Orson Welles Research Papers - Academia.edu (original) (raw)

O artigo procura problematizar, na sua origem, os fundamentos da predominância dos pressupostos técnicos e tecnológicos do cinema, questões que estão, frequentemente, na base da distinção do género, nomeadamente a tendência para uma dissociação recorrente do designado "cinema fantastico" e/ou de "ficção científica" dos géneros ditos realistas, e a marcação de fronteiras entre cinema documental e cinema dito de ficção.

- by
- •
- Film Studies, Film History, Orson Welles, Fiction

Nel suo film "The Trial" del 1962 il regista Orson Welles interpreta con sorprendente penetrazione intuitiva l'omonimo romanzo di Kafka, riproducendone le architetture esheriane e "l'angoscia senza forma". Un incubo del giovane Welles riportato da un suo biografo, le circostanze della produzione di "The Trial" e il suo contenuto, sono occasione per tracciare una narrativa delle esistenze sia del regista che dello scrittore, focalizzando le rispettive esperienze traumatiche ed esaminando la loro peculiare creatività in termini di "posttraumatic growth".

- by Daniela Toschi
- •
- Franz Kafka, Orson Welles, Complex Ptsd, Posttraumatic Growth

Una tragedia, un melodramma, un film: Macbeth. Tre autori: William Shakespeare, Giuseppe Verdi, Orson Welles. Una minuta costellazione di testi, ognuno dei quali ospita i testi precedenti, presentandosi come un tessuto di richiami, citazioni, rimozioni e vuoti non sempre istituiti secondo la logica di una derivazione localizzabile, di un’imitazione volontaria, ma spesso secondo una logica della disseminazione. Più del fatto che un testo ne riproduce un altro, deve essere considerato rilevante il fatto che ognuno di essi produce un senso relativamente autonomo nel momento in cui riattiva in tutto o in parte il senso dei testi che sono in esso disseminati, prima di innestare a sua volta del senso in quelli in cui viene successivamente in tutto o in parte disseminato.
I tre Macbeth vengono letti come altrettante epifanie di un unico testo, il cui significante, al di là delle metamorfosi che lo investono (dal linguaggio verbale a quello musicale a quello cinematografico), lavora incessantemente su se stesso in relazione a un ristretto numero di nuclei semantici. I tre autori vengono colti nell’atto di codificare, decodificare e surcodificare testi, cioè mentre scrivono, leggono e attraversano senza sosta la frontiera tra scrittura e lettura, portando a compimento qualcosa che non è né l’una né l’altra, qualcosa di instabile, di fuggitivo, che riunisce in sé i tratti dell’interpretazione, della citazione e della trasposizione. Ci appaiono cioè come autori-lettori che non solo decifrano, ma accumulano linguaggi, si lasciano instancabilmente attraversare da essi, divenendo a loro volta il luogo e la figura di quell’attraversamento.

- by Fabio Vittorini
- •
- Shakespeare, Psychology of Unconscious, Orson Welles, Giuseppe Verdi
- by Brooke Rollins
- •
- Film Studies, Masculinity Studies, Auteur Theory, Orson Welles
- by John S Partington
- •
- Radio, Science Fiction, Orson Welles, H. G. Wells
- by Elena Dagrada
- •
- Film Studies, Film Theory, Orson Welles, Media and Culture

El presente artículo recorre diferentes proyectos específicos elaborados para la televisión por cineastas trabajando en la órbita de alguna de sus fuentes de origen: teatro en Renoir, novela realista en Pialat, televisualidad en Lynch, y oralidad en Welles. Los específicos de la duración, la repetición o la serialidad, más otras coordenadas afines a la televisión como la simultaneidad, la intimidad y el alcance popular del medio, han convertido a la televisión en un territorio de infinitas posibilidades a explorar a partir de asumir una cierta pobreza de la imagen, esbozada ya en los trabajos televisivos de esos cuatro cineastas.

- by Glòria Salvadó-Corretger
- •
- Film Studies, Television Studies, Radio, Cinema

As expected, the 2015 centenary of the legendary Orson Welles re-sparked interest in the life and work of one of the most controversial artists of film history – if the incessant attraction
needed to be re-sparked. But what more could be put on paper or film about Welles?
Are there any more mysteries that the director of world-acclaimed masterpieces like Citizen Kane, The Magnificent Ambersons, Touch of Evil or Chimes at Midnight held from the audience and film scholars?
Josh Karp found it in the movie that everyone has been talking about for forty-five years but few have really seen its magnificence.

- by Daniel Iftene
- •
- Film Studies, Film History, Orson Welles

Montagesequenzen in Erzählzeit und erzählter Zeit vollkommen variabel sind, scheinen Plansequenzen, die ja komplett ohne Schnitt auskommen, einen gleichmäßigen Zeitfluß, ein Echtzeiterleben zu suggerieren. Unser Autor Ulrich Meurer widmet sich dieser Ordnung mit einer blitzsauber getexteten Plansequenz. AUTOR l UlR1CH MEURER THEMA ALLES FLI ESST DIE ORDNUNG DER PLANSEQUENZ -.,. _TOUCH OF EVIL~ (ORSON WELLES, 1958): JANET LEIGH UND CHARLTON HESjON IN GLEI,ENDER CHOREOGRAPHIE

- by Ulrich Meurer
- •
- Cognitive Psychology, Aesthetics, Visual Studies, Film Studies
- by Dean A Hoffman
- •
- Film Studies, Biography, Orson Welles

La literatura ha sido fuente de inspiración desde los inicios del cine. Muchos directores han buscado en los libros historias que les permitan desplegar todo su ingenio cinematográfico. Uno de los más grandes adaptadores del cine americano fue el enfant terrible Orson Welles. Con una carrera marcada por las leyendas y una insólita forma de afrontar el lenguaje cinematográfico, en la obra de Welles sobresalen las adaptaciones literarias ocupando más de la mitad de toda su producción.

- by Gretel Herrera Durán
- •
- Orson Welles, Cine y literatura

F For Fake (1972), que no Brasil ganhou o título Verdades e men- tiras e em Portugal foi exibido como F de fraude, é o último filme lançado em vida por Orson Welles. Talvez possa ser considerado como o seu testamento. É um filme seminal para quem pensa hoje a questão do filme-ensaio (ou do ensaio fílmico). Apesar de ser considerado genericamente um documentário, é inqualificável. Tem parentesco com o chamado mockumentary (documentira), tipo de documentário cômico, construído sobre informações falsas ou faceciosas. É também um ensaio sobre a questão da cópia e do falso na arte, portanto, uma espécie de tratado audiovisual de estética. Mas pode ser também considerado, ainda, como uma homenagem à tradição da magia, ou, enfim, um filme autobiográ- fico (ou autoficcional, como se diz hoje). Talvez seja tudo isso ao mesmo tempo, pois a heterogeneidade é constitutiva desse filme.

- by Adalberto Müller
- •
- Forgery, Fakery, Fraud, Documentary Film, Orson Welles, Mockumentary

By the time the term “noir” was coined around 1947, the film genre had developed an inventory of visual, thematic, and plot tropes used to identify previous film noirs and utilized in the making of new noirs. Orson Welles, in his three film noirs under inspection here–The Stranger (1946), The Lady from Shanghai (1947), and Touch of Evil (1958)–both masters and reinterprets these tropes to render anew the themes of disruption, malaise, paranoia, and anxiety that are so indicative of the genre. The narratives of each film challenge the typically deterministic worldview of film noir and offer an optimistic existential understanding of one’s fate in the natural world. This paper traces the many creative ways Welles both interprets and reinvents noir standards to produce three unique, self-reflexive, and optimistic interpretations of film noir and offers a commentary on the mid-20th Century American psyche during a time of dramatic social change, specifically in terms of gender and race relations.

- by Austin Pidgeon
- •
- Film Noir, American Film, Orson Welles, Post-War Literature

Gherardo Casale argues that the cinematic style crafted by Orson Welles for his productions of Shakespeare’s plays (Macbeth, 1948, Othello, 1950, and Chimes at Midnight, 1965) recreated an actualized poetic language that, through symbolic writing, retains the foundations of Shakespeare’s art. Although made at very different stages of his career and exhibiting diverse cinematic styles, Welles’s filmic adaptations of Shakespeare‐s plays share a peculiarity with many of his other works: an engaging incipit that sets the movie’s tone and mood in a uniquely powerful and assertive fashion, oftentimes deviating from the standard conventions of narration. From Citizen Kane (1941) to Touch of Evil (1958), Mr. Arkadin (1955) to The Trial (1962), Welles could have written an encyclopaedia about the opening sequences in the cinema. This essay closely examines these brief segments of film, and argues that they can provide a great deal of information on Welles’s strategies in adapting the ‘playhouse documents’ that we know as the works of William Shakespeare.

- by Alberto Zambenedetti
- •
- Orson Welles, Othello, Macbeth, Incipit

Enrico Meneghelli RIFLESSIONI SU IL PROCESSO di ORSON WELLES INTRODUZIONE Orson Welles, nei panni dell'avvocato Albert Hastler nel film Il Processo (1962), pronuncia queste parole: "Non è obbligatorio credere che tutto sia vero ma solo che tutto è necessario". Sono parole non recitate da un semplice personaggio, ma da Orson Welles che in questo film ricopre tre ruoli: regista, narratore extradiegetico e personaggio. Inoltre vengono pronunciate in un momento di forte esteticità: il personaggio K. è in un salone, adibito a sala cinematografica, dietro di lui vi è uno schermo dove vengono proiettate dall'avvocato le immagini del prologo del film. Tali immagini proiettate investono Joseph K., la sua ombra si staglia sullo schermo alle sue spalle. Le parole dell'avvocato (personaggio) ricalcano e si sovrappongono a quelle pronunciate dal narratore extradiegetico nella prefazione, i suoi gesti (il cambiare le diapositive) creano un montaggio interno al film come ne fosse il regista. La scena sembra ibridare i tre ruoli. Orson Welles è nello stesso tempo regista, narratore e personaggio, le sue parole si prestano a più piani di lettura, sono interne ed esterne alla narrazione; sembrano ragionare sulla natura del linguaggio cinematografico. La scena appena descritta è un sottile gioco metalettico che possiamo analizzare grazie alla narratologia genettiana. La mia analisi si propone di approfondire proprio questo linguaggio e il modo in cui il cinema ci parla, di effettuare un'analisi narratologica che guarda al significante, al rapporto tra discorso del film e discorso del racconto. Analizzerò alcuni aspetti di questo linguaggio nel film Il Processo di Orson Welles. Mi concentrerò soprattutto sul film, con qualche accenno al romanzo. Molti critici, all'uscita della pellicola, criticarono la sua scarsa fedeltà al romanzo, non considerando che la riscrittura di un'opera crea una nuova opera. Guido Fink proprio a questo proposito ricorda: "Il cinema è una cosa e la letteratura un'altra, ognuno dei due mezzi ha un suo tipico linguaggio" 1 ; " Il Processo non è più Kafka, e non risulta nemmeno un'opera autonoma." 2 Quest'aspetto è dimostrato proprio dalla scena appena descritta: l'episodio è tratto dal libro ma rielaborato a tal punto da perdere tutti i suoi significati originali e alla fine sembra parlarci d'altro. Il cinema è "menzogna elevata a principio universale", usando le parole di K.

- by Enrico Meneghelli
- •
- Franz Kafka, Cinema, Orson Welles, Cinema Studies

Un estudio sobre la arquitectura en tres directores cinematográficos: Orson Welles, Jacques Tati y Wim Wenders, incidiendo en dos películas de cada director. Seguido de un artículo sobre las relaciones entre el espacio arquitectónico y el... more

- by Jorge Gorostiza
- •
- Orson Welles, Cinema and Architecture, Space in Film, Jacques Tati
- by Adalberto Müller
- •
- Archives, Film Adaptation, Orson Welles, Don Quixote

The artistic contribution of Directors of Photography to the films that they shoot, in narrative mainstream cinema, have been historically ignored in favour of the director-centred auteur theory. In order to address this imbalance a new approach to attributing authorship in film needs to be implemented, which acknowledges co-authorship in collaborative film-making. By taking established auteur method-ologies Philip Cowan, himself a practicing Director of Photography, analyses the work of Gregg Toland, who has long been recognised for his technical contribution to Citizen Kane (Welles, 1941), but only by analysing his previous work can one actually realise the depth of his influence on the visualisation of Kane.

- by Philip Cowan
- •
- Orson Welles, Cinematography, Film Authorship, Citizen Kane

During the thirties and forties, when he was letting himself be drawn into long chats with his friends on film topics, the eager theatre-goer Borges wrote a few short pieces on film. Sixteen short reviews remain (all published in the Buenos Aires magazine Sur between 1931 and 1945), together with a few notes, a prologue and two synopses, written with Adolfo Bioy-Casares (for two movies by Hugo Santiago). Eduardo Cozarinsky has collected and edited them in Borges en / y / sobre cine; Waldman and Christ have translated them in Borges in / and / on Film. The three texts below are retranslated for AC9. Borges wrote on Eisenstein, von Sternberg, Chaplin, King Vidor, Ford, Hitchcock, Korda, Welles, Cukor, Dreyer, Mayo, Fleming, Wyler, and on such Argentinean directors as Mario Soffici and Luis Saslavsky; he wrote on others, also, less gently. His notations are short and to the point, displaying idiosyncrasies and turns of phrase not uncharacteristic of the style of his essays and fictions. Borges knew that subtitles volunteer a kind of proletarian resistance to the epidemic of foreignness, and that dubbing does little to fence off the sentimentalism of adaptation. As an unabashed man of letters, he vested his film interests mostly in plot developments; he went for the story and against its watering down that, according to his lifework, the novel thrives on (later he avowed that John Wayne embodied the hopes for a modern revival of the epic). Bring no popcorn: even before blindness came to him, Borges's movies were not quite on the screen-true movies never are.

- by calin-andrei mihailescu
- •
- Film Theory, Jorge Luis Borges, Film History, Orson Welles

de este. Sin embargo, el resultado, de la mano de Welles, ha significado siempre lo contrario: la construcción de un genuino pensamiento fílmico (es decir, un razonamiento a través de la imagen). 2. WILLIAM SIMON: "Hello Americans and Ceiling Unlimited: Two Little-Know Welles Radio Series", ponencia presentada en New York University, en el marco del congreso, Orson Welles: Theatre, Radio, Film, A Major Retrospective and Critical Examination, Tisch School of the Arts, Mayo 1988. 3. ESTEVE RIAMBAU: Orson Welles, una España inmortal (Vol. I), Filmoteca de la Generalitat Valenciana/Filmoteca Española, 1993, pág. 108. 4. Román Gubern lo utiliza para caracterizar algunas películas de Godard en su Godard Polémico, y Àngel Quintana reclama para Rossellini la primacía de su invención en su monografía sobre el director italiano. 5. "Jean-Luc Godard par Jean-Luc Godard" (tomo 1), París, Cahiers du cinéma, 1998, pág. 298. 6. SIMON WILLIAM, conferencia citada. El film-ensayo: la didáctica como una A c t i v i d a d s u b v e r s i v a Hiroshima mon amour (Hiroshima, mi amor, Alain Resnais, 1959) 1969), París, Gallimard, 1994, págs. 293-337. 24. Este atisbar del lector "por encima del hombro" de un personaje, esta visión constantemente desplazada, supone un claro antecedente de la que luego se convertirá en estructura retórica de tipo hegemónico en el ámbito del cine clásico: la disposición "plano-contraplano". Esta figura es, por otro lado, más crucial incluso que el tantas veces ensalzado primer plano, ya que permite, quizá no tanto "suturar" el texto, como quería Benveniste, sino extraerlo de su inmediata textualidad, a través de cimentar una visión alucinatoria, instalada entre dos miradas objetivas. Qué duda cabe de que esta visión vicaria fue desarrollada también a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX por la naciente novela detectivesca, como ya he expuesto en otro lugar (Elogio de la Paranoia, Fundación Kutxa, 1997) 25. FOUCAULT, en su artículo, propone un esquema ligeramente distinto para visualizar la misma fenomenología.

- by Josep Maria Català Domènech
- •
- Orson Welles, Documental, Cine documental, Film ensayo

A summary of the view expressed in Mr. Marker's essay that the 1948 production of Macbeth was a veiled depiction of the communist witch hunts of the of the "First Red Scare." The original essay was published in Literature Film Quarterly... more

Many trade in illusions and false miracles, thus deceiving the stupid multitudes

- by Alessio Mannucci
- •
- Friedrich Nietzsche, Sigmund Freud, Personal Identity, John Locke

En los siguientes párrafos va a encontrar una pequeña investigación, sobre el film Sed de mal (Touch of evil, 1958), de Orson Welles. Asimismo, se ha realizado una reflexión y una valoración acerca del autor y su película. Se ha... more

- by Javi Gonzalvez
- •
- Film Studies, Film Noir, Orson Welles, Cinema Studies
- by Elena Dagrada
- •
- Film Studies, Film Theory, Film History, Orson Welles

Μια προσέγγιση υπό το πρίσμα της διακαλλιτεχνικότητας I. Σκοπός και δομή της εργασίας Η παρούσα εργασία έχει στόχο διπλό: από τη μία φιλοδοξεί να παρουσιάσει έναν λεπτομερή δομικό σκελετό, αφενός του καφκικού έργου «Η Δίκη», αφετέρου της απόδοσης του έργου από τον Welles το 1963 υπό τον τίτλο «The Trial» και από την άλλη να υποδείξει και να ερμηνεύσει το πώς αυτός ο μεγάλος σκηνοθέτης προσλαμβάνει και αποδίδει το διάσημο έργο.

- by Alexandros Antoniou
- •
- Comparative Literature, Literature and cinema, Franz Kafka, Orson Welles

Traducción de "Un solo rudere", declamado en "La ricotta" (1963) e incluído en "Poesia in forma di rosa" (1964); y "Marilyn", recitado en "La rabbia" (1963), ambos, de Pier Paolo Pasolini. Mis traducciones se pueden consultar en la pág.... more

In November 1968, Jack Valenti, then president of the Motion Picture Association of America (MPAA), created the Rating System so that theater owners could indicate to families which films were suitable for children. New and talented young producers such as Bert Schneider took great advantage of the new opportunities this system offered. Orson Welles, still self-exiled in Europe, himself wanted to take advantage of the changed climate in Hollywood. Thanks to the support of his new partner, Oja Kodar, Orson Welles decided that his films would explore sexuality in a more explicit way. Nudity, corporeity, and sex (though already appearing in his previous films) are copiously dealt with in The Other Side of the Wind , whose initial conception and realization was largely due to Oja Kodar. One of the film’s most iconic sequences, the “car sex scene”, features well-known Wellesian techniques as applied to the depiction of dominant female sexuality.

- by Massimiliano Studer
- •
- Orson Welles, Hollywood, Cinema Studies, MPPA

French philosopher Gilles Deleuze wrote two 'logic' books: Francis Bacon: The Logic of Sensation and The Logic of Sense. However, in neither of these books nor in any other works does Deleuze articulate in a formal way the features of the... more

- by Corry Shores
- •
- Logic, Fuzzy Logic, Gilles Deleuze, Henri Bergson

By means of Vivian Sobchack's semiotic film phenomenology, we may examine our immediate perceptual acts in film experience in order to determine the ways that the primordial language of embodied existence found at this primary level grounds the secondary level of the more explicit interpretations we give to the film's elements. Although Gilles Deleuze is openly defiant toward the phenomenological tradition, his studies of film experience can serve this purpose as well, because he is interested in the direct and pre-verbal significance of cinematic images. To bring his observations more fruitfully into film phenomenological studies, I will examine his notion of the discordantly operating body and as well offer a phenomenological interpretation for his notion of cinematic signs. I then apply this Deleuzian semiotic film phenomenology to his analysis of deep focus cinematography in Orson Welles' Citizen Kane (1941). When watching one particular scene, different layers of our film experience, namely, those of visual and of temporal depth, collide in such a way that they provide the phenomenal basis for us to produce a temporal interpretation of the spatial relations held between the displayed images.

- by Corry Shores
- •
- Film Studies, Film Theory, Synaesthesia, Time-Consciousness

O livro de Denilson Lopes desenvolve, em uma perspectiva sócio-histórica e transdisciplinar, a relação entre melancolia e neo-barroco. A melancolia – sensibilidade estética, catastrófica, antiutópica – se define pela aflição diante da passagem do tempo. Trata-se de uma sensibilidade cristalizada como um imaginário no período barroco e que retorna na segunda metade do século 20 como neo-barroco.
Dentro da fragmentação do texto é possível vislumbrar cinco partes: neo-barroco, camp, dandismo, viagens e leveza. E para sua análise o autor escolheu três romances – A Menina Morta, de Cornelio Penna, Crônica da Casa Assassinada, de Lúcio Cardoso, e Ópera dos Mortos, de Autran Dourado – e quatro filmes – O Leopardo, Ludwig e Violência e Paixão, de Luchino Visconti, e Salão de Música, de Satyajit Ray.
A partir das categorias tempo, espaço e subjetividade, a obra é realizada por duas mediações: a imagem material, poética e cronotópica da casa como ruína, labirinto, teatro do mundo (espetáculo e artificialidade); e o personagem alegórico dos herdeiros e príncipes despojados de poder. Linhagem que inclui os poetas ultra-românticos, os dândis decadentistas, os punks góticos e todos aqueles que não se adequam ao império da velocidade e efemeridade contemporâneas. Os que delicadamente se afastam do centro das atenções.
Os romances traduzem uma tradição do Barroco no Brasil, distinta da expressa na literatura hispano-americana contemporânea. Já os filmes, ao diluir ou perverter as fronteiras entre cinema clássico e moderno, constituem um solo sobre o qual pode ser pensada uma narrativa de pós-vanguarda.
Para além de interesses acadêmicos, o livro é um acerto enviesado e pessoal com os anos 80, uma viagem pela dor e pela solidão, um confronto com a fugacidade dos afetos e uma busca quase desesperada de beleza e leveza. Para Denilson Lopes, a melancolia constitui, neste fim de século, uma porta de entrada para repensar nossa época por meio da arte, o que levaremos para o próximo milênio, o que queremos.
Silviano Santiago escreve a respeito de Nós os mortos: “A melancolia foi tomada no belo trabalho de Denilson não como tema objetivo extraído de textos teóricos e de obras artísticas, mas como matéria para um narrador em primeira pessoa escrever uma prosa ficcional erudita. Para evitar o suicídio da estirpe dos melancólicos, exige-se a autocontemplação estilizada dos pares. A pulsão de morte do narrador neutraliza a pulsão de vida do leitor. Nós os mortos. “O que somos sem essa pedagogia da morte?” – o narrador pergunta

- by Denilson Lopes
- •
- Comparative Literature, Labyrinths, Melancholy, Sociology of Arts

The aim of this article is to offer a comparative scene analysis of two films, one by Orson Welles and another by Oliver Parker, that were adapted from William Shakespeare's Othello. The analysis mainly concentrates on aspects of mise-en-scene and cinematography, focusing on the particularities related to the character Iago and his manipulative strategies. Welles presents an innovative use of deep focus cinematography that highlights Iago's manipulative skills by offering an intense view of his multiple facets. This characteristic is portrayed in a distinct way in Parker's film with the management of different settings and character interaction based on close proximity.

- by Janaina Mirian Rosa and +1
- •
- Shakespeare and film, Shakespearean Drama, Orson Welles, Othello
- by Caterina Di Fazio
- •
- Edgar Morin, Maurice Merleau-Ponty, Orson Welles, Alfred Hitchcock
- by Antonio Candeloro
- •
- Literature and cinema, Orson Welles, Miguel de Cervantes, Cinema Studies

Entre los modos de representación del poder, se aborda el género fílmico de procesos judiciales o cine de juicios, profundizando en uno de sus reflejos más significativos, El Proceso, dirigido en 1962 por Orson Welles, donde el espectador se identifica con el angustiado señor K. en su lucha contra el corrupto sistema judicial que lo procesa sin motivo. Este mágico filme de simbólica belleza visual se contrasta con la enigmática novela (1915) de Franz Kafka adaptada.
En palabras del prologuista Román Gubern: “Ante este material audiovisual tan rico, Brisset lleva a cabo una cirugía hermenéutica del texto (en realidad de dos textos, de Kafka y de Welles), utilizando un método interdisciplinario, en el que no faltan las referencias a la iconografía, a la narratología, a la antropología, al psicoanálisis, a la sociología y a la semiótica. Para quienes admiramos tanto la obra de Kafka como su versión realizada por Welles, su lectura constituye un inmenso placer."

- by Demetrio E. Brisset
- •
- Film Analysis, Courts, Franz Kafka, Justice

Con ocasión del primer centenario del nacimiento del cine, prestigiosos directores y productores de todo el mundo proclamaron a Citizen Kane, de Orson Welles, la mejor película de todos los tiempos" 1 . Esta noticia refleja la historia del filme durante la segunda mitad del siglo XX. Varias encuestas repetirán el mismo resultado y la fama de mejor película de todos los tiempos precederá sus exhibiciones. Habrá que esperar al siguiente siglo para que otras producciones encabecen las encuestas y el filme de Welles quede, eventualmente, desplazado, pero sin que su prestigio y estimación experimenten merma.

- by Maximiliano Figueroa
- •
- Modernity, Cinema, Orson Welles, Ética

Atticus: Nombre del personaje de la novela Matar un ruiseñor de la escritora Harper Lee. Fue llevada al cine protagonizada, magníficamente, por Gregory Peck. Atticus Finch representa los valores de un hombre tolerante, justo, recto que... more

- by María José Martínez Ruiz
- •
- Cinema, Orson Welles, Historia Cultural, Festival de Cinema

es un referente a nivel internacional de la restauración fílmica. Además de ser un gran investigador e historiador del cine mudo, Berriatúa es en la actualidad uno de los mayores conocedores de la obra de F. W. Murnau. A través de sus diferentes libros, monografías y restauraciones, tenemos acceso a muchos materiales en español sobre el trabajo de Murnau. Berriatúa llegó al mundo de la restauración cinematográfica simplemente porque le interesaba ver las películas tal y como eran y no como muchas veces se comercializan: «Para mí, restaurar es poder presentar la película como se vio y como era en su día, no mejorar, ni cambiar. Creo que estas modificaciones son falsificaciones y operaciones comerciales» (1). Partiendo de esta afirmación fue precisamente como comenzó nuestra conversación que acabó derivando en muchos otros aspectos.

- by Laura Bondía
- •
- Film History, Orson Welles, F.W. Murnau, Fritz Lang

Deleuze’s notion of the powers of the false is central to his philosophy of truth and becoming, but it is also one of his most complexly elaborated ideas, with its various diverging conceptual dimensions inviting further analysis and reconfiguration. One perplexing conception here is that falsity is more primary than truth, because it is what creates truths of the highest order. We examine the thinking behind this idea by proceeding through Deleuze’s notions of the Devil and the sorcerer, Dupréelian consolidation and consistency, the false movement of the world, the powers of the false in contrast to mere falsity, having done with judgment, the simulacrum, and three particular figures of the falsifier, namely, the fabulist, the clairvoyant seer, and the self- and world-creative artist.

- by Corry Shores
- •
- Film Studies, Painting, Philosophy of Film, Truth
- by Kevin Riordan
- •
- World Literatures, Travel Writing, Cosmopolitanism, Periodical Studies

A sessantatré anni dalla sua uscita nelle sale cinematografiche The Tragedy of Othello: The Moor of Venice, di Orson Welles, rappresenta ancor oggi un perfetto caso nell'indagine dei rapporti che intercorrono tra opera letteraria-teatrale e trasposizione cinematografica. Quali sono i processi che regolano l'adattamento filmico di un classico del teatro occidentale? Quali sono le strategie che il mondo cinematografico adotta nell'interpretazione della fonte letteraria? E ancora: risulta più efficace attenersi strettamente al testo originale o reinterpretare lo stesso col fine di renderlo più intelligibile per un medium che, per sua natura, risulta estremamente diverso dalla carta stampata? È evidente che l'immaginario filo conduttore che lega letteratura, teatro e arte cinematografica solleva tutta una serie di interrogativi, sovente di non facile risoluzione.

- by Stefano Varotto
- •
- Philology, Literature and cinema, Shakespeare, Cinema

Among the works of art in Hearst Castle (San Simeon, California) there is a reliquary bust of St. John the Baptist in silvered and gilded wood, bought by W.R. Hearst in 1927 at the auction in New York of the Madrid collection
of Count de Las Almenas. Having linked the bust to others held at the Museo Nacional de Escultura in Valladolid coming from the convents of San Pablo and San Diego – both of which had been commissioned
by the Duke of Lerma, valido under Philip III of Spain – the present contribution proposes that the sculpture be assigned to the Neapolitan artist Aniello Stellato, who was probably the author of a large number of
these two series of Valladolid reliquaries (1606-1608), and advances the hypothesis of a possible connection with the collection in the convent of San Pablo.

- by Luigi Coiro
- •
- Orson Welles, Art Market, Spain, Naples

In the words of painter Stuart Davis, secretary of the American Artists; Congress, in the 1930s, "The artists of America do not look upon the art projects as a temporary stopgap measure, but see in them the beginning of a new and better day for art in this country." Let's, for a few moments, look at the relevancy of these words, today, through the question of control, sponsorship and innovation through the rise and fall of The Federal Theater during the time of President Roosevelt. " Young Americans in the 20s and 30s got an education in the theatre, for almost every subject of importance was discussed in the best plays of these years, from social and political philosophy to sexual morality. The censors, official and unofficial had not yet moved in." Willard Thorp pg 63 "American Writing in the Twentieth Century" Harvard University Press.

- by Narveen Aryaputri
- •
- History, Improvisation, Theatre Studies, Theatre History