing this situation as a "conspiracy of silence". The analysis of performance with a technological component now presents a different landscape, one that is increasingly defining its own working concepts: the screen and its function on the stage, the image in relation to the text, acting and virtual/augmented scenography. Kati Röttger speaks of the analysis of intermedia performance as a "hybrid discipline" for which the key idea becomes the notion of the "in-between". It's worth noting that some theatre critics, in forging their provisional working tool, ultimately come up with a concept that allows a fundamental grasp of a technological stage phenomenon, as in the case of the emerging Game-Theatre (Christian Rakow on the pages of Nachtkritik.de).By taking a double look at this analytical object (as a theatre critic who worked for and then as a university researcher), our aim in this paper is to explore the question of the question of the theatre critic's confrontation with an interdisciplinary field of interdisciplinary field of performance with a technological component and his search for concepts of
concepts.

Book: Observer le théâtre, pour une nouvelle épistémologie des spectacles, 2022

ENGLISH below Cet article s'inscrit dans le champ de la création scénique contemporaine intégran... more ENGLISH below
Cet article s'inscrit dans le champ de la création scénique contemporaine intégrant des solutions technologiques nommée "spectacle numérique" (Digital Performance).
Nous nous proposons d'analyser ici la question du dispositif technologique qui engendre plusieurs éléments nous incitant à changer notre regard sur ce type de travail scénique. Souvent les collaborateurs d’un projet artistique sont les premiers observateurs qui créent un vocabulaire pour pouvoir réellement avancer les objectifs de la création. C'est également dans ces circonstances que les notions du théâtre se confrontent avec celles des ingénieurs ou des développeurs informatiques comme c’est le cas dans les travaux nommées 'Game-Theatre'. Plusieurs questions s'imposent: est-il indispensable de forger des termes communs ou plutôt définir un champ opérationnel pour des notions qui évoluent sans cesse et naviguent entre les disciplines, entre des langages variés? Un chercheur académicien devrait-il plus s'ouvrir au processus de création pour pouvoir mieux saisir le spectacle élaboré?

Abstract
This article is part of the field of contemporary scenic creation incorporating technological solutions known as 'digital performance'. I propose to analyse the question of the technological device, which generates several elements that encourage us to change the way we look at this type of scenic work. Often the collaborators in an artistic project are the first observers to create a vocabulary that will enable them to really advance the objectives of the creation. It is also in these circumstances that the notions of theatre come into contact with those of engineers or computer developers, as is the case in the work known as 'Game-Theatre'. A number of questions arise: is it essential to forge common terms or rather to define an operational field for concepts that are constantly evolving and moving between disciplines and languages? Should an academic researcher be more open to the creative process in order to get a better grasp of the show being put on?

HAL - Journées de l'informatique théâtrale, 2023

It is obvious that spectator activity has increasingly changed since the end of the 20th century.... more It is obvious that spectator activity has increasingly changed since the end of the 20th century. The spectator is led to interact in and with the stage work, to go out into the public space, to use his or her smartphone, or to wear a VR headset. The spectator is invited to take hold of tools that allow for experimentation, participation, and collaboration. The focus of this study is the use of immersive devices and the place of the spectator in these creations. I will look at the sensory perception of the spectator, especially the sight, and analyze how the position of the spectator changes in relation to the traditional performance with the frontality of the stage and the audience. Several examples will be given such as the works of SIGNA, Crew, Or NOrmes, rgb project.

HAL (Le Centre pour la Communication Scientifique Directe), Feb 12, 2020

Il convient de constater que la scène contemporaine actuelle des dispositifs technologiques dans ... more Il convient de constater que la scène contemporaine actuelle des dispositifs technologiques dans leurs plus grandes diversités et, dans beaucoup de cas, dans une complexité inédite. Ces dispositifs confrontent l'équipe de création à d'autres domaines de travail et à d'autres corps de métier. Il s'agit d'ingénieurs de laboratoires technologiques, de chercheurs universitaires et des écoles polytechniques qui sont convoqués pour la réalisation d'un tel projet artistique. Nous souhaitons interroger le phénomène du rapprochement entre spectacle vivant, sciences exactes et technologie, notamment du point de vue du processus de création et de la constitution de la communication entre les acteurs d'un projets interdisciplinaires. Nous allons étudier dans notre communication trois projets suisses s'inscrivant dans le champ Art/Science. Il s'agit du projet du metteur en scène suisse Christan Denisard et son spectacle Les Robots (2009), du travail Kinetism de Luca Forcucci (2009) dans le programme Artists-in-Labs et de la recherche menée par Gilles Jobin dans le cadre de sa création VR_I (2017). Les réalisations artistiques en question ont trouvé une véritable dynamique et une impulsion en réponse à la recherche dans ces laboratoires hautement spécialisés.

Emerging Affinities - Possible Futures of Performative Arts, 2019

There was a time in the history of performative arts when artists collaborated with engineers tow... more There was a time in the history of performative arts when artists collaborated with engineers towards heavily technological artistic works. Suffice it to refer to '9 Evenings' (1966) led by Robert Rauschenberg and Billy Klüver which resulted in the initiative called 'Experiments in Art and Technology'. Although this historical collaboration has served as a model for the use of technology in a range of performative projects, the question of methodology and work organization in such projects still remains underexplored. The project “Masque et Avatar” (called in first stage “La scène augmentée”) run by a small research group at the University of Paris 8 and funded by Labex Arts H2H laboratory contributes to the discussion about the interdisciplinary collaborations and bringing together theatre, engineering and computer sciences. For “Masque et Avatar” is based on the interaction between a live actor and a digitally generated avatar. The project puts into question not only live acting but also the exchange of experiences between a director became digital artist in the project and a computer engineer in a shared dialogue within a research group. Methodologically speaking, the starting point for the project was recherche-création paradigm based on the framework comprising hypothesis, protocol, practice and project outcomes (in this case: the definition of method and the theatrical form developed in the project). However, in the context of “Masque et Avatar” the outlined method entails a significant degree of unpredictability, which is one of the characteristics of experiment. This chapter aims to describe the specificity of activities undertaken within the frame of a typical workshop during the first stage of the project (2015-2016 and preliminary period of 2014), focusing predominantly on the experimental element which emerges from the collaboration between the director and researcher Georges Gagneré, and the computer engineer Cédéric Plessier. By analyzing different aspects of their collaborative work, the paper aims to show that the collaboration not only influences the professional competences of the collaborators but also generates a specific language which to a great extent organizes work in the project.

This anthology, with a foreword by Steve Dixon, professor at LASALLE College of the Arts, brings ... more This anthology, with a foreword by Steve Dixon, professor at LASALLE College of the Arts, brings together the writings of artists and interviews with directors and performers working with digital technology. It offers 65 contributions grouped into seven parts devoted to time, space, dramaturgy, actor, spectator, device, and creative process. The texts were mainly conceived between 2014 and 2017 and were written, in most cases, exclusively for this book. Each part is preceded by a theoretical context that is intended to sketch a topography of the major transformations affecting the paradigm under analysis. The present contributions deal with the major changes affecting the theatre, transforming it into a digital stage, as well as its transition to the post-digital era. These are first-hand accounts, on the spot, coming from the experience of the stage and therefore relatively rare to find and little archived. It is a unique collection on the market because it deals specifically with theatre and its hybrid forms. It is a rich source of information for researchers, PhD students and also students. The book supports courses on digital performance in universities, art schools and theatre schools.

Creating for Stage and Other Spaces: Questionning Practices and Theories in "Arti della Performance: orizzonti e culture", 2021

Niespodziewane alianse. Sztuki performatywne jutra, 2019

Odradek. Studies in Philosophy of Literature, Aesthetics and New Media Theories, 2017

[English below] Dans cet article, je souhaite revenir sur le concept d''individuation intermédia... more [English below]
Dans cet article, je souhaite revenir sur le concept d''individuation intermédiale', développé dans mon ouvrage "L'Acteur et l'intermédialité" (2011). Il me permet de révéler des nuances dans l'interaction " acteur/technologie " dans les spectacles utilisant des dispositifs technologiques, en confirmant l'impact indiscutable des écrans sur ce type de créations. Je me concentrerai sur le travail des acteurs avec la caméra et sur les interdépendances qui se produisent lors de l'utilisation du monologue intérieur. J'illustrerai ma réflexion par des exemples tirés de la performance "Salle d'attente", mise en scène par Krystian Lupa. Dans ce cas, la présence de la caméra et de l'écran fait partie de l'esthétique de la création, mais elle devient également indissociable du processus de création. Le 'monologue intérieur' est le fondement du travail de Lupa, et se mêle, depuis 2009, à la captation de la caméra que le metteur en scène a baptisée " screen test ", en s'inspirant de la démarche d'Andy Warhol. Cet exercice, dans sa dimension traditionnelle, apparaît ici sous un jour nouveau, en présence de l'œil de la caméra qui enregistre et gagne des spécificités intermédiales, en se situant à l'intersection du théâtre et de l'art vidéo.

In this article, I would like to return to the concept of 'intermedial individuation', developed in my book 'L’Acteur et l’intermédialité' (2011). It allows me to reveal nuances in the interaction “actor/technology” in shows using technology components, by confirming the indisputable impact of screens on that type of creations. I will focus on the work of actors with the camera and on the interdependencies, that occur during the use of inner monologue. I will illustrate my consideration with examples from the performance 'Salle d’attente', staged by Krystian Lupa. In this case, the presence of camera and of screen is part of the creation’s aesthetic, but also inseparably part of the creation process. The inner monologue is the foundation of Lupa’s work, and is intertwined, since 2009, with the camera’s capture that the director named “screen test”, inspired by Andy Warhol’s approach. This exercise, in its traditional dimension, appears here under a new light, in the presence of the capturing eye, and gains intermedial specificities, by being set on the intersection of theatre and video art.

Pratiques performatives. Body Remix, 2012

Jeu Revue De Theâtre, 2013

Figures de l'art. Revue d'études esthétiques, 2010

Les temps actuels dominés par les systèmes cybernétiques et baptisés la “cyberculture”, font émer... more Les temps actuels dominés par les systèmes cybernétiques et baptisés la “cyberculture”, font émerger des interrogations cruciales concernant les frontières entre l‟humain et le technologique. Nous témoignons de plusieurs transformations qui touchent à l‟être humain, à son corps et à ses modes de fonctionnement, ainsi qu‟à son expression artistique. Dans notre réflexion, nous allons nous intéresser au travail de Marcel.lí Antúnez Roca qui s‟inscrit dans le “théâtre de cyborg”, donc de celui qui explore la cybernétique comme méthode et pratique artistique. Il construit une scénographie bio-mécatronique qui est basée sur l‟hybridation de médias de nature différente avec le propre corps du performer. L‟artiste vêtu d‟un exosquelette, crée une dramaturgie composée de textes, de paroles, d‟images, et de mouvements théâtralisés,qui font interagir le performer et parfois même le spectateur avec le système de l‟environnement virtuel. Nous étudions cette problématique en prenant en considération trois travaux de Marcel.lí Antúnez Roca, les performances "Epizoo"(1994) et "Protomembrana" (2006), ainsi que l'installation "Tantal" (2004).

Les récits du posthumain, 2023

ASTASA, 2024

DOAJ (DOAJ: Directory of Open Access Journals), Oct 1, 2014

Théâtre du monde, 2023

ENGLISH below L’époque actuelle déterminée par les technologies de pointe interroge notre rappro... more ENGLISH below

English abstract

Quels rôles pour le spectateurs à l'ère numérique?, 2024

Book: Ecrire l’inouï. La critique dramatique dépassée par son objet, XIXe-XXIe siècles, 2022

Book: Observer le théâtre, pour une nouvelle épistémologie des spectacles, 2022

HAL - Journées de l'informatique théâtrale, 2023

HAL (Le Centre pour la Communication Scientifique Directe), Feb 12, 2020

Emerging Affinities - Possible Futures of Performative Arts, 2019

Creating for Stage and Other Spaces: Questionning Practices and Theories in "Arti della Performance: orizzonti e culture", 2021

Niespodziewane alianse. Sztuki performatywne jutra, 2019

Odradek. Studies in Philosophy of Literature, Aesthetics and New Media Theories, 2017

Pratiques performatives. Body Remix, 2012

Jeu Revue De Theâtre, 2013

Figures de l'art. Revue d'études esthétiques, 2010

University of Lausanne reworked and published in L'Age d'homme Editions, 2009

[English below] L’intégration des technologies audio-visuelles dans le spectacle vivant est une p... more [English below]
L’intégration des technologies audio-visuelles dans le spectacle vivant est une pratique scénique qui, encore fortement discutée dans les années 1990, se présente aujourd’hui comme relativement courante. Son aspect ultramoderne trouve étonnamment ses prémisses dans les travaux des avant-gardes historiques des années 1920, et cela autant dans les propositions théâtrales d’un Schlemmer et d’un Piscator que dans les recherches cinématographiques signées par Lev Kouléchov, par exemple. Des projections et des captations d’images, des objets robotiques ainsi que toutes sortes d’interfaces et de logiciels introduits sur le plateau, emmènent ce dernier vers de nouvelles voies de créations de nature hybride. La scène se situe au carrefour de différents médias et conjugue la logique numérique avec le processus de création. Par conséquent, le spectacle devient intermédial et accueille sur ce nouveau plateau technologique l’acteur. Ce dernier est alors confronté à un univers mixte qui exige de lui une nouvelle manière d’être sur la scène. Quelle sera sa place dans une représentation qui va au-delà des limites du théâtre ? Une image virtuelle, un robot ou un dispositif complexe seront-ils des partenaires ou des rivaux de l’acteur ? Un spectacle peut-il être finalement conçu sans acteur réel ? Cet ouvrage soulève ces questions fondamentales pour l’art scénique, en se fondant d’une part sur une réflexion théorique (études théâtrales, théorie des médias), et d’autre part sur notre propre expérience de spectateur qui a nourri l’analyse de la cinquantaine de spectacles présentés ici. Il s’agit en particulier des travaux de Robert Lepage, du Wooster Group, de Marcel.lí Antúnez Roca, de LLT Videotear « Poza », de Komuna Otwock. Ce livre propose également une réflexion pédagogique consacrée à la formation des comédiens dans des écoles de théâtre qui sont de plus en plus confrontées aux phénomènes en question. Il est destiné aussi bien aux lecteurs liés au théâtre de manière professionnelle (théorique ou pratique) qu’aux spectateurs déjà initiés aux méandres de la création contemporaine.

The integration of audio-visual technologies in live performance is a stage practice that, although still highly debated in the 1990s, is now relatively commonplace. Its ultramodern aspect finds its premises in the work of the historical avant-gardes of the 1920s, as much in the theatrical proposals of a Schlemmer and a Piscator as in the cinematographic research of Lev Kouléchov, for example. Projections and image recordings, robotic objects as well as all sorts of interfaces and software introduced on the stage, take the latter towards new creative paths of a hybrid nature. The stage is at the crossroads of different media and combines digital logic with the creative process. Consequently, the performance becomes intermedial and welcomes the actor on this new technological stage. The latter is then confronted with a mixed universe that demands a new way of being on stage. What will be his place in a performance that goes beyond the limits of the theatre? Will a virtual image, a robot or a complex device be the actor's partner or rival? Can a performance ultimately be conceived without a real actor? This book raises these fundamental questions for the performing arts, based on theoretical reflection (theatre studies, media theory) on the one hand, and on our own experience as spectators, which has nourished the analysis of the fifty or so shows presented here. These include the work of Robert Lepage, the Wooster Group, Marcel.lí Antúnez Roca, LLT Videotear "Poza" and Komuna Otwock. This book also offers a pedagogical reflection on the training of actors in theatre schools that are increasingly confronted with these phenomena. It is intended both for readers with a professional connection to the theatre (theoretical or practical) and for spectators who are already familiar with the intricacies of contemporary creation.

Bibliothèque Cantonale Universitaire - Lausanne - SWitzerland, 2009

Supervisor : prof. François Albera "The actor and media on the stage"

, "The other seen by itself. Posthuman aesthetics in 'Rimini Protokoll's Uncanny Valley". Dr Maci... more , "The other seen by itself. Posthuman aesthetics in 'Rimini Protokoll's Uncanny Valley". Dr Macioszek Sabina (Poland), "Human-machines ecologies: theatre as a platform for creating specific relationships between humans and new technologies".

transcript Verlag, 2024

Narrative strategies, immersion, interaction, participation, identification, multimodality, chara... more Narrative strategies, immersion, interaction, participation, identification, multimodality, characters and the connection between physical and fictional or virtual worlds: the fields of inquiry into the complex relationship between live performance and video games are numerous and diverse. For the first time, this collection brings together international researchers and artists to explore this relationship in a variety of essays. The contributors to this volume focus on reciprocal inspirations, appropriations and transfers applied by theatre artists, game designers and researchers. They analyze several artistic forms such as VR performance, immersive theatre, speedrunning or Game-Theatre.

ENGLISH below Quels rôles pour le spectateur à l'ère numérique ? explore les notions capitales d... more ENGLISH below

Quels rôles pour le spectateur à l'ère numérique ? explore les notions capitales du champ théâtral que sont la perception, l'immersion, la participation, l'interactivité ou l'émancipation. Il examine également la relation du spectacle vivant avec des techniques ou des formes médiatiques spécifiques telles que l'intelligence artificielle ou les jeux vidéo. Il propose l'analyse de multiples figures du spectateur tel qu'un 'spectateur-immersant' ou un 'spectateur-joueur'. Plusieurs spectacles internationaux sont analysés ici, signés par Blast Theory, CREW, machina eX, Signa, Or Normes, IN VIVO, RGB Project, Extraleben, Cie Yan Duyvendak, entre autres. Ce livre est destiné autant à des chercheurs en études théâtrales, à des analystes de l'arts contemporains, à des spécialistes en sociologie de l'art qu'à des étudiants en théâtre, en lettres et ceux qui étudient les jeux vidéo. Un spectateur passionné par le théâtre contemporain y trouvera également plusieurs informations et repères.

Abstract
Quels rôles pour le spectateur à l'ère numérique ? (What roles for the spectator in the digital age?) explores key notions in the field of theatre such as perception, immersion, participation, interactivity and emancipation. It also examines the relationship between live performance and specific techniques and media forms such as artificial intelligence and video games. It proposes an analysis of multiple figures of the spectator, such as the 'spectator-immersant' or the 'spectator-gamer'. Several international shows are analysed here, such the performances by Blast Theory, CREW, machina eX, Signa, Or Normes, IN VIVO, RGB Project, Extraleben, Cie Yan Duyvendak, among others. This book is intended for researchers in theatre studies, analysts of contemporary art, specialists in the sociology of art, as well as students of theatre, literature and video games. Anyone with a passion for contemporary theatre will also find a lot of information and reference points.

Narrativité et intermédialité sur la scène contemporaine / Narrativity and Intermediality in Contemporary Theatre, 2021

ENGLISH below Nous souhaitons analyser dans cette étude les effets et les conséquences interprét... more ENGLISH below

Nous souhaitons analyser dans cette étude les effets et les conséquences interprétatives d’un dispositif sonore dans le spectacle 'The Encounter', travail du théâtre Complicite (2015), mis en scène et joué par Simon McBurney. Les artistes britanniques transposent dans l’espace théâtral le roman de Petru Popescu 'Amazon Beaming' en proposant un spectacle solo où tous les personnages sont joués par un seul acteur, et surtout en situant au centre de la narration la voix amplifiée, les sons et les bruits illustratifs, mis en marche par une écoute binaurale médiatisée. Le dispositif sonore qui façonne l’espace scénique se caractérise par une remarquable complexité et exige un travail paramétré de la part du comédien et une collaboration particulière avec les ingénieurs du son, un dispositif qui est prolongé ensuite dans la salle. Ainsi les spectateurs sont équipés d’écouteurs pendant tout le spectacle et atteignent un état d’immersion sonore. 'The Encounter' se dessine alors comme un travail intéressant de par ses transpositions du littéraire vers l’oral, mais également de par la mise en abyme introduite dans la construction narrative qui influence la symbolique de ce spectacle. Nous allons également observer les relations intermédiales qui s’opèrent entre le visuel et le sonore, entre le corps de l’acteur, sa voix et les sons, et surtout entre un spectacle théâtral qui convoque les instances perceptives d’une pièce radiophonique et d’une installation immersive.

Abstract
In this study we want to analyse the effects and interpretative consequences of a sound device in the show 'The Encounter', a work by Complicite theatre (2015), directed and performed by Simon McBurney. The British artists transpose Petru Popescu's novel 'Amazon Beaming' into theatrical space by offering a solo performance in which all the characters are played by a single actor, and above all by placing the amplified voice, sounds and illustrative noises, set in motion by mediated binaural listening, at the centre of the narrative. The sound system that shapes the scenic space is remarkably complex, requiring the actor to work to specific parameters and to collaborate closely with the sound engineers, a system that is then extended into the auditorium. Audiences are equipped with headphones throughout the show, creating a state of sonic immersion. 'The Encounter' thus emerges as an interesting work in terms of its transpositions from the literary to the oral, but also in terms of the mise en abyme introduced into the narrative construction that influences the symbolism of this show. We will also be looking at the intermediary relationships that operate between the visual and the aural, between the actor's body, his voice and the sounds, and above all between a theatrical performance that conjures up the perceptive instances of a radio play and an immersive installation.

Scènes numériques. Anthologie critique. Digital Stages. Critical Anthology, 2022

Scènes numériques. Anthologie / Digital Stages. Anthology, 2022