Dance and Cinema Research Papers (original) (raw)

Le mythe de Salomé au cinéma : du noir et blanc de Charles Bryant (1923) au délire de couleurs de Carmelo Bene (1972) La richesse des réinterprétations du mythe de Salomé montre à quel point il s'agit d'un de ces mythes essentiels qui ne cessent de se réinventer. Dans les Evangiles, la figure de Salomé est mentionnée de manière brève et elliptique pour raconter la mort du prophète Jean-Baptiste et évoquer l'influence naissante du Christ. Cette ellipse première a été utilisée par les auteurs pour transformer la petite fille, d'abord marionnette du désir de sa mère, en figure de femme fatale et en sujet désirant. A l'origine de la fortune littéraire et artistique du mythe, il y a donc cette absence de précision, ce blanc dans le texte, qui est aussi un noyau de nuit du mythe, une obscurité originelle, dont le mystère interroge l'essence du désir, de la femme, de l'art. Ce mythe de la naissance de la femme déploie donc un vaste champ de réflexion, dans lequel se produisent des échanges et des renversements, à la fois esthétiques et idéologiques. Par-delà les enjeux fin de siècle que porte la figure baudelairienne de ce « Serpent qui danse », l'histoire du mythe de Salomé est celle de l'invention d'un personnage. Le christianisme invente l'incarnation, comme le montre Jean Clair en analysant l'histoire de la peinture [1] , et le mythe de Salomé se situe au passage d'un monde païen vers un monde chrétien. Dans ce passage, la figure de Salomé représente en quelque sorte l'envers de celle du Christ, le mythe propose l'histoire d'une incarnation par le mal, d'une invention de la femme, qui doit pour exister traverser les représentations que le désir masculin projette sur elle. Au fil des réécritures, le personnage, d'abord sous l'emprise de sa mère devient le miroir des projections du désir masculin puis s'affirme comme symbole de la puissance du désir féminin : Salomé ne naît pas femme, elle le devient. De l'embryon biblique au fleurissement art nouveau du mythe, jusqu'aux adaptations et aux chorégraphies les plus contemporaines, le mythe reflète l'évolution des images de la femme. Il se fait aussi le miroir des étapes que

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- Avant-Garde Cinema, Carmelo Bene, Mythocritique, Dance and Cinema

En las siguientes líneas se describirá a grandes rasgos la particular relación entre cine y danza a partir de dos ejemplos concretos: las imágenes captadas durante los últimos meses de 1896 por el operado Gabriel Veyre, representante de los hermanos Lumière, y proyectadas en las primeras funciones de cine en México; y la interpretación de nuestro país realizada por Sergei Eisenstein en el frustrado filme ¡Que viva México! (1930-1932). Ambas obras configuran representaciones de México a partir de imágenes cinéticas construidas desde perspectivas diferentes y creadas en momentos históricos distintos. Una y otra expresan la mirada extranjera describiendo a México, –primero durante el Porfiriato y luego en la posrevolución– pero en relación también con imágenes e imaginarios estructurados mediante la construcción de lo típico y estereotipos de lo mexicano representados por la cultura visual mexicana que precedió las representaciones fílmicas. Ambas se incluyen en la construcción de un imaginario de lo mexicano y toman la expresión dancística como uno de sus rasgos fundamentales.

- by Julie de Lorimier
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- Danse, Claire Denis, Actors, Dance and Cinema

A proposta é analisar o filme " Bom Trabalho " (1999), de Claire Denis, a partir do uso da dança na construção do drama do sargento da Legião Estrangeira que vê seu mundo tensionado a partir da chegada de um novo soldado. Claire Denis filma essa história, livremente inspirada na obra " Billy Budd " de Herman Melville, e a desloca para um cenário pós-colonial em que o que lhe interessa são os corpos e o que eles carregam. No olhar voltado para os corpos nesse cenário, a dança é elemento fundamental para a concepção da obra.

- by Tainah Negreiros
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- Dance Studies, Claire Denis, Dance and Cinema

Is there a proximity between the theory of gesture, as originally conceived in the early cinema era, and the cinematic representations of travel? What kind of bond connects the idea of moving images as a universal language and the globalisation processes which increasingly unfold throughout the twentieth century? How does a body that dances before the eyes of a ‘foreigner’ establish hierarchies of the gaze and simultaneously exceed them? This essay seeks to answer these questions through the analysis of three different films: Jean Renoir’s The River, Fritz Lang’s The Tiger of Eschnapur, and Louis Malle’s Phantom India, in which these European filmmakers represent exotic ‘Indian’ dances. In particular, this essay dwells on the multiple and ambiguous entailments that the dancing body establishes through its gesture within the relationship between the camera, characters, and audiences, in a context where the encounter of cultures speaking different languages occurs. Finally, through the theoretical arguments of Simmel, Focillon, and Lyotard, this preverbal relationship is defined as ‘pure gesturality’ and as a – yet unexpressed and maybe even inexpressible – promise of meaning.

- by Marco Dalla Gassa
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- Dance Studies, Film Theory, Gesture Studies, Orientalism in art

De 1968 a 1970, Tatsumi Hijikata, celebre choregraphe a l’origine de l’ankoku butō, apparait a trois reprises dans des œuvres ero-guro du realisateur japonais Teruo Ishii. Le danseur apporte avec lui une esthetique provocante particulierement adaptee a la logique attractionnelle de ces films d’exploitation melant violence et erotisme. Tandis que le Japon connait un developpement economique fulgurant qui informe des normes sociales policees et hygienistes, cette affirmation outranciere, sur les ecrans des cinemas populaires, de pulsions inavouables deformant les corps et les âmes, semble des lors participer d’une veritable entreprise de subversion.

- by Simon Daniellou
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- Japanese Cinema, Butoh Dance, Butoh, Hijikata Tatsumi

In Nikos Kazantzakis' novel, Zorba the Greek, dance has a great importance. The transposition of the novel into a ballet by Lorca Massine (1987), simplified the novel's complexity " rejuvenating " the ancient world described by Kazantzakis. The contrast Apollonian/Dionysian is entrusted to the style of the protagonists. They propose the modern heritage of traditional Greece, imposing a new dance tradition (syrtaki), based on ancient and popular reminiscences, a new myth. A considerable social phenomenon. This contribution wants to analyze how dance becomes expressed revealing of collective identity, in the transposition from the novel into a ballet through the movie.

- by Maria Venuso
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- Literature and cinema, History of Dance, Dance and Cinema, Cinema and Music

Bilingual eboook
In/dependence of Indian cinemas. Cartography of forms, genres and regions

- by Térésa FAUCON and +1
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- Gender Studies, Sex and Gender, Sound studies, Film Adaptation

Disponível em: https://doi.org/10.20396/etd.v18i4.8646440 RESUMO: Este ensaio visa tecer linhas transversalmente, com uma perspectiva pós-estruturalista. Evocamos como intercessores, pensadores como Gilles Deleuze, Giorgio Agamben, Ana Francisca de Azevedo; cineastas, técnicos e projecionistas, tendo nestes últimos, um estudo de caso que enlaça nossas ponderações, produzindo espécie de falcaça nos fios que puxamos. Desenvolvemos uma reflexão sobre os corpos como suportes e sobre os suportes como corpos. Levamos em conta que: os movimentos de nosso pensamento, podem atuar de modo semelhante aos projetores cinematográficos, dispondo imagens no tempo, nas "telas" de nossas vidas; há um processo em curso de substituição do suporte padrão cinematográfico, do filme fotoquímico para os pixels; películas e seus agenciamentos estão sendo substituídos pelo cinema digital, que demanda e produz corpos com outras trajetórias, singrando novos campos de possíveis no que tange às produções audiovisuais, pois as imagens digitais por se tratarem de pontos fotográficos binários podem ser copiadas e modificadas “ad infinitum”, descerrando possibilidades estéticas; por sua volta, experimentações dos modos de fazer relacionados à película constituem-se como experiências singulares, que percorrem outras linhas. Esta é uma discussão de vulto na contemporaneidade, tendo em vista que a transição tecnológica tem desterritorializado os saberes relacionados ao fazeres cinematográficos com película fotoquímica e, noutro turno, que nossas relações interpessoais têm sido cada vez mais mediadas por imagens-projetadas em telas e sua produção via corpos-pixel, em variados dispositivos. PALAVRAS-CHAVE: Cinema. Corpo. Subjetividade.

- by Ingrid Rodrigues Gonçalves
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- Digital Cinema, Gilles Deleuze, Giorgio Agamben, Deleuze

O artigo propõe uma análise do filme Bom trabalho, de Claire Denis, cuja narrativa se concentra nas memórias do sargento Galoup, expulso da Legião Francesa em Djibouti. Ao passo que retrata a ocupação colonial, o filme revela a sensorialidade dos corpos dos soldados da Legião através de imagens ritualísticas desses corpos nos espaços e na paisagem desértica de Djibouti. Trata-se de pensar a forma como o filme compõe os espaços e os corpos a partir da noção de desterritorialização em uma ampla acepção (ou seja, no sentido de deslocamento físico, mas também no sentido trazido por Gilles Deleuze (1983) em relação à imagem-percepção e à imagem-afecção). Busca-se, portanto, estabelecer uma relação entre paisagens e corpos num sentido material e sensorial (Marks, 2000), paralelamente a uma análise das identidades pós-coloniais deslocadas e em decadência.

- by Mariana Cunha
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- Art, Film Studies, The Body in Film, Postcolonial Studies
- by Philippe Bédard and +1
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- Phenomenology, Phenomenology of the body, Screendance, 'Cinedance' and Performance studies

- by Catarina A O Andrade
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- Art, Film Studies, The Body in Film, Postcolonial Studies
- by Julie de Lorimier
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- Images, Claire Denis, Dance and Cinema, Acteur

De 1968 à 1970, Tatsumi Hijikata, célèbre chorégraphe à l’origine de l’ankoku butō, apparaît à trois reprises dans des œuvres ero-guro du réalisateur japonais Teruo Ishii. Le danseur apporte avec lui une esthétique provocante particulièrement adaptée à la logique attractionnelle de ces films d’exploitation mêlant violence et érotisme. Tandis que le Japon connaît un développement économique fulgurant qui informe des normes sociales policées et hygiénistes, cette affirmation outrancière, sur les écrans des cinémas populaires, de pulsions inavouables déformant les corps et les âmes, semble dès lors participer d’une véritable entreprise de subversion.

- by Simon Daniellou
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- Japanese Cinema, Butoh Dance, Butoh, Butoh, Kazuo Ohno
- by Rowena Santos Aquino
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- Film Analysis, Hong Kong Cinema, Wong Kar-Wai, Transnational Cinema

Premières lignes:
Les vidéos d’artistes contemporains, Sombra (1998), 60 escalones (perpetuum mobile) (1999), Un universo a medida (metrica mundis) 2002 de Javier Pérez et Macula d’Henri Foucault (2005), n’ont pas engagé le travail spécifique d’un chorégraphe ou d’un danseur et n’appartiennent pas à la catégorie films de danse. Pourtant, il semble que l’on puisse parler de danse au sens ouvert par Didi-Huberman : « La La danse est, certes, faite d'un geste, c'est- à-dire d'un corps qui danse. Mais elle est faite aussi d'un sillage, c'est-à-dire d'un espace qui danse auec le corps, autour du corps, un espace en tant qu'il est globalement modifié, reconfiguré par le geste.

- by Térésa FAUCON
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- Dance and Aesthetics, Dance and Cinema, Henri Foucault, Javier Perez
- by Laura McMahon
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- Jean-Luc Nancy, Claire Denis, Dance and Cinema