Sabine Chaouche - Academia.edu (original) (raw)

Academic books by Sabine Chaouche

European Drama and Performance Studies, 2023

This volume introduces the reader to the creation of theatre costumes in the past. It aims to she... more This volume introduces the reader to the creation of theatre costumes in the past. It aims to shed light on the various professions involved in the creation of the actors' attire, the world of merchants, and the costs associated with ordering textiles or garments.

This edited volume fills numerous gaps in the history of theatre. It gives a central role to archives, particularly sources such as bills from tailors, and other suppliers such as drapers, haberdashers, hatters, wigmakers etc.

Through its eight articles and appendices, it highlights an overlooked aspect of the history of stage costumes.

European Drama and Performance Studies , 2021

Ce volume présente les différents enjeux liés à la mise en scène des émotions au théâtre. Il s’in... more Ce volume présente les différents enjeux liés à la mise en scène des émotions au théâtre. Il s’intéresse à l’influence du genre théâtral et du genre, ainsi qu’à la réception des émotions par le public. Il montre comment la représentation des émotions sur scène contribue à l’histoire des émotions et en quoi les débats du XVIIIe siècle, relatifs au jeu de l’acteur, ont permis de mener une réflexion majeure sur les affects et la sensibilité, qui est encore d’actualité.

This volume presents the different issues related to the staging of emotions in theatre. It looks at the influence of theatrical genre, and gender, and the reception of emotions by the audience. It shows how the representation of emotions on stage contributes to the history of emotions and how the 18th-century debates on acting led to a major reflection on affects and sensitivity that is still relevant today.

La Philosophie de l'Acteur, 2007

Review by Prof. Claudio Vinti, Studi Francesi, 156, 52:3 (2008), p. 663-664 (transl. from Italian... more Review by Prof. Claudio Vinti, Studi Francesi, 156, 52:3 (2008), p. 663-664 (transl. from Italian). The concept of modern actor was born with the theoretical writings on the art of theatre in the second half of the eighteenth century and this excellent essay by Sabine Chaouche gives a wonderful account of it. The book goes straight to the heart of the living mystery that is the actor, and if it is true that many studies have dealt with the magic of theatrical illusion and its effects on the spectators, very little research is devoted to the enigma that the actor remains, at the same time person and character, personality and imaginary portrait, artist and work of art. The problem posed by the author is fundamental in theatre: what is the relationship between the actor, his body, his gestures, his voice and his ego? The actor is in himself a contradiction, unique and double when he acts, unique and multiple at the end of his career, his destiny is to make of himself a work, and his role is to become a masterpiece of immediacy, presence and creativity when he acts. His art depends on his psyche, his genius and his humanity. As spectators, for us the actor is an outsider, because we observe him only from the outside, quietly sitting and assorted in contemplation of the "theatrical fact", and because we know nothing about what is happening on the other side of the mirror. There are unknown, in fact, the laws that determine that metamorphosis and alchemy that produce the miracle of the theatrical life. However, we know that something is happening in the depths of the actor, in his body, in his soul, in his heart. The awareness of whatthis relationship might be emerged in the second half of the eighteenth century and many theorists of the art of theatre had already begun to reflect on these aspects of extreme modernity at that time, without, however, being known to the general public, which for too long remained anchored in the vision of the actor as it resulted from Diderot's Paradoxe sur le comédien. Chaouche analyzes the notion of the actor from Rémond de Sainte-Albine's Comédien (1747) to Diderot's Paradoxe sur le comédien, which came out posthumously in 1830, but extends this reflection to many other works that dealt with the actor's thought in the 18th century. And it is precisely the review and analysis of little-known or even unknown eighteenth-century writings that allows the author to better understand the modern aesthetics of the "internalization of the role", understood as a psychological process aimed at provoking a modification of the actor's state consciousness during the performance. Thus, the knowledge of works such as the Art du comédien vu dans ses principes by Tournon (1782), promoter of an actor's philosophy that anticipated that of Stanislaski, or the Eléments de l'art du comédien by Dorfeuille (1798-1801), would have made it possible to highlight a whole series of notions specific to the actor's art (mood, intentionality, breathing of the role, way of interpreting the text) which today form the basis of courses in dramatic art, but which had already been the subject of profound reflection during the eighteenth century, even though they remained the prerogative of a few experts. The passion of that century for the theatre, in fact, had already placed the actor at the centre of the interest of the public and intellectuals, and especially in the second half of the century there is a constant reflection on the art of the actor and an impressive series of writings have followed one another since 1747, when "Le Comédien" by Sainte-Albine was published. François Riccoboni published "L'Art du théâtre" in 1750; Marmontel an article on "theatrical declamation", in 1753; D'Hannetaire the first edition of "Observations sur l'art du comédien", in 1764; Dorat La Déclamation théâtrale, in 1766; Sticotti,"Garrick ou les acteurs anglais", in 1769; Diderot "Les Observations sur une brochure intitulée Garrick ou les acteurs anglais", in 1770; Prince de Ligne le Lettres à Eugénie, 1774; Tournon "L'Art du comédien vu dans ses principes", 1782; Levacher de Charnois, "Conseils à une jeune actrice", 1788; Mlle Clairon "Les Réflexions sur la déclamation", in 1798; Larive "Réflexions sur l'art théâtral", in 1801, up to Dorfeuille who published "Éléments de l'art du comédien" between 1798 and 1801. All this extraordinary interest around the figure of the actor began and developed exactly at the same time as the birth of philosophical thought. The eighteenth century brings to completion a work begun in the seventeenth century and Sabine Chaouche masterfully shows us how the concept of the actor takes shape in the eighteenth century. In the first part of the essay Chaouche studies the relationship between being and appearing in the actor, highlighting how even at the beginning of that century this concept was reduced to the idea of the actor as imitator. In the second part it is underlined how the theoretical writings of the second half of the eighteenth century highlight the birth of a dialogue, of a dialectic between exteriority and interiority within the actor. Little by little, on stage, a philosophy of the actor takes shape, thanks to the awareness of the importance of silence, of the physical presence of the actor, of his subjectivity in the creation of the character. The last part, finally, concerns the new theatrical aesthetics resulting from the recent notions arising from the debates between the partisans of the actor's subjectivity and the partisans of their non-involvement. These debates and discussions make it possible to elaborate a new and more general philosophy of the actor. Until the 17th century, the art of the actor could be summed up in the application of an acting code based basically on mimesis, in which playing was much more important than interpreting. L. Riccoboni, in 1738, was the first theorist and actor to evoke interiority through the notion of sensitivity, understood as a fundamental element of the creative process. Suddenly the art of the actor became much more complex than one might have thought. Never again do appearances deceive, and the actor is like an iceberg of which only a tiny part is known. To be an actor was no longer to observe and imitate sequentially, it was something else entirely. It was this unknown and subjective space of the "being-actor" that was investigated by the theorists of the second half of the 18th century. The problem of the sensitivity and humanity of the actor permitted the conceptualization of the notion of the actor itself, through a philosophy of the actor's art. This was directly linked to performance and its contingencies, because one realized how much they influenced acting. Time, mood of the audience, physical conditions, emotionality, reactivity towards the audience determined contingent situations that the actor had to dominate instantly. The actor thus had an acting space that is his own. From this moment on, he could be seen as a creator himself. The Age of Enlightenment marked a turning point in the concept of acting and, from a conceptual point of view, from a theatre of reflection of the real, we moved on to a theatre of interpretation, in which the actor was no longer only called upon to animate a role, but also to embody it. The eighteenth century, a magical century for theatre, marked the passage from the age of imitation-reproduction to the age of representation-identification. Voltaire and Diderot saw the birth of the actor-artist, the actor-star, the result of the dialectic between interiority and exteriority that so is well analysed by Sabine Chaouche in this solid, complete and brilliant essay.

CONTENTS Sabine Chaouche Organic Performances and Holistic Processes. Mapping Creativity across... more CONTENTS

Sabine Chaouche

Organic Performances and Holistic Processes.
Mapping Creativity across the Centuries 11

PHILOSOPHY OF THE CREATIVE PROCESSES

Sabine Chaouche

Work in Progress and Creativity in Performance
The Actor’s Training in 17th- and 18th-Century Theories 25

Sabine Chaouche

L’acteur et la création. Modeler le sentiment /
The Actor and Creation. Shaping the Feeling 49

CREATIVE PROCESSES IN FOCUS

Paola Ranzini

Le « copione » des False Confidenze (1856) d’Adelaide Ristori.
Un témoignage exceptionnel du processus de création
à l’époque des grands acteurs /
The “Copione” of Adelaide Ristori’s False Confidenze (1856).
An Exceptional Testimony to the Creative Process
in the Days of the Great Actors 67

8
Carole Bourne-Taylor

Performing the Self to Death.
Sarah Bernhardt’s Acting Up and Out and Outplaying 113

Mathilde Dumontet

Concurrence économique et interpénétration artistique
dans La Parodie et En Attendant Godot de Roger Blin /
Economic Competition and Artistic Interpenetration
in Roger Blin’s La Parodie and En Attendant Godot 129

Cyrielle Perilhon

L’État comme entrelacs
des processus de création chorégraphique /
The State as an Intertwining
of Choreographic Creation Processes 145

Marine Deregnoncourt

« Du désir, on ne peut s’approcher qu’en dansant ».
La co-construction actoriale dans Partage de midi
de Paul Claudel, mis en scène par Yves Beaunesne /
“Desire Can only Be Approached by Dancing”.
The Actor’s Co-Construction in Partage de midi
by Paul Claudel, Directed by Yves Beaunesne 165

Ella Gouët

Pour une nouvelle approche du processus de création.
Le cas des Cahiers du Studio /
For a New Approach to the Creative Process
The Case of the Cahiers du Studio 177

Andrea Pelegrí-Kristić

L’invisibilité de la traduction dans les processus de création
avec des textes traduits à Santiago du Chili (2014-2016) /
The Invisibility of Translation in the Creative Process
with Texts Translated in Santiago de Chile (2014-2016) 197

9
Antia Diaz Otero

La dimension écologique du processus de création.
Une manière de faire qui se façonne dans la pratique,
le cas de Mockumentary of a Contemporary Saviour /
The Ecological Dimension of the Creative Process.
A Way of Doing Things that is Shaped in Practice,
The Case of Mockumentary of a Contemporary Saviour 217

Puay Tin Leow

Testimony. The Elderly Other: A Methodological Monologue 237

CREATIVE PROCESSES AND HISTORICALLY
INFORMED PERFORMANCE

THE THÉÂTRE MOLIÈRE SORBONNE
EDITOR : MATTHIEU FRANCHIN

Matthieu Franchin

Introduction. Retrouver les processus de création
à l’œuvre au théâtre au xviie siècle :
l’exemple du Théâtre Molière Sorbonne /
Introduction. Researching the Creative Processes
at Work in the 17th Century Theatre.
The Example of the Théâtre Molière Sorbonne 255

Jean-Noël Laurenti

Éléments méthodologiques pour une reconstruction
de la déclamation à l’époque de Molière /
Methodological Elements for Reconstructing
the Declamation of Molière’s Time 267

Mickaël Bouffard

L’archéologie expérimentale au service des spectacles
historiquement informés ? Le cas du jeu corporel au xviie siècle /
Experimental Archaeology Put at the Service Historically Informed Performances? The Case of 17th-Century Body Techniques for Acting 309

10
Sophie Landy

Témoignage. Technique vocale et déclamation :
une approche pédagogique au service
de l’interprétation historiquement informée /
Testimony. Vocal Technique and Declamation:
A Pedagogical Approach for Historically Informed Performance 333

Guillaume Jablonka

Témoignage. Le maître à danser :
un sculpteur qui façonne le corps /
Testimony. The Dancing Master as a Body Shaping Sculptor 345

Matthieu Franchin

Quelle musique de scène pour le théâtre du xviie siècle ?

Les enjeux d’une direction musicale
au Théâtre Molière Sorbonne /
What Incidental Music for the Theatre of the 17th Century?
The Challenges of Musical Directing
at the Théâtre Molière Sorbonne 355

Hubert Hazebroucq

Mettre les sources au cœur de la création.
Éléments pour la reconstruction
des danses d’une comédie-ballet /
Putting Primary Sources at the Heart of the Creation.
Elements for Reconstructing the Dances in a Comédie-Ballet 375

Index 393

Abstracts/Résumés 399

Young men’s consumption, especially that of students at Oxford, has not received much attention f... more Young men’s consumption, especially that of students at Oxford, has not received much attention from scholars although they participated fully in the economic life of the University town by becoming customers, often compulsive shoppers.

No work deals explicitly with male undergraduate consumption. If the family, that is to say married couples, were for a long time prioritized, the consumption of single people has only recently begun to be explored; but only domestic life and middle-aged adult singletons were taken into consideration. Other perhaps peripheral groups such as children have received more attention than students. Undergraduates’ consumption in the Victorian era has been overlooked, although it was part of what John Benson called a ‘sub-youth culture’. Activities such as shopping and sport were ‘ways of defining, and expressing their distinctiveness, a distinctiveness both from the children’s world that they were leaving and from the adult world that they were entering’. As Benson argues, ‘the relationship between shopping and young people is fundamental to a proper understanding of the rise of the so-called consumer society’. Yet, this “youth market” may have constituted a niche of its own for local tradesmen in the past, worthy of study and touched upon in some perceptive texts such as 'The Hidden Consumer: Masculinity, Fashion and City Life, 1860–1914' by Christopher Breward, 'The Cut of his Coat: Men Dress and Consumer Culture in Britain, 1860–1914' by Brent Shannon and 'Men and Menswear. Sartorial Consumption in Britain, 1880–1936' by Laura Ugolini. However, these works focus solely on clothing, thus do not cover male consumption in its entirety.

Moreover, according to Frank Trentmann, historians have sidestepped the interrogation of concepts such as consumer society, consumer culture and consumerism by focusing on two approaches: the birth of modern consumer society in the early modern period based on acquisitive desire for commodities; and, the department store and mass consumption from the late nineteenth century to the present day, based on the mass production of goods and of desires that were not necessarily related to needs. They have not examined closely the transition to capitalist structures and organization. The temptation has often been to bypass the nineteenth century, in particular the Victorian era.

The book builds an understanding of student consumer culture in nineteenth-century Oxford. It opens new pathways in the history of consumption and capitalism by contextualizing and scrutinizing students’ expenditure and orders to suppliers, as well as the correlation between consumerism and modernized forms of credit. It also makes an important contribution to the local history of retailing by giving a new perspective to the nexus between merchants, students and the University, and by mapping the development of trade from the 1830s to the 1890s, years in which shops proliferated.

This study explains how boys of the Victorian era who were to become adults and married men, became within a few years, materialistic men―and thus experienced, long before their wives, the pleasure of shopping. Along the way these students made mistakes: buying imprudently, overspending, getting in debt or simply purchasing things they neither liked nor needed. From these some learned lessons. In this sense, being at Oxford was, through the consuming process and consumer culture, an education in becoming a man.

La fabrique du théâtre aux XVIIe et XVIIIe siècles fait l’objet depuis un peu plus d'une dizaine ... more La fabrique du théâtre aux XVIIe et XVIIIe siècles fait l’objet depuis un peu plus d'une dizaine d’années d’un intérêt nouveau de la part des historiens du théâtre (Frantz et Fazio (dir.), 2010), qui se sont attachés à la scénographie (Surgers, 2005), à la mise en scène (Chaouche, 2013 ; Chardonnet-Darmaillacq, 2012), aux manuscrits de souffleur (Chaouche, 2013). Néanmoins, l’aspect matériel du théâtre et sa dimension économique restent relativement peu explorés. Les périodes examinées se résument le plus souvent à la période classique ou à la Révolution, alors que des changements importants ont lieu au cours du XVIIIe siècle. La réflexion sur la mise en scène dans les théories sur l’art théâtral à partir des années 1730 témoigne à la fois d’un rejet du système théâtral traditionnel et de bouleversements qui affectent la pratique théâtrale, comme en témoigne notamment le réaménagement de la scène en 1759, les spectateurs qui étaient autorisés à prendre place sur la scène, étant relégués au parterre ou dans les loges. L’agrandissement de l’espace théâtral impose ainsi la création de nouveaux décors. De même, le costume tragique alors en usage semble de plus en plus incongru et des efforts sont faits pour le rendre plus historique ou pour dépayser le spectateur avec des habits censés représenter l’ailleurs comme la Chine ou l’Amérique. Ces transformations n’ont pas fait l’objet d’une étude spécifique qui soit à la fois matérielle, historique, économique et esthétique. La monographie d’Anne Verdier sur le costume est centrée sur le XVIIe siècle mais n’aborde pas vraiment l’économie du vêtement. L’ouvrage dirigé par Philippe Bourdin et Françoise Le Borgne apporte quant à lui des éléments de réponse en ce qui concerne l’aspect matériel du théâtre mais reste limité à la période révolutionnaire. La réforme du costume dans la seconde moitié du XVIIIe siècle doit être mieux mise en valeur (Chaouche, 2014), de même que l’économie du spectacle. Il en va de même pour le décor. En effet, Renaud Bret-Vitoz a examiné la mise en espace dans ses rapports avec la dramaturgie de la première moitié du XVIIIe siècle seulement (2008). Enfin, l''ouvrage plus récent de Pannill Camp sur le « cadre » théâtral reste théorique et n’aborde pas la scénographie à partir des factures laissées par les décorateurs. Or celles-ci, de même que les inventaires, constituent une mine d’information qu’il s’agit de mettre aujourd’hui en valeur.
Ce travail éditorial comprend l'édition des factures de Paul Brunetti et les inventaires de 1782 et 1815 de la Comédie-Française, puis, dans un second temps les factures du tailleur Pontus.

Dans son article sur la gestation du spectacle, Florent Siaud évoque « les terres obscures de la ... more Dans son article sur la gestation du spectacle, Florent Siaud évoque « les terres obscures de la création », « ces espaces indistincts où les mots partent fébrilement à la rencontre des acteurs sans immédiatement trouver les sentiers de l’évidence »[1]. La création est intimement liée, selon lui, à l’idée de chaos car les sens se superposent, se « déjouent », voire « s’annulent », mais également de tâtonnements avec ses « abandons », ses « retours en arrière » et ses « surgissements inopinés »[2]. Les termes « laboratoire », « atelier »[3], « fabrique »[4], « work in progress »[5] sont souvent utilisés pour traduire cette germination et cette mise en forme quelquefois imprédictibles, dans la mesure où existe une part d’inconnu dans le processus de création qui peut amener à des découvertes, comme le rappelle Josette Féral[6]. Celui-ci fait aussi référence à l’idée d’improvisation ou d’expérimentation en ce qu’il semble impossible de savoir et même de prévoir entièrement ce à quoi aboutira la représentation ou l’œuvre théâtrale finale.
Le processus de création ressortit à un travail collectif d’accompagnement de cette construction de l’œuvre, à une maïeutique pour être plus précis, qui s’inscrit dans une durée et une matérialité. Sophie Proust parle ainsi de « rythmes de travail » et d’un « processus organique »[7], laissant entendre que les processus de création sont intrinsèquement liés à une dynamique particulière entre les différents intervenants mais aussi à un mouvement qui a son propre temps et espace. Josette Féral, évoque quant à elle les traces matérielles des processus de création, souvent éclectiques[8], trop peu explorés dans les années 2000[9] mais qui font progressivement l’objet d’études, notamment les relevés de mise en scène et les manuscrits de souffleur[10]. Les chercheurs se sont souvent attachés ces dernières années à la période contemporaine en matière de génétique théâtrale[11].
En quoi les traces matérielles, techniques, ou visuelles de cette création en développement ont-elles varié au fil du temps ? Peut-on reconstituer, grâce à elles, une histoire et une philosophie de la création dans les arts de la scène ? Par ailleurs, quand commence-t-on à penser et théoriser la création scénique (que le processus de création soit relatif à l’auteur, à l’acteur ou au travail collectif ou individuel de mise en scène), c’est-à-dire l’acte même de créer et non juste « reproduire » ou « imiter » ? Peut-on voir par exemple de façon concrète, c’est-à-dire à partir de documents d’archives ou de témoignages relatifs à l’écriture, aux répétitions, ou à l’organisation des salles de spectacles (et indépendamment des poétiques rigides publiées à l’âge classique qui donnent une vision imparfaite de la création scénique et ne reflètent que partiellement sa réalité), comment la création s’articule à un contexte social, économique ou culturel et se voit influencée ou contrôlée par ce dernier ? La création peut-elle être mécanique et quels sont ses conditionnements ? Ne relève-t-elle que d’une culture, de l’environnement socio-économique voire de techniques ? Est-elle plutôt liée à une personnalité et un vécu, ou à des qualités individuelles comme la capacité à imaginer ou la sensibilité par exemple ?
Ainsi, dans La philosophie de l’Acteur[12], Sabine Chaouche évoquait l’émergence, non pas seulement d’une théorie mais aussi d’une philosophie de la création dans les arts de la scène sous l’Ancien Régime, soulignant l’importance de nouvelles notions comme le jeu intervallaire ou le jeu impulsif né d’un certain abandon de l’acteur sur scène, et les débats relatifs au beau et au sublime dans l’art théâtral. Comment a été pensé le processus de création, le vivant, ce qui est par essence éphémère et qui ne peut être dupliqué si facilement au fil du temps ? Quels sont les grands courants de pensée, les types de philosophies ou les écoles ?
Ce volume entend faire dialoguer le passé et le présent afin de tenter de reconstituer une histoire des théories et de la philosophie de la création scénique. Il s’attachera donc aux processus de création dans les arts du spectacle, en particulier au théâtre, du XVe siècle au XXIe siècle.

[1] Florian Siaud, « De ce qui naît en premier à Ce qui meurt en dernier », Jeu : revue de théâtre, n° 136, 3, 2010, p. 68-69.
[2] F. Siaud, art. cit., p. 74.
[3] Voir les récents travaux de Julia De Gasquet sur la notion d’atelier.
[4] Voir par exemple le portail numérique « La fabrique du spectacle » dirigé par de Sophie Lucet et un ouvrage comme La Fabrique du théâtre. Avant la mise en scène (1650-1880), Pierre Frantz et Mara Fazio (dir.), Paris, Desjonquères, 2010.
[5] Josette Féral, « Introduction: Towards a Genetic Study of Performance-Take 2 » dans ‘“Genetics of Performance”, Theatre Research International, no 33, 3, oct. 2008, p. 224.
[6] J. Féral, art. cit., p. 223.
[7] Sophie Proust, « Les processus de création de quelques metteurs en scène new-yorkais », Jeu : revue de théâtre, n° 136, 3, 2010, p. 84.
[8] J. Féral distingue les brouillons textuels des brouillons visuels et scéniques (notes du metteur en scène et des répétitions, vidéos, images numériques, bandes sonores) (art. cit., p. 223-233).
[9] J. Féral, art. cit., p. 224.
[10] Voir Jean-Marie Thomasseau, « Les Manuscrits de la mise en scène », L’Annuaire théâtral, printemps 2001, 29, p. 101-122 et « Les Manuscrits de théâtre. Essai de typologie », Littératures, n°138, 2005, p. 79-118. Les manuscrits de la période XVIIe-XIXe siècle ont été abordés par Sabine Chaouche, La Mise en scène du répertoire à la Comédie-Française, 1680-1815, Paris, Honoré Champion, 2013 (en particulier la deuxième partie), Relevés de mise en scène (1683-1826), Paris, Honoré Champion, 2015. Les manuscrits de souffleur permettent de mieux comprendre les palimpsestes des mises en scène et le travail de collaboration, la manière dont les spectateurs influençaient le devenir d’un texte. On se reportera à l’article de Roxane Martin, à paraître : « Horace à l’épreuve des révolutions : les remaniements du texte et l’édification d’un Corneille patriote (1789-1848) », dans Appropriations de Corneille, M. Dufour Maître (dir.), Rouen, PUR. On trouvera des articles qui abordent la question comme ceux de Jacqueline Razgonnikoff, « Copistes et secrétaires-souffleurs à la Comédie-Française au XVIIIe siècle, de Saint-Georges à Delaporte », John Golder et John Dunkley (dir.), Journal for Eighteenth-Century Studies, 32, n°4, déc. 2009, p. 549-562 ; Martial Poirson, « Le plateau à l’œuvre : du manuscrit de souffleur au relevé de mise en scène (XVIIe-XXIe siècles) » dans « Mémoires de l’éphémère », Revue d’Histoire du Théâtre, 2008-1, p. 5-12 et « “Souffler n’est pas jouer” : Pratiques et représentations du copiste-souffleur (1680-1850) », dans La Fabrique du théâtre, op. cit., p. 51-69 ; Sabine Chaouche, « Les enjeux des reprises à la Comédie-Française : les palimpsestes du texte théâtral au XVIIIe siècle », Studi Francesi, "Testiinediti e documentirari", 168, III, 2012, 465-476 et « Mise en scène et placements au XVIIIe et au début du XIXe siècle », The Frenchmag, février 2016 ().
[11] Shommit Mitter, Systems of Rehearsal: Stanislavky, Brecht, Grotowski and Brook, Londres, Routledge, 1992 ; Susan Letzercole, Directors in Rehearsal: A Hidden World, Londres, Routledge, 1992 ; G. Banu, éd., Les Répétitions: Un Siècle de mise en scène. De Stanislavski à Bob Wilson, Bruxelles, Alternatives théâtrales, 1997 ; Almuth Grésillon, « De l'écriture du texte de théâtre à la mise en scène », Cahiers de praxématique, n° 26, 1996, p. 71-94 ; Almuth Grésillon et Jean-Marie Thomasseau, « Scènes de genèses théâtrales », Revue internationale de critique génétique, 26, 2006, p. 19-34 ; Sophie Proust, La Direction d’acteurs dans la mise en scène théâtrale contemporaine, Vic la Gardiole, L’Entretemps, 2006 et « Written Documents of the Assistant Director: A Record of Remaking », Theatre Research International, 33, n°3, 2008, p. 289-306 ; Jean-Marie Thomasseau, « Towards a Genetic Understanding of Non-contemporary Theatre: Traces, Objects, Methods », Theatre Research International, 33, n°3, 2008, p. 234-249 ; Gay McAuley, « Not Magic but Work: Rehearsal and the Production of Meaning », Theatre Research International, 33, n°3, 2008, p. 276-288 et Not Magic But Work: an Ethnographic Account of a Rehearsal Process, Manchester, University of Manchester Press, 2012.
[12] La philosophie de l’Acteur, La dialectique de l’intérieur et de l’extérieur dans les écrits sur l’art théâtral, 1738-1801, Paris, Honoré Champion, 2007.

In "Masculinités: États des lieux", Daniel Welzer-Lang and Chantal Zaouche Gaudron stress that me... more In "Masculinités: États des lieux", Daniel Welzer-Lang and Chantal Zaouche Gaudron stress that men and masculinity are often ignored or underestimated in continental studies, even though important sociological and historical works have been published in France since the 2000s, such as "Hommes et masculinités de 1789 à nos jours" edited by Régis Revenin and more recently "Histoire de la virilité" edited by Georges Vigarello (t. 1), Alain Corbin (t. 2) and Jean-Jacques Courtine (t. 3).

According to Raewyn Connell, masculinity and femininity are inherently relational concepts, which highlight cultural oppositions and social functions. [5] Hence masculinity is ‘masculinity-in-relation’. Moreover, the theories of masculinity suggest that it is a recent historical product linked to culture and class. Multiple criteria can give a better understanding of masculinities (age, body, education, status, lifestyle, sexual orientation, ethnicity, work, places and cultural norms, cultures or sub-cultures).Works on British and American literature and theatre opened new pathways in gender studies but masculinity in European Theatre remains an overlooked topic. "Masculinity and Theatre" aims therefore to assess the way in which masculinity is defined in plays and performed on stage in European theatre over the centuries. How are manliness, male rituals, and norms staged or highlighted by playwrights, actors or stage directors? Are theatrical genres, theatricality and staging gendered, and if so, what can be identified as masculine or what may be masculinized? When did barriers between masculinity and femininity fade in the history of theatre (cf. ‘crying’ heroes in French tragedies in the 1660s or ‘viragos’ in comedies)?

European Drama and Performance Studies, 2017

L’auctorialité dramatique a été souvent abordée par la critique moderne à travers une réflexion s... more L’auctorialité dramatique a été souvent abordée par la critique moderne à travers une réflexion sur la mise en scène, notamment sur les rapports entre un texte dit « littéraire » et sa représentation devant un public donnant lieu à de multiples interprétations. Les historiens du théâtre, tout comme les théoriciens de l’âge classique avant eux, insistent le plus souvent sur les écarts entre écriture dramatique et scène, distinguant
la conception d’une pièce par un individu et sa réalisation par une équipe de spécialistes – acteurs, machinistes, décorateurs, costumiers ou éclairagistes – sous la direction ou non d’un metteur en scène.

Souvent négligée par la critique, la part de travail de ceux qui servent d’intermédiaires entre l’auteur et le public a récemment fait l’objet de travaux visant à lier plutôt qu’à opposer les étapes menant à la fabrication du spectacle1. Ces études portant sur différentes périodes invitent désormais à s’interroger sur ce qu’« écrire pour la scène » a pu signifier à travers les siècles. Existe-t-il véritablement « un auteur » du texte dramatique ? Comment la production dramatique, tant dans son versant culturel que dans son versant économique, contraint-elle l’écriture et modèle-t-elle la figure de l’auteur ?

Fort de ces renouvellements, le présent numéro vise à questionner la nature et les enjeux de l’acte d’écrire pour la scène, de la fin du Moyen Âge à l’époque moderne, et ce afin de mieux cerner les continuités et changements intervenus en matière de création scénique sur untemps plus long. Cet aspect est d’autant plus important que, de nos jours, les praticiens du théâtre comme les chercheurs interrogeant les liens entre écriture et représentation théâtrales, ont placé au centre de leur réflexion cette idée d’un théâtre dont la partie écrite devrait être désacralisée. Depuis une dizaine d’années, les travaux de Bruno Tackels ont ainsi élaboré la notion d’« écrivain de plateau2 », mobilisée avant tout pour caractériser une pratique contemporaine qui rejette le théâtre comme mise en scène d’un texte écrit au préalable par un auteur-poète dramatique. Les écrivains de plateau sont généralement présentés comme un modèle qui serait en rupture avec ce que l’on considère comme une tradition immémoriale depuis l’Antiquité, comme si le théâtre ne pouvait se développer ni n’avait jamais existé sans un texte et sans un auteur.

Revue d'Histoire du Théâtre, 2017

En 1937, Louis Jouvet publiait un article sur « L'apport de l'électricité dans la mise en scène a... more En 1937, Louis Jouvet publiait un article sur « L'apport de l'électricité dans la mise en scène au théâtre et au music-hall ». Il y livrait des vues pénétrantes sur la lumière au théâtre, sans dissocier technique, histoire et esthétique. C’est dans cette perspective « croisée » que veut s’inscrire le projet de dossier en en actualisant les données.
En effet, depuis, bien sûr, des chercheurs ont approfondi l’histoire matérielle du théâtre et les créateurs exploité les techniques nouvelles. Bien plus, le concepteur lumière est devenu un créateur à part entière.
La lumière au théâtre a été l’objet de nombreuses publications, mais qui forment une bibliographie dont les rubriques sont souvent disjointes. Par exemple, on trouve des études esthétiques faisant peu de place aux matériels et aux techniques et à l’inverse des traités précisément, mais purement techniques. Concernant la lumière dans l’ancien théâtre, l’esthétique moderne et contemporaine de l’éclairage, le lecteur se retrouve confronté à une multitude d’études monographiques pointues et dispersées. Beaucoup d’ouvrages intéressants existent, mais écrits en langue étrangère.
Bref, il manque à l’honnête homme amateur de théâtre et à l’étudiant des arts du spectacle une synthèse accessible des recherches. C’est ce que veut offrir ce projet de numéro.

European Drama and Performance Studies, 2015

In his introduction to the history of the body from the Revolution to the Great War, Alain Corbin... more In his introduction to the history of the body from the Revolution to the Great War, Alain Corbin claims that such a study should not be reduced to the dichotomy between body-object and body-subject. What does the female performer show us therefore beyond stereotypes? The performer is at the juncture between different spaces and modes of presentation and representation: her body is both public and intimate, possessed by artists and dispossessed by the audience and the press, both consumed as goods and imagined, both one and diffracted into multiple works and words. What do female performers embody or tell us about mental representations, social constructions and physical relations or perceptions? Norms collectively define what the body is and its forms: an ephemeral vessel of the soul for religion; a precious “container” of virtue being on the edge of a precipice and thus to be mastered or hidden under clothes for morality; a possible weak, diseased or deviant flesh for medicine (hence the links made between women and hysteria in the nineteenth century). National trends also shape views on the body, changing its appearance over time, dictating which parts should be veiled or unveiled, tightened or freed, deformed or sublimated, ethereal or on the contrary hyper athletic. They also dictate what a good woman should be (i.e. not the fallen one!) or condemn the wrong kind of femininity – hence Yvette Guilbert’s androgyny seen as peculiar. In the second part of the nineteenth century, romantic beauty which was focused on the eyes and a slender silhouette gave way, according to Georges Vigarello, to curves and hips – and the appeal of underwear. Sylphlike beauty focusing on the upper part of the body was progressively replaced by the lower part of the body whose extra-thin waist and prominent bottom created an undulating walk and swinging movements. Sexiness was about to triumph and become the norm for modern beauty, i.e. ‘the reign of the unveiled, the retroussé, the transparent and the nude’. Music hall conveyed these shapes, emphasizing elements of the anatomy such as bosom, bottom and legs. Entertainments promoted sexiness by trivialising its canons in daily performances. Film would later idealise beauty and physical presence, and, as Vigarello puts it, would develop ‘aesthetics of sex appeal’. Photogenic actresses, diaphanous faces and skin sculpted with make-up and lighting, blonde hair blowing in the wind, expressive allure gave audiences an image of perfection, of a glorified body. From the 1920s, “It girl”, “self-creation”, “sex-appeal”, “leg-art”, caught on and happened to be core new terms used for actresses. In this respect, bodies were hyper “theatricalized” on stage during the period and took part in a system of leisure which aimed at playing with male physical senses (smell, vision, and hearing). In music hall, actresses’ acts “spoke” simultaneously to the audience’s bodies and souls through a semi-licit performance which led finally to emotional and physiological intoxication – on top of drunkenness since the members of the audience consumed both alcohol and actresses!

This special issue goes beyond clichés on music hall stars as prostitutes by assessing the theatrical and cinematographic responses given by authors, artists and the Industry to audiences aiming to socialize in popular districts or places, from the mid-nineteenth century (first music-halls, cabarets and later Variety theatres in Europe) and La Fanfarlo, to broadly speaking, the 1950s and Marlène Dietrich, especially with the use of the female body as a modern spectacular form of popular entertainment. It undertakes a transnational approach focusing on Great Britain, the United States and France.

16 articles

La présente édition montre la manière dont les acteurs de la Comédie-Française préparaient au XVI... more La présente édition montre la manière dont les acteurs de la Comédie-Française préparaient au XVIIIe siècle la reprise de pièces tirées du répertoire. Trois comédies, L’Homme à bonne fortune de Michel Baron, Le Joueur et Le Distrait de Jean-François Regnard furent jouées pour la première fois à la fin du XVIIe siècle et, par la suite, reprises de nombreuses fois. La superposition des relevés que nous proposons dans le présent ouvrage et les différentes strates de mise en scène formées par celle-ci, laissent apparaître clairement la génétique de la représentation. C’est précisément la métamorphose de la scène qui est vouée à être un palimpseste et donc à refléter les différentes interprétations d’une pièce du répertoire à différentes époques – lesquelles constituent une forme de signature artistique et le noyau de ce que l’on nomme, aujourd’hui, « la mise en scène moderne ».

La « mise en scène » est une notion nouvelle et complexe. D’une part, elle ne se limite pas à l’o... more La « mise en scène » est une notion nouvelle et complexe. D’une part, elle ne se limite pas à l’organisation matérielle, à la partie visible de la représentation à laquelle assiste le spectateur. Elle comporte une dimension créative et relève de faits socio-esthétiques. D’autre part, son sens est « embrouillé », la critique théâtrale se servant abondamment du terme « mise en scène », pour évoquer indifféremment le spectacle, l’opsis, c’est-à-dire la « présentation scénique » ou le projet esthétique et politique du metteur en scène. Elle recoupe à la fois théorie et pratique. L’idée de « mise en scène », au sens donné par Antoine en France au début du XXe siècle, est rejetée par la plupart des spécialistes du théâtre d’Ancien Régime qui, concédant que des décisions sont prises par les acteurs aux XVIIe et XVIIIe siècles (jeu de l’acteur, jeux de scène, décor…), réfutent pourtant l’idée qu’il pût y avoir, au théâtre, un ou des « professionnels » du spectacle capables de faire un travail artistique autonome et d’interpréter de manière personnelle un texte dont il n’est ou dont ils ne sont pas l’auteur. Le terme de « mise en scène » est ainsi jugé anachronique, voire abusif. Mais, devrait-on vraiment éviter toute utilisation du terme ou, au contraire, interroger cette définition en tentant de comprendre en quoi les acteurs ont pu, au XVIIIe siècle, contrôler le sens de la représentation, notamment en matière de reprises, et régler effectivement le théâtre ? Qu’entend-on donc par « mise en scène » lorsque l’on aborde le théâtre d’Ancien Régime ? Ne peut-on parler que d’organisation matérielle puisque la mise en scène « intérieure », au sens d’Antoine, est une notion moderne ? Ou devrait-on nuancer cette vision tranchée de l’histoire du théâtre, qui ne peut concilier partie matérielle et interprétation d’une œuvre avant la fin du XIXe siècle  ni d’ailleurs concevoir qu’il pût y avoir, au siècle précédent, une forme de « signature » ou de proposition artistique par une troupe, comme par exemple celle de la Comédie-Française ? Cette étude, fondée sur des documents pour la très grande majorité d’entre eux inédits, entend montrer comment l’actualisation des pièces du répertoire à partir de choix esthétiques, tout comme leur adaptation par la troupe, participèrent pleinement de ce qu’est, à proprement parler, la « mise en scène » et concoururent à faire émerger les principes, bien avant le XIXe siècle, de ce qui constitue la « mise en scène moderne ».

European Drama and Performance Studies, 2013

This special issue concentrates on the way in which shows and entertainments were commercialized ... more This special issue concentrates on the way in which shows and entertainments were commercialized in eighteenth and nineteenth-century France. Seasonal programmes, innovations on stage as well as the management of playhouses are examined. The articles demonstrate that spectacular shows emphasizing visual and sound effects were the result of marketing strategies which gave birth to the Theatre Industry.

This edited volume gives an overview of the institutional history of the three main playhouses in... more This edited volume gives an overview of the institutional history of the three main playhouses in Paris (Opera, French and Italian Theatre) from c17 to the present day. It draws on archival material and is based on comparative approaches. It also includes interviews with stage directors such as Jean-Marie Villégier, William Christie and Jean-Louis Martinoty.

Sous l'Ancien Régime, le système théâtral est à l’image de toute la structure sociale, fortement hiérarchisé. L’Opéra, qui jouit du statut d’académie dès son origine, y occupe la première place. La Comédie-Française vient en second : elle est constituée par la troupe des « Comédiens ordinaires du roi », titre attribué également, à la mort du Régent Philippe d’Orléans, à la troupe de la Comédie-Italienne (Opéra-Comique par la suite), qui forme le troisième théâtre privilégié. Si l’édifice privilégié s’effondre à la Révolution française, les trois théâtres continuent à jouer un rôle prépondérant dans la capitale et à entretenir des relations ambiguës, entre complémentarité et rivalité.

À la croisée de deux domaines de recherche trop souvent séparés, l’histoire institutionnelle et l’histoire des œuvres, cet ouvrage se propose de susciter une réflexion collective sur l’histoire administrative et artistique des trois théâtres parisiens. Avec l’espoir que, de la confrontation et la comparaison des données sur le temps long, ressorte une vision d’ensemble de la manière dont ces trois institutions théâtrales majeures dans le paysage culturel français ont conçu au fil des siècles leurs stratégies entrepreneuriales et artistiques, en rapport les unes aux autres.

REMERCIEMENTS

Introduction
par SABINE CHAOUCHE, DENIS HERLIN et SOLVEIG SERRE

PREMIÈRE PARTIE - LES INSTITUTIONS ET LEURS TUTELLES

L'Académie royale de musique et la Comédie-Italienne sous le règne de Louis XlV: deux entreprises de spectacle en rivalité ? par JÉRÔME DE LA GORCE
L'implantation des théâtres privilégiés à Paris : locus belli, locus otii, locus negotii par SABINE CHAOUCHE
Un théâtre d'acteurs dans un théâtre du roy : institutionnalisation et conservation de la dramaturgie des Italiens à la Comédie-Italienne par SILVIA SPANU FREMDER
L'effritement du privilège théâtral: les débats de 1789-1790 par MARK DARLOW
Représentation théâtrale et cérémonial royal : les spectacles de cour des théâtre privilégiés à l'époque des Lumières par PAULINE LEMAIGRE-GAFFIER
Le Théâtre-Lyrique.' le périmètre des salles d'opéra à Paris sous le Second Empire par ALESSANDRO DI PROFIO
Patrimoine des théâtres par AGATHE SANJUAN
Les processus d'institutionnalisation des scènes lyriques : quelques questions sociologiques par EMMANUEL PEDLER

DEUXIÈME PARTIE - RÉPERTOIRES COMPARÉS
Opéra, Comédie-Française et Opéra-Comique : entre co-répertoires et contre-répertoires par MAUD POURADIER
The Opéra and Opéra-Comique in the nineteenth century : tracing the age of repertoire par WILLIAM WEBER
Le petit opéra à l'Académie au XIXe siècle : quelques considérations d'ordre terminologique par DAMIEN COLAS
Quand on déclame sur la scène de l'Opéra : du Freischütz (1841) de Weber et Berlioz à Bacchus (1909) de Massenet par JEAN-CHRISTOPHE BRANGER
Le répertoire de l'Opéra et de l'Opéra-Comique entre 1915 et 1945 : concurrence ou complémentarité? par CLAIRE PAOLACCI
La création lyrique à la RTLN (1936-1972) par CÉCILE AUZOLLE

TROISIÈME PARTIE - CIRCULATION DES OEUVRES ET DES ARTISTES
La circulation des acteurs italiens et des genres dramatiques dans la première moitié du XVIIIe siècle par EMANUELE DE LUCA
L'abbé Pellegrin et les lieux du chant: esquisse d'une géographie des spectacles lyriques parisiens au XVIIIe siècle par BENJAMIN PINTIAUX
Écrire pour tous les théâtres: le cas singulier de Louis Fuzelier par FRANÇOISE RUBELLIN
Danser à l'Académie royale de musique et à la Comédie-Française au XVIIIe siècle par FRANÇOISE DARTOIS-LAPEYRE
Georgette Leblanc, singer, actress, « femme extraordinaire » par GILLIAN OPSTAD
Scribe, « trois fois chez lui » ? par JEAN-CLAUDE YON
Triple coopération au XXe siècle: quand l'Opéra et l'Opéra-Comique font danser et chanter la Comédie-Française par JACQUELINE RAZGONNIKOFF
Atys, une production sans traditions par LAURA NAUDEIX
Albert Carré directeur : de l'Opéra-Comique à la Comédie-Française (1898-1915) par MICHELA NICCOLAI
Figaro-ci et Figaro-là pour le bicentenaire de la Révolution par JÉRÔME PESQUÉ

Entretien avec Jean-Louis Martinoty propos recueillis par EMMANUELLE ET JÉRÔME PESQUÉ
Entretien avec Jean-Marie Villégier propos recueillis par EMMANUELLE ET JÉRÔME PESQUÉ
Entretien avec William Christie propos recueiIlis par JÉRÔME PESQUÉ

RÉSUMÉS
INDEX DES NOMS

This edited volume is an investigation and analytic examination of ‘the theatrical’ as an interdi... more This edited volume is an investigation and analytic examination of ‘the theatrical’ as an interdisciplinary concept, in the early modern period. It draws on E. Goffmann’s sociological theory entitled The Presentation of the Self in Everyday Life to illuminate the different loci of the Theatrical in public and private spheres

European Drama and Performance Studies, 2023

Through its eight articles and appendices, it highlights an overlooked aspect of the history of stage costumes.

European Drama and Performance Studies , 2021

La Philosophie de l'Acteur, 2007

CONTENTS Sabine Chaouche Organic Performances and Holistic Processes. Mapping Creativity across... more CONTENTS

Sabine Chaouche

Organic Performances and Holistic Processes.
Mapping Creativity across the Centuries 11

PHILOSOPHY OF THE CREATIVE PROCESSES

Sabine Chaouche

Work in Progress and Creativity in Performance
The Actor’s Training in 17th- and 18th-Century Theories 25

Sabine Chaouche

L’acteur et la création. Modeler le sentiment /
The Actor and Creation. Shaping the Feeling 49

CREATIVE PROCESSES IN FOCUS

Paola Ranzini

8
Carole Bourne-Taylor

Performing the Self to Death.
Sarah Bernhardt’s Acting Up and Out and Outplaying 113

Mathilde Dumontet

Cyrielle Perilhon

L’État comme entrelacs
des processus de création chorégraphique /
The State as an Intertwining
of Choreographic Creation Processes 145

Marine Deregnoncourt

Ella Gouët

Pour une nouvelle approche du processus de création.
Le cas des Cahiers du Studio /
For a New Approach to the Creative Process
The Case of the Cahiers du Studio 177

Andrea Pelegrí-Kristić

9
Antia Diaz Otero

Puay Tin Leow

Testimony. The Elderly Other: A Methodological Monologue 237

CREATIVE PROCESSES AND HISTORICALLY
INFORMED PERFORMANCE

THE THÉÂTRE MOLIÈRE SORBONNE
EDITOR : MATTHIEU FRANCHIN

Matthieu Franchin

Jean-Noël Laurenti

Éléments méthodologiques pour une reconstruction
de la déclamation à l’époque de Molière /
Methodological Elements for Reconstructing
the Declamation of Molière’s Time 267

Mickaël Bouffard

10
Sophie Landy

Guillaume Jablonka

Témoignage. Le maître à danser :
un sculpteur qui façonne le corps /
Testimony. The Dancing Master as a Body Shaping Sculptor 345

Matthieu Franchin

Quelle musique de scène pour le théâtre du xviie siècle ?

Hubert Hazebroucq

Index 393

Abstracts/Résumés 399

European Drama and Performance Studies, 2017

Revue d'Histoire du Théâtre, 2017

European Drama and Performance Studies, 2015

16 articles

European Drama and Performance Studies, 2013

REMERCIEMENTS

Introduction
par SABINE CHAOUCHE, DENIS HERLIN et SOLVEIG SERRE

PREMIÈRE PARTIE - LES INSTITUTIONS ET LEURS TUTELLES

RÉSUMÉS
INDEX DES NOMS

Virginie a mal vécu une rupture sentimentale. Son ancien amour la hante.Jusqu'au jour où. Ce roma... more Virginie a mal vécu une rupture sentimentale. Son ancien amour la hante.Jusqu'au jour où. Ce roman raconte l'histoire d'une psyché... Et un retour à la vie.

Virginie had a bad emotional break-up. Her old love haunts her. Until one day. This novel tells the story of a tormented psyche.... And a rebirth.

Le Président de la République française, Stéphane Larcier, est confronté à une crise majeure : un... more Le Président de la République française, Stéphane Larcier, est confronté à une crise majeure : un dangereux virus menace de décimer les bovins et de réduire à néant la production de viande rouge en France. Quelles solutions trouvera-t-il pour remédier à la situation ? Une comédie décalée sur les affres du pouvoir et les ravages causés par les politiques néolibérales.

The President of the French Republic, Stéphane Larcier, is facing a major crisis: a dangerous virus threatens to decimate bovines and destroy red meat production in France. What solutions will he find to remedy the situation? A comedy about the horrors of power and the devastation caused by neoliberal policies.

European Drama and Performance Studies 2023 – 1, n° 20. Creation and Economy of Stage Costumes (16th–19th Century), 2023

This article provides a comprehensive examination of the orders placed with Pontus by the Comédie... more This article provides a comprehensive examination of the orders placed with Pontus by the Comédie-Française. It focuses on the production and costs of stage costumes created for dancers and actors, as well as their maintenance and repairs. It highlights the deadlines given to the tailor, the fabrics used, the rates applied, the various techniques employed to create dazzling stage effects, and the prevailing fashion trends. It assesses the notion of consumerism in the context of theater history.

European Drama and Performance Studies 2023 – 1, n° 20. Creation and Economy of Stage Costumes (16th–19th Century), 2023

Cette brève introduction à l’histoire du costume de scène retrace les grands questionnements et d... more Cette brève introduction à l’histoire du costume de scène retrace les grands questionnements et débats liés à la création et à l’économie des spectacles parisiens.

Junctures, 2022

Based on 18th-century theoretical debates on the actor’s art reignited in the 20th century by Con... more Based on 18th-century theoretical debates on the actor’s art reignited in the 20th century by Constantin Stanislavski, this article reflects on performance as a multiverse system integrating different spaces, times and non-times. It examines the inner and outer aspects of performing, and how the stage can be seen as a junction between virtual realities and physical presence. It considers acting, not only as the art of the present moment but also as a “trans-verse effect” where the actors navigate diverse and even diffracted universes that interweave in the matter. The study of this multiverse system can help us better understand cognitive functions and states of consciousness, and new philosophical views on the self, the phenomenology of acting and the philosophy of the mind.

European Drama and Performance Studies, 2021

This article discusses ‘expressionist’ acting in the late 18th century. It claims that actors per... more This article discusses ‘expressionist’ acting in the late 18th century. It claims that actors performed paroxysmal emotions using hysterical gestures and movements. The concept of emotion is examined through the lens of modern criticism, before that of trance and spasms in relation to the medical sciences. Scrutinising how torment, agony, and fright were expressionistically staged sheds new light on theatre practices of the time.

Cet article examine le jeu « expressionniste » à la fin du XVIIIe siècle. Il montre que les acteurs interprétaient des émotions paroxystiques en utilisant des gestes et mouvements hystériques. L’idée d’émotion est examinée à l’aune de la critique moderne, puis l’idée de transe et de spasme, notamment en lien avec la médecine. Étudier comment le tourment, l’agonie et l’effroi étaient interprétés de façon expressionniste apporte un nouvel éclairage sur les pratiques théâtrales de l’époque.

This article shows how the use of offensive and improper words reveals codes relating to gender i... more This article shows how the use of offensive and improper words reveals codes relating to gender in seventeenth-century society and theatre. Disrespect and rudeness were not only markers of masculinity but also attempts to display hard masculinity, characters trying to show leadership and manliness. Common characteristics expressing masculine identities which go beyond social divides (that is status and social class), can be found on stage. Examining comedies by Molière and Jean-François Regnard gives for instance insight into the way masculinity is constructed both socially and theatrically during the period. Crude language, swearing and insults reflect hegemony and masculine domination, as well as a way to gain self-confidence in public. Displaying aggressive manhood proved to be pivotal in the plays I look at, even though gentlemanly behaviour, which symbolized soft masculinity, was promoted through the ideal of the ‘honnête homme’ in bourgeois and aristocratic spheres at the turn of the seventeenth century. However, playwrights ridiculed male characters’ excessive manliness. They developed new forms of comic by distancing themselves from the classical rules and the notions of etiquette and accepted behaviour.

Revue d'Histoire du Dix-Neuvième Siècle, 2019

This article examines the relationship between Oxford tradesmen and undergraduates especially the... more This article examines the relationship between Oxford tradesmen and undergraduates especially the way in which shopkeepers attracted inexperienced consumers and drove student consumption. Based on a set of primary sources it analyses the commercial practices and business strategies that were developed in the Victorian era. I argue that if undergraduates’ overspending and consumerist habits reflected a taste for extravagance and profligacy, they were however partly the result of aggressive new capitalist methods such as ‘touting’ and ‘dunning’, and a consequence of standardized payment facilities such as consumer credit.

Cet article examine les stratégies mises en place pour pousser des adolescents à la consommation. Il se fonde sur des documents d’archives et sur des articles parus dans les journaux qui témoignent des pratiques commerciales développées par les marchands à l’époque victorienne. Celles-ci visaient d’une part à faire face à une concurrence de plus en plus forte entre marchands d’une même profession, et d’autre part à sécuriser de façon rapide de nouvelles commandes par les étudiants. Si les dépenses excessives et ostentatoires de ceux-ci reflétaient un goût certain pour le gaspillage et la prodigalité comme en témoigne l’exemple d’Edward Napleton Jennings dont les vicissitudes financières furent mises en lumière par la presse , on peut néanmoins affirmer qu’elles étaient également le résultat de méthodes capitalistes agressives, comme la distribution directe et le harcèlement commercial (méthodes appelées touting et dunning). Plusieurs milliers d’étudiants furent ainsi poursuivis en justice à Oxford au XIXe siècle . En effet, les facilités de paiements offertes par les marchands à une clientèle jeune et inexpérimentée avaient un impact majeur sur la consommation, en stimulant mécaniquement la demande. Le crédit fut souvent à l’origine de dépenses excessives et de l’endettement, voire du surendettement, et ce, bien avant les années 1920. De façon plus générale, son utilisation ne se limitant pas à ce groupe particulier que représentaient les étudiants, il apparaît un levier de ce qui deviendra la consommation de masse. Il met ainsi en lumière la manière dont ont pu se développer des comportements consuméristes et la genèse de la société de consommation, triomphante au XXe siècle.

This study examines the economy of the playhouse, and in particular all the plays by J.-F. Regnar... more This study examines the economy of the playhouse, and in particular all the plays by J.-F. Regnard which were performed at the Comédie-Française. Its looks at the daily income, audiences and the type of spectators who attended the premières. It reveals the day-to-day running of the playhouse.

Dans la comédie de la fin du XVIIe siècle certains personnages comme les chevaliers d’industrie p... more Dans la comédie de la fin du XVIIe siècle certains personnages comme les chevaliers d’industrie par exemple sont en quête de respectabilité et cherchent à s’enrichir par tous les moyens : on les voit errer de brelans en brelans avec leurs dés pipés, être à l’affût d’une bonne affaire et multiplier les conquêtes, courtisant de riches veuves pour se faire entretenir. Le théâtre regorge de cette étrange faune composée d’escrocs, de fabulateurs et de hâbleurs, dont la qualité principale est de savoir jouer la comédie à leurs interlocuteurs, de flatter leur crédulité pour arriver à leurs fins. Que l’on exagère son mérite ou rang social, que l’on se livre à une fantaisie verbale débridée afin de plaire à quelque vieille coquette, ou que l’on manigance quelque intrigue, ce type de personnage devient, au théâtre, emblématique du discours séducteur, c’est-à-dire de l’art du charlatan.
La mise en scène de tels personnages se distinguant par une rhétorique captieuse invite à s’interroger sur l’émergence d’un nouveau type de comédie au tournant du siècle centrée sur l’idée de civilité intéressée en société, sur le fonctionnement de groupes sociaux où se rencontrent et se mêlent différentes classes de personnes, et enfin sur l’exercice du pouvoir dans ces sphères particulières que sont les lieux de débauche. Le motif de l’argent et de la cupidité, essentiel à l’époque comme l’a récemment montré Martial Poirson , innerve la dramaturgie et participe selon nous de la création d’une nouvelle forme de comédie, celle du politique, où le mensonge et l’illusion sont centraux, reflétant une logique du marchandage. Quels sont ainsi les enjeux liés au « charlatan de salon » et en quoi la figure de ce dernier apparait-elle majeure chez un auteur comme Jean-François Regnard ?
On peut appréhender la mise en scène du charlatan de salon (voire de la charlatanerie au théâtre et notamment à la Comédie-Française qui a vu la représentation de nombreuses pièces nouvelles dans les années 1690) à partir des critères suivants : son objectif et son efficacité dans le cadre du dialogue entre personnages mais aussi auprès du public, sa forme à la fois verbale et visuelle, enfin les enseignements se cachant derrière cette mise en scène, le genre comique étant à même d’avoir une portée morale. On s’interrogera dans le présent article sur l’action dramatique et la manière dont elle est soutenue par la verve et les bigarrures verbales de maîtres hâbleurs et cyniques, meneurs de jeu, emblématiques de l’art du comédien ; sur les différents types de « charlatans » représentés par l’auteur et la manière dont ils intriguent ou négocient avec autrui ; enfin sur le message sociologique voire philosophique délivré par les comédies françaises de Regnard, notamment la dénonciation de la marchandisation des relations et des biens.

This article examines how Donat's notes on the eloquence of the body reflect a form of embryonic ... more This article examines how Donat's notes on the eloquence of the body reflect a form of embryonic conception of staging. 'Scholia', because they fall both within the field of rhetoric and the actor's acting, raise the question of the nature and function of the information given by the grammarian. Are they simple comments, or on the contrary, stage directions? What are therefore their links with the rules of 'actio' established by Quintilian and should we consider that Donat carefully applies these principles or on the contrary that he gives his own interpretation of the comedies of Terence, based on ancient or contemporary testimonies relating to the theatre in Rome? The critical reading of the plays makes it possible to clarify the content of the text while linking it to its comic staging. While the comments show the omnipresence of rhetorical principles to guide the actor, through the explanations given on the 'actio', whether or not it is considered defective in public speaking, they also reveal that the author goes beyond the text, by proposing his own conception of staging, which goes hand in hand with what could be described as the actor's realistic performance.

Cet article examine en quoi les notes sur l’éloquence du corps témoignent, chez Donat, d’une forme de conception embryonnaire de mise en scène. Les scholies, parce qu’elles relèvent à la fois du champ de la rhétorique et du jeu de l’acteur, posent la question de la nature et de la fonction des informations données par le grammairien. S’agit-il de simples commentaires, ou au contraire, d’indications scéniques, et donc de sortes de didascalies établies à partir du texte ? Quels sont dès lors leurs liens avec les règles de l’actio établies par Quintilien et doit-on considérer que Donat applique à la lettre ces principes ou au contraire qu’il donne sa propre interprétation des comédies de Térence, prenant appui sur des témoignages anciens ou contemporains relatifs au théâtre à Rome ? La lecture critique des pièces permet d’expliciter le contenu du texte tout en le liant à sa mise en scène comique. Si les commentaires montrent l’omniprésence de principes rhétoriques destinés à guider l’acteur, à travers les explications données sur l’actio, qu’elle soit considérée comme défectueuse ou non dans l’art oratoire, ils révèlent également que l’auteur va au-delà du texte, en proposant sa propre conception de la scène, laquelle va de pair avec ce que l’on pourrait qualifier de jeu réaliste de l’acteur.

Études sur le XVIIIe siècle, 2017

This article studies the notion of "sentimentaire" criticism in prince Charles Joseph de Ligne's ... more This article studies the notion of "sentimentaire" criticism in prince Charles Joseph de Ligne's writings on theatrical practice, successively reflecting his approach to criticism, his critical work, and finally the overcoming of this criticism through the formulation of a resolutely modern aesthetic and philosophy of the stage.

Cet article se propose d’étudier la notion de critique « sentimentaire » dans les écrits sur la pratique théâtrale du prince Charles Joseph de Ligne, en rendant compte successivement de son approche de la critique, de son travail critique, et enfin du dépassement de cette critique à travers la formulation d’une esthétique et d’une philosophie de la scène résolument modernes.

Nous considérerons ici l’acteur de mauvais goût c’est-à-dire celui qui se distingue par une incap... more Nous considérerons ici l’acteur de mauvais goût c’est-à-dire celui qui se distingue par une incapacité, semble-t-il, de savoir jouer ou se comporter de façon « sensible », c’est-à-dire raisonnée si l’on considère que le « mauvais goût » est tout d’abord l’absence de jugement, l’incapacité à discerner le beau du laid (dans un contexte esthétique prônant l’imitation et l’embellissement du texte et de la scène). L’acteur de mauvais goût l’est-il à cause d’un manque de discernement ou d’un « manque d’éducation » (ce qui pose alors le problème de la formation de l’acteur) ? Peut-on affirmer que les défauts de l’acteur sont tous de mauvais goût, c’est-à-dire « vicieux » et en ce sens improductifs, le jeu ne pouvant atteindre un degré minimum de perfection et donc de beauté ? Ces défauts caractérisent-ils d’ailleurs ce qu’est le mauvais goût de l’acteur ou l’interprétation qu’en fait le public ou bien les penseurs de l’art théâtral puisque ce sont eux qui, majoritairement, témoignent de ce dernier ? Par ailleurs, peut-on dire qu’il n’existe qu’un mauvais goût ou plutôt « des » mauvais goûts avec chacun leur spécificité (défaut de style, mauvaise grâce, défaut de conduite sur scène, inhabileté à répondre aux attentes du public, à s’adapter à la mode ambiante etc.) ? Faut-il ou non considérer le jeu de l’acteur indépendamment du jugement du public et de sa perception. Paradoxalement, ce dernier peut-il prendre goût au mauvais goût de l’acteur (c’est-à-dire à ce qui est censé avoir l’effet d’un repoussoir et causer du déplaisir – effet inverse du bon goût selon Montesquieu ). Ainsi nous aimerions examiner si l’acteur de mauvais goût a ou non une quelconque fonction positive au théâtre et si le fait de s’enthousiasmer pour un acteur « hors norme » signifie que des critères n’appartenant ni à la catégorie du beau, ni du laid transcendent la notion de « mauvais goût » ou même les normes sociales (bienséances et convenances). Pour répondre à ces interrogations et identifier en quoi et pourquoi l’acteur de mauvais goût put être porteur de modernité, il est essentiel de prendre en compte différentes notions comme celles de temporalité (ce qui devient faux et anachronique), de défectuosité (un style bigarré voire bizarre), et finalement de sublimité (l’esthétique nouvelle marquant le XVIIIe siècle).

"This article examines the way in which the Actress became an allegory of lust in C17 and C18 Fre... more "This article examines the way in which the Actress became an allegory of lust in C17 and C18 French Literature and society. It shows how authors developed a particular sense of humour which was directly linked to and inspired by a traditional form of comic, the gauloiseries and which turned theatrical figures into a pornographic myth.

Cet article examine la manière dont l’actrice est devenue une allégorie de la concupiscence dans la société et les Belles-lettres au XVIIe et au XVIIIe siècle. Il montre comment s’affirme, voire réapparaît, une forme de gauloiserie typiquement française à travers la transformation d’un motif théâtral en un mythe pornographique."

La Poétique d’Aristote sous-tend à l’âge classique la relation entre philosophie et littérature. ... more La Poétique d’Aristote sous-tend à l’âge classique la relation entre philosophie et littérature. Selon les doctes, le théâtre doit avoir un but moral (docere) et se veut édifiant (une leçon qui devienne exemplum) – d’où la devise latine adoptée par la Comédie classique : Castigat ridendo mores. Du Joueur (1696) au Légataire Universel (1708), les grandes comédies de Jean-François Regnard dépeignent les moeurs d’une société avide de plaisirs. Principes moraux et styles de vie se croisent, voire s’opposent à travers différentes philosophies convoquées pour l’occasion, que cela soit par des références directes (ainsi de Sénèque ou de Caton) ou indirectes (Épicure), voire sous les traits d’un personnage emblématique (Démocrite par exemple). Nombreux sont les personnages à vanter les mérites d’une société fondée sur l’enivrement des sens et de l’esprit, que cela soit par le vin ou les femmes – voire par le bais de lectures philosophiques. Incarneraient-ils dès lors le philosophe libertin à la fois sceptique et athée comme l’a suggéré Antony Mckenna 2 dans son essai sur Molière ? Avec les comédies de Regnard se pose le problème suivant : les références philosophiques se veulent-elles au service de la comédie (de la dramaturgie et de ses finalités) ou défendent-elles au contraire de manière subreptice les vues mêmes de l’auteur, bon vivant et « sceptique épicurien » ? Quelle est ainsi la relation instituée par Jean-François Regnard entre critique morale et philosophie de la vie ? Quel sens philosophique donne-t-il au rire dans ses oeuvres ? Articulant d’une manière originale philosophie et théâtre, hédonisme et morale dans ses comédies, l’auteur présente de nouveaux personnages au spectateur, tous en quête du bonheur, qui ont une relation au monde particulière, qu’elle soit amorale, immorale voire a-normale. S’opposent ainsi, au fil des dialogues, différentes conceptions de l’existence qui laissent entrevoir plusieurs catégories de philosoph(i)es qui traduisent elles-mêmes le regain d’intérêt, au XVIIe siècle, pour la philosophie antique. À la manière de Socrate qui, chez Platon, privilégie la dispute et donne la parole à l’autre, le genre théâtral, fondé sur le dialogue, permet à J.-F. Regnard de mettre habilement en scène divers points de vue. Cependant, tout comme La Mothe Le Vayer, celui-ci utilise la technique du camouflage − telle que la définit Jean-Michel Gros dans son récent ouvrage Les Dissidences de la
philosophie à l’âge classique −, laissant ainsi au spectateur la liberté de choisir la voie qui pourra le conduire au bonheur et l’opportunité de devenir, par la même occasion,
l’artisan de sa propre philosophie de la comédie humaine.

This call for papers invites submissions that explore the staging of singers’/musicians’ bodies i... more This call for papers invites submissions that explore the staging of singers’/musicians’ bodies in musical performances, especially from the 1960s to the present day. We seek to investigate how these performances have defied conservative values and norms to become iconic (Regev, 1994). We are particularly interested in articles that provide novel insights into the historical contexts of past performances by lead singers or bands. We welcome interdisciplinary and cross-disciplinary approaches that delve into the interplay between musical performance, physicality, theatricality, and the presentation of the performer. This includes, but is not limited to, analyses within rock, metal, punk, rap, and K-Pop genres (Railton & Watson, 2011). Potential areas of exploration—not limited to Europe or the US—include:
• Decency and Decorum: Investigations into how singers have historically challenged notions of decency and decorum through their on-stage presentations, including clothing, hairstyles, makeup, tattoos, and nudity. This also involves examining the cultural and historical contexts that influenced these presentations (Hebdige, 1979; Reynolds & Press, 1995; Oh & Park, 2020).
• Performance Styles of Rap, Rock or K-Pop Singers etc.: Detailed examinations of the performance styles of iconic figures like Jim Morrison, Iggy Pop, Led Zeppelin, Jimmy Hendrix, Red Hot Chili Peppers, David Bowie, Freddie Mercury, Téléphone, Shaka Ponk, Biffy Clyro, Kendrick Lamar among others. This may include analyses of how these artists have aged and continued to perform, as well as the staging of their performances involving movements, trance, and dance (Clarke, 1982; Fast, 2001; Lee, 2019).
• The Theatricalization of Musical Performances: Exploration of the use of technology and special effects in performances, set design, and the overall theatrical experience to convey specific messages. This includes the impact of such elements on the audience’s experience and the performers’ stage personas (Auslander, 1999; Beebe & Fulbrook, 2010; Jung, 2015).
• The Reception of the Performances: Studies on audience reactions to iconic shows, including phenomena such as hysteria, collective hallucination, and physical altercations. This section also invites research on media coverage of these unparalleled performances and their impact on contemporary popular culture and the formation of countercultures (Thornton, 1996; Frith, 1981; Kim, 2020).
• Vocalising Hegemonies: Critical analyses of the normative stereotypes within the music industry, particularly concerning intersectional issues of gender, race, and sexuality in musical live performances. This includes examining how performers navigate and challenge these hegemonies through their stagecraft (Hooks, 1994; McRobbie, 1991; Choi & Maliangkay, 2014).

Cet article examine un aspect peu étudié de l’histoire du théâtre : les politiques de programmati... more Cet article examine un aspect peu étudié de l’histoire du théâtre : les politiques de programmation de la Comédie-Française au XVIIIe siècle, notamment l’articulation entre la gestion du répertoire et les politiques économiques visant à augmenter les recettes du théâtre. Il montre que les acteurs tentèrent de concilier deux politiques différentes, l’une fondée sur une offre la plus large possible, et l’autre sur la relance des recettes par la représentation de nouveautés qui n’eurent cependant pas le succès espéré. Les pièces dites « usées » furent ainsi la source principale de revenus de la troupe. Elles furent en effet capitales pour le bon fonctionnement du théâtre, permettant une stabilité financière. Fondé sur l’analyse d’archives et de statistiques, l’article définit ce que l’on entend par répertoire économique, établit la manière dont il se constitua et fut géré par les Premiers Gentilshommes de la Chambre et la troupe, en particulier les stratégies visant à enrayer le phénomène de la commercialisation des spectacles parisiens par les « Théâtres de Boulevard ».

This article explores an overlooked topic in the history of theatre: the way in which seasonal programmes were dealt with by the Comédie-Française in the eighteenth century, in particular the correlation between the management of the repertoire and economic policies aiming to increase the playhouse’s income. It shows that actors developed two different policies: on the one hand, they tried to diversify supply and on the other hand, they increased the number of new plays – which however were not successful. “Old” plays proved therefore to be the company’s main source of income. They were indeed pivotal to the smooth day-to-day running of the playhouse, keeping it afloat. Based on archival material and statistics analysis, this articles defines how the ‘economic repertoire’ was understood during the period, the way in which it developed and was managed by the Premiers Gentilshommes de la Chambre and the company, especially the strategies developed to break down the commercialization of Parisian performances by the ‘Théâtres de boulevard’.

Le présent article analyse l’émergence d’une théorie consacrée à la fabrique de l’humain dans la ... more Le présent article analyse l’émergence d’une théorie consacrée à la fabrique de l’humain dans la représentation théâtrale, mettant en lumière la relation entre la philosophie de l’esprit et la philosophie de l’art dramatique au siècle des Lumières.

This article examines the development of dance costumes at the Comédie-Française. Based on primar... more This article examines the development of dance costumes at the Comédie-Française. Based on primary sources such as bills and inventories, it scrutinizes the use of fabrics and colours, and gived a general overview of the different props and set designs relating to choreographies.

Le phénomène théâtral doit être considéré dans son ensemble comme un texte et une création collec... more Le phénomène théâtral doit être considéré dans son ensemble comme un texte et une création collectifs au XVIIIe siècle. Malgré le caractère éphémère, contingent et empirique de la représentation, le fait théâtral peut néanmoins être saisi dans son intégralité par le biais du texte qui demeure l’élément central de cette chaîne allant de l’auteur à la scène puis de la scène à l’imprimé, subsistant à quelque niveau que ce soit (page, plateau, édition). L’étude de ce ‘dire’ théâtral qui est en quelque sorte en transformation et en transmigration constante parce qu’il est soumis à différentes tensions (acteurs, public, éditeur, codes dramatiques, sociologiques etc.) apparaît donc capitale si l’on veut comprendre la « gestation » de la production théâtrale et la manière dont une œuvre à la fois morcelée et en mouvance trouve son unité (quand bien même cette unité ne s’effectue que bien longtemps après la première). Les épreuves auxquelles fait face le texte de théâtre permettent ainsi de mettre en lumière la génétique de la mise en scène.

2013. Oxford Revisited

Correspondences and diaries offer a unique insight into students’ lives. Although any corresponde... more Correspondences and diaries offer a unique insight into students’ lives. Although any correspondence reflects a particular point of view through individual tastes or personalities, familial and social backgrounds which impact on students’ vision and way of dealing with life, they are fascinating because they are written from day to day and thus give experiences of Oxford not yet altered by the recollections of old memories or distorted through the writing of an imaginary narrative. Was Oxford regarded by new students as a vibrant and iconic city before its reforms in the 1860s and 1870s? How can correspondences shed a new light not only onto the “home of higher truths” but also onto the real Oxford?

Nous nous interrogeons sur le jeu en tant que spectacle vivant, dont l’évolution dépend des rappo... more Nous nous interrogeons sur le jeu en tant que spectacle vivant, dont l’évolution dépend des rapports entre spectateurs et acteurs. Nous nous intéressons plus particulièrement aux liens entre spectateurs et tragédiens au XVIIIe siècle : comment le public perçoit-il le tragédien et son jeu sur la scène du Théâtre Français ? Comment le tragédien s’y prend-il pour emporter les suffrages de la multitude, des connaisseurs ? Enfin, parce que le jeu du comédien devient un véritable objet « théorique » soumis aux points de vue de spectateurs et d’acteurs au siècle des Lumières, nous examinons comment on pense et on écrit les mutations du jeu dans les traités sur l’art théâtral à cette époque.

"Extraits : - "Chasing Sheep", BO Meurtre dans un jardin anglais - Sacha Guitry, Molière, ext... more "Extraits :
- "Chasing Sheep", BO Meurtre dans un jardin anglais
- Sacha Guitry, Molière, extrait des 100 Merveilles
- Molière de Ariane Mnouchkine, 1978
- Les adieux de Bérénice, Racine avec Maria Casarès
- L'esquive de Abdellatif Kechiche, 2004
- Beaumarchais l'insolent d'Edouard Molinaro, 1995 avec Fabrice Luchini (Beaumarchais) et Jean Yann (le juge)
- Maria Callas, Air de Constance, "L'enlèvement au sérail", Mozart
- Jean-Baptiste Lully, Ballet des arts ouverture
- Chanson Plus Bifluorée, "Les forçats du gosier"

Lectures :
- Louis Ladvocat, Lettres sur l'opéra (1694-1695), cité par Sabine Chaouche dans L'art du comédien, Honoré Champion, 2001, p.124
- Hippolyte-Jules Pilet de La Mesnardière, La poétique (1639), cité par Sabine Chaouche dans L'Art du comédien, Honoré Champion, 2001, p.139-140

Lecture des textes : Anne Brissier
Réalisation : Mydia Portis-Gérin
Invité(s) :
Sabine Chaouche, spécialiste de la vie théâtrale sous l’Ancien Régime (17ème et 18ème siècles)"

What was it like to be an Oxford student in the nineteenth century and how did students spend the... more What was it like to be an Oxford student in the nineteenth century and how did students spend their time and money, and where?

In 1877, Oscar Wilde, then student at Magdalen College, was twice summoned by the University of Oxford proctors to appear before the Chancellor's Court concerning a £30 debt. Fashionable goods such as a felt hat, a superior suit, silk scarves had been ordered from Joseph Muir, tailor and shoe maker, 34 High Street, and items such as a gold collar stud and a sword and belt from George Ormond, jeweller, 118 St Aldates. Offences by students have yet to be studied though they tell of individual lives through lifestyles, standards of living and tastes. They reflect the history of a city and more generally, the commercialization of society in C19.

This innovative and interdisciplinary project examines the daily life of Oxford students in the C19 through various documents such as correspondences reflecting a personal experience for instance (George Chinnery's letters, The Willmore diary). It focuses more particularly on the students' purchases from 1870 to 1914 (Chancellor's Court). The objective is to give an insight into a specific cultural and male phenomenon: the culture and cult of appearance and to assess whether a student city such as Oxford was or not a specific model in terms of national consumption and trade, behaviour and leisure activities during the period.

It is meant to be an all-inclusive website. It has four main facilities: a magazine about French ... more It is meant to be an all-inclusive website. It has four main facilities: a magazine about French cultural and academic life, interviews of people from different professional backgrounds, a journal and a virtual library.

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The journal publishes articles relating to any period through special issues (two issues per year... more The journal publishes articles relating to any period through special issues (two issues per year); (printed publication only by the Editions Classiques Garnier)

Articles which emphasize historical, cultural, practical, or literary aspects or which feature interdisciplinary or comparative subjects are particularly welcome. The journal encourages articles focusing on primary sources or barely known documents, as well as those that apply theoretical and critical approaches. Articles can be submitted either in French or English.

Molière’s The Doctor in Spite of Himself is a three-act comic masterpiece influenced by farce and... more Molière’s The Doctor in Spite of Himself is a three-act comic masterpiece influenced by farce and inspired by a fabliau from the Middle Ages. It was first performed in 1666 at the Palais-Royal in Paris and had a huge success but it is very rarely performed in England. As a parody of the medical profession, it provides a timeless depiction of quack doctors and their trusting patients and leads to laughs and self-reflection. Our aim is to create a powerful and enjoyable performance which makes the most of Molière's text.

Junctures: The Journal of Thematic Dialogue

Student Consumer Culture in Nineteenth-Century Oxford, 2020

Contributeurs : Helene Bilis, Stephen Bold, Frederic Calas, Alison Calhoun, Sabine Chaouche, Juli... more Contributeurs : Helene Bilis, Stephen Bold, Frederic Calas, Alison Calhoun, Sabine Chaouche, Juliette Cherbuliez, Gilles Declercq, Sylvaine Guyot, John D. Lyons, Guillaume Peureux, Lorraine Piroux, Stella Spriet, Jennifer Tamas et Masano Yamashita

Student Consumer Culture in Nineteenth-Century Oxford, 2020

Métamorphoses du frontispice théâtral en Europe Rééditer les chefs-d'oeuvre au XVIII siècle Type ... more Métamorphoses du frontispice théâtral en Europe Rééditer les chefs-d'oeuvre au XVIII siècle Type de publication: Article de collectif Collectif: Le Discours du livre. Mise en scène du texte et fabrique de l'oeuvre sous l'Ancien Régime Auteur: Chaouche (Sabine)

L'art de l'acteur est généralement considéré aux XVIIe et XVIIIe siècles comme un art de ... more L'art de l'acteur est généralement considéré aux XVIIe et XVIIIe siècles comme un art de goût (bel usage sur la scène, éducation de l'acteur, voire conformité à la mode). Que faut-il entendre par mauvais goût en matière d'art dramatique ? Cet article montre, en se fondant sur l'analyse de différentes notions comme celles de temporalité, de défectuosité et de sublimité, que l'acteur de mauvais goût est le plus souvent porteur de modernité au XVIIIe siècle.

The Stage and its Creative Processes, volume 1 Type de publication: Revue Directrice d'ouvrage: C... more The Stage and its Creative Processes, volume 1 Type de publication: Revue Directrice d'ouvrage: Chaouche (Sabine) Résumé: European Drama and Performance Studies est une revue consacrée à l'histoire des arts du spectacle. Les numéros thématiques sont publiés en français et/ou en anglais.

Masculinité et théâtre Type de publication: Revue Directrice d'ouvrage: Chaouche (Sabine) Résumé:... more Masculinité et théâtre Type de publication: Revue Directrice d'ouvrage: Chaouche (Sabine) Résumé: European Drama and Performance Studies est une revue consacrée à l'histoire des arts du spectacle. Les numéros thématiques sont publiés en français et/ou en anglais.

Consuming Female Performers (1850s-1950s) Type de publication : Revue Directrices d'ouvrage : Cha... more Consuming Female Performers (1850s-1950s) Type de publication : Revue Directrices d'ouvrage : Chaouche (Sabine), Sadoun-Édouard (Clara) Résumé : European Drama and Performance Studies est une revue consacrée à l'histoire des arts du spectacle. Les numéros thématiques sont publiés en français et/ou en anglais. Nombre de pages : 383

Studi Francesi, 2010

La diction du tragédien ridicule sous l' Ancien Régime L'un des «procédés» comiques récurrents da... more La diction du tragédien ridicule sous l' Ancien Régime L'un des «procédés» comiques récurrents dans les pièces des forains et plus tard, de l'Opéra-Comique, est la parodie de la déclamation tragique. Une image s'est peu à peu figée dans le théâtre du X V I I I e siècle, à la fois intense et ambiguë: intense parce qu'elle dénonçait avec une certaine violence, les défauts des tragédiens de la Comédie-Française en les transformant en de simples bouffons (les tragédiens étaient ainsi rabaissés et devenaient semblables à ceux qu'ils honnissaient le plus: les histrions du Pont-Neuf ou les «bateleurs» des troupes de la foire ou de province 1); ambiguë en ce qu'elle était le produit de l'imagination, et de différents auteurs, et des acteurs interprétant la caricature. Quel sens donner dès lors à la parodie de la diction tragique et à la caricature du tragédien? Peut-on dire qu'elles reflètent, de manière relativement fidèle, les pratiques du temps, et qu'elles seraient ainsi moins déformations comiques que «portraits ressemblants»? Comment comprendre la persistance d'un «anti-modèle» tragique, de la critique d'une diction «non naturelle» depuis L'Impromptu de Versailles de Molière? Les critiques adressées aux tragédiens n'ont été jusqu'ici réellement confrontées aux théories sur l'art de l'acteur, ni même confrontées au contexte historique. Ainsi par exemple on ne peut nier que l'article de Nathalie Rizzoni, Du «je» au jeu de l'acteur au X V I I I e siècle ou l'art du comédien par lui-même 2 est extrêmement riche en références. Il éclaire de manière précise les pièces où apparaissent les caricatures. Mais les travers des tragédiens ne sont absolument pas mis en perspective avec l'évolution du jeu de l'acteur, ni des théories, ni même avec les realia scenica. L'article se contente d'être descriptif, s'attachant essentiellement à renforcer les «topoï» sur le tragédien, sans discuter de la véracité ou de la vraisemblance, ou non, des portraits créés par les forains. Certes, cette démarche a certaines vertus: celle de réhabiliter le théâtre de la foire, d'en montrer toute la singularité et la richesse; celle de rendre aux acteurs le statut de professionnels des arts du spectacle. Loin de vouloir dénier ces aspects du théâtre de la foire et de ses acteurs, nous désirons, ici, nuancer cette vision trop tranchée, et interroger aux mieux les textes afin d'explorer de nouvelles pistes de lectures 3. (1) S'il nous est resté l'image du pauvre hère des troupes de campagne à travers le roman comique de Scarron, d'autres portraits des troupes de campagne nous sont parvenus à travers les Mémoires de Jean Monnet, en particulier. (2) «L'Annuaire théâtral», 42, 2007, pp. 91-105. (3) Des travaux importants sur la foire ont été menés ces dernières années. Barry Russell et David Trott furent parmi les premiers à s'être intéressés à ce type de théâtre. Des études capitales ont été publiées ces dernières années comme par exemple:

Littératures classiques, 2001

Chaouche Sabine. Alcionée : une tragédie du pathétique tendre ?. In: Littératures classiques, n°4... more Chaouche Sabine. Alcionée : une tragédie du pathétique tendre ?. In: Littératures classiques, n°42, printemps 2001. Pierre Du Ryer, dramaturge et traducteur. pp. 221-244

Papers on French Seventeenth Century Literature, 2005

The Journal of the History of Childhood and Youth, 2021

The use of general descriptive names, registered names, trademarks, service marks, etc. in this p... more The use of general descriptive names, registered names, trademarks, service marks, etc. in this publication does not imply, even in the absence of a specific statement, that such names are exempt from the relevant protective laws and regulations and therefore free for general use.

Cécile Berger, 2018

Le double visage d’un charlatan des princes et prince des charlatans: Tristano Martinelli dans ‘L... more Le double visage d’un charlatan des princes et prince des charlatans: Tristano Martinelli dans ‘Lo Schiavetto’ de 1620 (G.B. Andreini) in Théâtre et charlatans dans l’Europe moderne, sous la dir. de Beya Dhraïef, Éric Négrel, Jennifer Ruimi, Presses de la Sorbonne Nouvelle, 2018, p. 75-83. ***ABSTRACT*** À travers le personnage de Nottola (Lo schiavetto de 1620 ) et par conséquent par le point de vue de Giovan Battista Andreini se construit cette esquisse de portrait de Tristano Martinelli entre 1618 et 1621, à la lumière tant des correspondances des comédiens que du texte de la pièce. Tristano Martinelli, qui fut le créateur d’Arlequin, serait tout à la fois prince des charlatans et charlatan du prince, comme le prouve le contexte historico-théâtral et surtout son rôle entre la cour de Mantoue, la cour de France (Louis XIII) et les comédiens.
Extrait de l'article en PDF : p.81-83. ***À PROPOS DU VOLUME*** "Théâtre et charlatans dans l’Europe moderne": « Tout le monde est charlatan. Les écoles, les académies, les compagnies les plus graves ressemblent à l’apothicaire Arnoud ». Lorsque Voltaire écrit ces lignes en 1768, cela fait un siècle que le mot charlatan possède le sens figuré de « trompeur, manipulateur », tout en conservant son sens initial qui renvoie à une pratique non académique de la médecine. Qu’il soit faux médecin ou imposteur quelconque, le charlatan a partie liée avec la mise en scène de soi et l’usage d’une parole artificieuse. L’arracheur de dents ou le vendeur de drogues s’entourent de farceurs et de musiciens: l’empirisme médical est un spectacle. La charlatanerie métaphorique rencontre aussi le jeu et le dédoublement de l’être: faux savant ou faux dévot, faux prophète ou faux héros, les mystificateurs en tous genres sont des comédiens. Réunissant des contributions pluridisciplinaires, ce volume entend cerner la réalité ambivalente du charlatan, les conditions d’exercice de ce métier en marge des institutions, les rapports étroits qu’il noue entre médecine empirique et théâtralité, la manière, enfin, dont la notion mouvante qu’il recouvre innerve les arts et nourrit la littérature de l’Europe moderne. Pages : 386 pages. Date de parution : 2018

European Drama and Performance Studies

We welcome comprehensive studies encompassing historical, literary, and sociological perspectives... more We welcome comprehensive studies encompassing historical, literary, and sociological perspectives, as well as case studies that unveil new insights and viewpoints on:

1. Consumables as key elements of the plot; characters obsessed with food and/or drinks; or drunk on stage; culinary experts such as cooks and roasters; hungry characters;
2. The reference to food and drinks in dialogues such as expressions in relation to food, metaphors; chansons à boire including food and drinks etc.;
3. Stage effects and staging with consumable elements (real or made of papier mâché); the use of food as props; the staging of banquets, feasts, suppers; acting drunkenness;
4. Eating on stage: meals and conversations around the table; the limits of propriety; the different rules or etiquettes related to hospitality and the art of entertaining guests; the art of dining across the centuries or in different countries;
5. Eating in the theatre: cabaret practices, eating during the play, audience etiquette, the interval rituals; catering expenses; food and drinks in the auditorium and consumption in the theatre during intermissions or when the play is performed;
6. The suppliers, the geography of cafés, restaurants, rotisseries, delicatessen, and caterers around the theatres, supplying the troupes and serving the spectators;
7. Food and theatre practice: the actor’s meal and diet; the dinner ritual; the actors’ food preferences; dishes named after actors, etc.; the actors’ relationship with consumable items; the impact of their diet on their bodies, for instance, actors gaining weight or looking too frail;
8. Eating the theatre: appetite for drama and compulsive consumption, bulimic audiences; theory and metaphor of appetite and hunger (for instance the hunger of the artist).

Submission Guidelines:
• Abstracts should be approximately 250-300 words in length and should be accompanied by a brief biographical note of 50 words.
• Please submit your abstracts to Sabine Chaouche (sabinec@sunway.edu.my) and Clara Edouard (clara.edouard@zuyd.nl) no later than 10 July 2023.
• Notification of acceptance will be sent by 20 July 2023.
• The deadline for the submission of 6,000 to 8,000-word articles is 30 November 2023.

We invite contributions on the staging, performance and theorization of emotionally intense scene... more We invite contributions on the staging, performance and theorization of emotionally intense scenes during that period; on horrific scenes and how they became an inspiration for the horror movie; and on the process whereby some actors came to embody emotionalism as an acting style. We welcome papers that explore not only the taste for the morbid, burlesque and grotesque and their compelling blend, but also the crossing of boundaries—between states of consciousness, onstage and offstage, fantasy and reality etc. Border-crossing was a widespread transgressive phenomenon at the turn of the century, as epitomised by Sarah Bernhardt and her exploitation of the trope of the New Woman.

The themes are as follows:

- transgressive acting and celebrity personae and iconic actors; the New Woman in fin-de-siècle Paris;

- the performance and embodiment of death or deadly situations;

- onstage and offstage states of consciousness;

- acting and emerging scientific discoveries in relation to psychology and neurosciences; theoretical discourses on the mind and inner emotions;

- bloody, frightening, or morbid stage-effects;

- the role of imagination and fantasies in shaping emotions onstage and in the auditorium; the reception of emotionally intense or horrific acting and scenes

Please send your abstract (200-250 words) and a short bio-bibliography (a few lines) to Carole Bourne-Taylor (carole.bourne-taylor@bnc.ox.ac.uk) and Sabine Chaouche (sabinec@sunway.edu.my) by 30th January 2020.

Ce volume aura une double approche : il s’agira d’évaluer à la fois le macro-environnement ― c’es... more Ce volume aura une double approche : il s’agira d’évaluer à la fois le macro-environnement ― c’est-à-dire le contexte social, politique, culturel et économique lié à la vie quotidienne des théâtres, ― et le micro-environnement des théâtres, c’est-à-dire leur activité économique particulière et leur organisation pratique (journées typiques, personnel et direction, coûts de fonctionnement, artisans travaillant pour les théâtres).

Nous invitons les historiens du théâtre, de la vie économique et sociale, de la culture matérielle, de la consommation, de l’histoire de Paris, Versailles ou Fontainebleau à se pencher sur les thèmes suivants :

- Le cadre de vie : la vie quotidienne dans les quartiers ou les rues environnant le théâtre (ou les villes accueillant les spectacles de cour) et les locaux, l’emplacement du théâtre ; le logement des acteurs.
- Le fonctionnement d’un théâtre ou d’une troupe : sa composition, son organisation quotidienne et l’évolution de son administration ; les horaires, les tâches à accomplir ; les comités.
- Les opérations financières.
- L’intérieur du théâtre (maintenance, réparation, design) et les services ou commodités destinés à la clientèle.
- La logistique, y compris les voyages, les modes de transport, les entrepôts, le matériel utilisé, etc.
- Les affiches et les campagnes publicitaires ; les stratégies et innovations pour attirer les spectateurs.
- Le commerce : les fournisseurs majeurs ou mineurs, les biens et services fournis (pour la scène mais aussi tout ce qui a trait à l’extérieur de la scène et au fonctionnement quotidien du théâtre) ; les magasins près des théâtres ou les espaces de divertissement ; les relations entre les théâtres et les marchands.
- Les produits dérivés et les marchandises vendues dans les théâtres.
- Les réseaux d’employés et de familles ; les spectateurs ayant des relations étroites avec les troupes.
- Le niveau de vie et de consommation des acteurs ou des employés ; leurs biens immobiliers ou patrimoine ; leurs passe-temps.

Veuillez envoyer votre proposition en français ou en anglais (250 à 300 mots) accompagnée d’une courte biobibliographie (1 page maximum) avant le 30 janvier 2020 à la fois à Sabine Chaouche (sabinec@sunway.edu.my) et à Jan Clarke (jan.clarke@durham.ac.uk).
La notification d’acceptation des propositions sera envoyée d’ici la fin du mois de février 2020.
La longueur des articles attendus (en français ou en anglais) est de 6 500 à 8 500 mots, y compris les notes de bas de page. Nous n’acceptons que les articles inédits.

In recent years, historians have moved away from the Marxist or capitalist approach, to refocus o... more In recent years, historians have moved away from the Marxist or capitalist approach, to refocus on the cultural relationship between beings and things, and to rethink the various contexts other than purely economic ones, in which objects are signifiers (Thing theory). As Bill Brown puts it, objects enable historians to “make contact with the “real” […] in accounts of everyday life and material habitus”. Moreover, according to David Kingery, objects reflect “truest representations” of values and meanings in societies. It seems important, therefore, to put “things” back into context — especially in their own life cycle in order to find the habits which they were associated with in the past — and to decipher the authentic cultural signs and symbols that have been forgotten or kept alive. The study by Craig Clunas "Superfluous Things: Material Culture and Social Status in Early Modern China", symbolizes the effort to reconsider objects within their original context and the social and cultural messages they convey. In recent years Anne Gerritsen and Dorothy Ko have also considerably renewed the approach to Asian material culture, especially the social life of objects. The conference explores objects as forms of cultural heritage, paying attention to their use and importance, as well as to the different values and emotions that have been attached to them through the ages.

Things constitute a memory of identities through which mentalités can be assessed as they are reflected in the “subject-object relation”. Indeed, according to Brown, they are more than objects as they “exceed their mere materialisation” and have a presence. Things have a cultural layer; more exactly they are “culturalised, humanised, and can therefore be anthropomorphised”, even “personified and made into narrative characters”. As such, they may be seen as processes of enculturation: Humans interact with them (or choose not), and integrate them in their social existence, often as markers of status and class. Things also reveal personal taste and material desires.

People can share things, pass them onto younger generations. They can project feelings on things and can be filled with sensations by these ones. They can sell those which no longer ‘talk’ to them, even destroy them or throw them away. Inanimate things are catalysts of life and pollinate lives. Thus, how did things in Asia and Southeast Asia affect daily lives and what were the relationships of their owners with specific goods, tools, or products? How was material culture perceived in the past in the East, and how in the present day, “vintage” objects survive in a globalized world that emphasizes consumerism?

This conference aims to provide a better understanding of past and present societies through objects that are no longer used or whose "life" is endangered by new modern lifestyles. We also aim to reconstruct the vision and perception of time through the use of objects, that is: routines; the idea of rapid or progressive obsolescence; phenomena such as "ageing" or travelling things; the different life cycles from the making to the "death" of objects (manufacturing, use/reuse, meaning in society, destruction etc.); the crystallisation and therefore immortalisation of some objects in the memory of some individuals through emotions and feelings.

ICMC 2021 invites researchers to explore the following themes:

1. Utilitarian Objects: Objects which played significant roles in rural or urban Asian or Southeast Asian communities in daily life as they were repeatedly used (tools for specific crafts or for the home such as kitchen utensils, objects used for hygiene or beauty etc.)
2. Moving Objects: Everyday life objects used when travelling during a period of time; objects travelling from one place to another over time, brought in another country as markers of identity (e.g., diasporas, migrations or emigrations), or by merchants (e.g.: marketplaces and retailing) in Asia or Southeast Asia through the ages
3. Playful Objects: Objects designed to entertain children or families in daily life; for hobbies, pastimes and leisure time (toys, puppets, masks, props and costumes; objects used in festivals etc.)
4. Objects Through Time(s): Ceremonial, symbolic or ritualistic objects which passed from one generation to another; vintage objects; personal objects which gain sentimental value, or which were linked to the construction of identity and/or gender over time; timeless objects; ageing objects; recycled and second-hand objects

Note that we welcome contributions that have an “history from below” perspective and/or pay particular attention to the lower classes, the world of tradesmen and their shops, the workshop/craft space but also the home and private spaces.

Please visit: https://university.sunway.edu.my/ICMC2021

Submit a 500-word proposal with your short CV to Prof. Sabine Chaouche and Dr. Fiona Wong at info_icmc@sunway.edu.my by 20th April 2021. Notifications of acceptance will be sent by 20th May 2021. Submission guidelines at:
https://university.sunway.edu.my/ICMC2021/submission-guidelines

ICMC 2021 invites researchers to explore the following themes:

Please visit: https://university.sunway.edu.my/ICMC2021

Submit a 500-word proposal with your short CV to Prof. Sabine Chaouche and Dr. Fiona Wong at info_icmc@sunway.edu.my by 20th April 2021. Notifications of acceptance will be sent by 20th May 2021.
Submission guidelines at:
https://university.sunway.edu.my/ICMC2021/submission-guidelines